Cine y resistencia

Falleció Antxón Eceiza, cineasta comunista vasco

2012-01-31T23:55:00.000-05:00

El director Antxon Eceiza, histórico del cine vasco, ha fallecido el 16 de noviembre pasado en su San Sebastián natal a los 76 años después de una larga enfermedad. Comenzó rodando documentales junto a Elías Querejeta, hasta que el exilio en México por motivos políticos partió su carrera cinematográfica. Autor de entre otros largometrajes 'El próximo otoño' (1967), 'Las secretas intenciones' (1969) y 'Días de humo' (1989), Eceiza produjo una serie de filmes bautizados Ikuska, con los que se pretendía cubrir la formación de técnicos y la realización de cine en euskera.

El realizador donostiarra recibió en 2003 el premio Ama Lur el día que el Festival de San Sebastián dedica al cine vasco. Llevaba inactivo desde hacía casi una década, cuando estrenó la apenas vista ‘Felicidades Tovarich’ (1995), con Francisco Rabal y Ruth Gabriel. En una entrevista a El Correo, reconocía entonces que, en materia de cine, el País Vasco era "el Tercer Mundo". "Hace treinta años pedí que se oyesen todas las voces, que no se limitara el cine vasco al rodado en euskera o al hecho por productoras vascas".

Eceiza confesaba haber llevado una existencia plena dedicada a las películas: "No sé si he tenido logros artísticos, pero sí una vida interesante en la que he cobrado por hacer lo que me gustaba". Y retaba a las productoras, que nunca más le dieron trabajo: "Estoy a su disposición. Sigo libre, fuerte y joven".

Fuente: http://euskalherriasozialista.blogspot.com

"Vietnam: los archivos perdidos"

2012-01-18T13:04:00.001-05:00

Nueva serie de History Channel

Sinopsis de los episodios:

El inicio & busca y destruye, miércoles 18 de enero

En 1965 la Operación Rolling Thunder ruge en el cielo y en los suelos de Vietnam del Norte por parte de las tropas estadounidenses. Los soldados estadounidenses son superados en número en el valle de Ia Drang; esta es la primera gran batalla de la guerra. Charles Brown lucha por su supervivencia en las laderas de la sangrienta Colina 875. En Estados Unidos el público comienza a cuestionar la estrategia militar que está siendo aplicada

La ofensiva & guerra infinita, jueves 19 de enero

El enemigo gana terreno con la Ofensiva del Tet, una operación militar que ataca por sorpresa a los estadounidenses. En Khe Sanh y Pleiku, las tropas gringas montan una contraofensiva mientras que en casa, el fervor antiguerra se enciende. En la selva amarga de la Colina 484, Karl Marlantes lucha por su vida. Arthur Wiknik comanda el combate de Hamburger Hill.

Cambios & paz con honor, viernes 20 de enero

La retirada de las tropas estadounidenses comienza mientras que sus aliados se hacen cargo de la guerra. Gery Benedetti patrulla las aguas hostiles del Delta del Mekong. James Anderson comanda a un batallón en Camboya después de una controvertida orden de Nixon. Don DeVore lucha por sobrevivir a un feroz ataque de noche. Los últimos soldados estadounidenses regresen a casa y la caída de Saigón trae consigo la unificación de Vietnam.

Milk: una lección política

2012-01-14T14:02:00.003-05:00

Jordi Costa
El País

La carrera política de Harvey Bernard Milk, concejal del Ayuntamiento de San Francisco entre el 8 de enero y el 27 de noviembre de 1978 (la fecha de su asesinato), fue tan breve como inabarcables resultan los ecos de su legado en la historia del activismo gay: primer político americano abiertamente homosexual, Milk ha inspirado un musical, una ópera y una biografía de referencia -The Mayor of Castro Street, de Randy Shilts- que sirvieron de punto de partida a un documental oscarizado -The Times of Harvey Milk (1984), de Rob Epstein y Richard Schmiechen- y que ya había sido tanteada por Gus Van Sant para una posible adaptación cinematográfica que no vio la luz.

Las diferencias entre esa película nonata y la que ha acabado realizando el mismo director con la complicidad del aquí guionista Dustin Lance Black -y, a su vez, cineasta claramente comprometido con la causa gay- y de un Sean Penn con lujuria de Oscar pertenecen al terreno de la conjetura: quizá podría haber sido una película más agresiva, airada o radical, pero la sombra de esas posibilidades no debería difuminar los méritos de Mi nombre es Harvey Milk, un trabajo que extrae su fuerza precisamente de su capacidad de doblegarse a la convención para lograr sus propósitos. En cierto sentido, Gus Van Sant actúa como el Harvey Milk que utilizó su corte de pelo y su indumentaria -un espejismo de orden- como arma política orientada a captar la benevolencia del votante.

Capaz de desconcertar a los más firmes creyentes en su integridad indie con dos desalentadores ejercicios de estilo mainstream -El indomable Will Hunting (1997) y Descubriendo a Forrester (2000)-, Gus Van Sant llevaba cuatro películas indagando en la esquiva caligrafía de la violencia, la destrucción, el azar y sus derivas en una marcada clave autoral -Gerry (2002), Elephant (2003), Last Days (2005) y Paranoid Park (2007)-, antes de afrontar este nuevo cambio de registro en dirección al gran público. Tenía este crítico la impresión, probablemente equivocada, de que tanto en esas excursiones mainstream como en su reciente ensimismamiento artie, Gus Van Sant no dejaba de ser un maestro de la impostura.

Mi nombre es Harvey Milk revela otra cosa: al poseedor de una autoría líquida capaz de cambiar de piel y estilo según las exigencias del proyecto que tiene entre manos. En este caso, la vida de Harvey Milk parece estar tan cerca de las propias convicciones personales del cineasta, que el lenguaje conservador -el del biopic oscarizable- se revela como la mejor opción posible para que el proyecto alcance toda su funcionalidad política.

Explotando las posibilidades didácticas del género en el que se inscribe, Mi nombre es Harvey Milk consigue hacer transparente y comprensible un proceso sumamente complicado: la articulación de una reivindicación política en el tejido de una ciudad a partir de la apropiación comunitaria de uno de sus barrios, el trenzado progresivo de un lobby de influencia y la racional infiltración en sus órganos de poder. La película es mucho más que la hagiografía de un activista gay: es toda una lección de política americana y, al mismo tiempo, la crónica de un civilizado juego de estrategia ciudadana cuya meta final es la conquista de libertades colectivas.

Para J. Hoberman, crítico del Village Voice, es la primera película americana abiertamente obamista: una Vida Ejemplar trazada con los colores de la esperanza y que no hurga en las turbulencias políticas que siguieron al asesinato de Milk y el alcalde George Moscone a manos del exconcejal Dan White. Sean Penn ofrece un intenso recital de contención en la piel de este mártir ciudadano que, pese a su temperamento discreto, supo entender que la política de su país tenía una de sus claves en el sentido del espectáculo.

El conflicto social y la huelga en el cine

2012-01-07T13:18:00.001-05:00

Por Samuel García Arencibia

Últimamente he visto dos películas que me han devuelto a la emoción y la admiración por las viejas luchas de nuestros padres, abuelos y antecesores. En ellas, los trabajadores se atreven, en unas sociedades más precarias que las nuestras, a luchar contra la clase opresora sin otras armas que su unión y su sacrificio, para mejorar sus condiciones de vida. Ese cine puede estimular la conciencia y la actitud de lucha social en estos momentos de derrotismo. Aunque sólo sea una aficionado al cine y no vaya a comentar mucho de esas películas me pareció una buena idea escribir esta entrada sobre películas, ya que hace mucho tiempo que no escribo sobre cine. Serían estupendas las invitaciones a otras películas que pudieran hacer en los comentarios.

La primera película fue "La sal de la tierra" de 1955. En ella unos mineros de Nuevo México se enfrentan a sus patrones por sus condiciones de trabajo. Lo más hermoso de la película es la alianza entre la lucha de clases y la lucha de géneros, pues las mujeres cobran protagonismo en la lucha de todos contra la pobreza a la que son sometidos.

La segunda película reciente que vi fue "Los compañeros" de Monicelli de 1963. En este caso los trabajadores de una fábrica también reivindican desde su fábrica, hacen huelga por las condiciones de trabajo. Es una comedia, pero permite también aproximarse a la realidad cruda de una huelga. Se ve el autoritarismo con el que el Estado ayuda a las clases propietarias.

Mientras me animaba a escribir este artículo busqué en mi memoria otras películas. Se me vinieron a la cabeza algunas. No sé si las recordaré ahora todas.

Recuerdo con especial cariño una de Ken Loach, "Pan y rosas". Con ella lloré de emoción. La acción ocurría en el tiempo presente, en los Estados Unidos con unos sindicatos históricamente exhaustos en un país donde nunca hubo una afiliación fuerte. Hace tiempo desde que la vi, quizá debiera volver a verla, pero la recuerdo con nostalgia. Hay una mezcla de romanticismo y lucha social, inmigración ilegal.

También hace tiempo, vi "Germinal", de Jean Claude Berri, basada en la novela, también leída, de Emile Zola. Igualmente hay romanticismo, una historia de amor platónico del foráneo con experiencia socialista que llega a una mina donde hay una incipiente organización sindical y una mujer que se ve obligada a convivir con el trabajador esquirol y machista, típico en esas comunidades obreras. Ocurre en una mina francesa.

"La madre" de Pudovkin es del mismo modo una adaptación de una novela, de Gorki. En este caso, la novela me encantó y la película me pareció una adaptación alejada del centro de interés del autor de la novela. Otra película soviética sobre el tema es precisamente "La huelga" de Eisenstein. De cine mudo las dos, ambas narran sucesos de la Rusia zarista.

Excepto, "Pan y rosas" todas son películas basadas en los momentos de crecimiento o consolidación del movimiento obrero. Excepto esta y un poco "Germinal", todas son películas con varias décadas. Parece que el cine social (que atiende la cuestión social) o socialista (que pretende contribuir al progreso socialista) han disminuido en paralelo con las renuncias sociales a la ofensiva y defensiva de los valores de igualdad y fraternidad (o a la libertad de las clases dominadas sobre las clases dominantes). Hay maravillosas excepciones (Loach, Gavras, Tavernier, De León y Aranoa, Mañas), pero la clase dominada, en proceso de debilitación sin tocar fondo, no tiene mucha capacidad de hacer cine social y socialista en la cantidad y calidad de las generaciones anteriores, como las generaciones actuales no tiene ni la conciencia ni la organización para mantener el pulso de la lucha histórica de clases.

Bowling for Columbine: Un país en armas

2012-01-04T09:39:00.003-05:00

Aclamado documental de Michael Moore que aborda el tema del alma violenta de los Estados Unidos. ¿Por qué 11.000 personas mueren cada año en ese país víctimas de las armas de fuego? La televisión le echa la culpa a todo, desde Satán a los videojuegos. Pero ¿es tan diferente Estados Unidos de otros países? ¿Qué es lo que le diferencia de otros? ¿Por qué Estados Unidos se ha convertido en autor y víctima de tanta violencia?

"Bowling for Columbine" no es una película sobre el control de la venta de armas, es una película sobre el asustado corazón de Estados Unidos y los 280 millones de estadounidenses felices de tener el derecho de poseer un arma constitucionalmente protegida.

Fragmento del documental en el que se cuenta la historia de los Estados Unidos desde la perspectiva del uso de las armas de fuego.

En este incisivo -cómico y trágico por al mismo tiempo- estudio de la violencia -y su directa relación con las armas de fuego- aparecen numerosas personalidades como Charlon Heston, George W. Bush y Marilyn Manson, entre otros.

Ganó numerosos premios a mejor documental -entre los que destacan los prestigiosos National Board Of Review y el Chicago Film Critics Awards-, así como el premio a la mejor película extranjera -compitiendo con largometrajes- en los César de la Academia Francesa de Cine.

La redada

2011-12-29T15:06:00.002-05:00

"La redada" es un filme que recrea la ocupación nazi y el colaboracionismo francés y se centra en el episodio de 1942 cuando 13.000 judíos fueron detenidos por la policía y posteriormente transportados a los campos de concentración nazis.

“La rafle”, película de Roselyne Bosch, muestra cómo los nazis contaron con la colaboracion de las fuerzas del orden parisinas, que arrestaron en el Velódromo de Invierno de París, el 16 de julio de 1942 a miles de judíos.

Este oscuro antecedente de la historia francesa ha sido tabú en el país y se ha intentado borrar de la memoria colectiva. De los acontecimientos no quedó mayor registro.

La película es protagonizada por Jean Reno y Mélanie Laurent.

Silencio en el paraíso

2011-11-30T00:00:00.000-05:00

Basada en hechos reales, Silencio en el paraíso aborda la historia de Ronald y Lady, dos jóvenes del barrio El Paraíso en Bogotá cuyas vidas se ven trastocadas por los falsos positivos.

Silencio en el paraíso, dirigida por Colbert García y producida por Ocho&Medio Comunicaciones narra la historia de Ronald, un jóven de 20 años que realiza publicidad con una bicicleta y un megáfono por las calles del barrio El Paraíso, en los cerros surorientales de Bogotá. Ronald conoce y se enamora de Lady, una habitante del mismo barrio. La historia de la pareja se ve frustrada por la aparición de un sargento y un teniente, quienes organizan “bajas” ficticias de combate (o falsos positivos) para obtener promociones y estímulos por parte del estamento militar.

Entre los actores de la película se encuentran Francisco Bolívar, Linda Baldrich, Esmeralda Pinzón y Alejandro Aguilar, y se realizó gracias al premio para la Posproducción de largometrajes del Fondo para el Desarrollo Cinematográfico 2010.

Vida de Estela de Carlotto, abuela de Plaza de Mayo, llega al cine

2011-11-28T18:36:00.004-05:00

Se estrenó en Argentina la película ‘Verdades verdaderas, la vida de Estela’, del director Nicolás Gil Lavedra. Una cinta de ficción sobre la vida de Estela de Carlotto, presidenta de Abuelas de Plaza de Mayo.

“Nuestra mayor ambición es que la película contribuya a escribir la verdadera historia”, dijo Carlotto, de 81 años, durante el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, donde fue presentada la película.

El filme retrata la vida de esta mujer que preside Abuelas de Plaza de Mayo, una organización creada en octubre de 1977 durante la última dictadura argentina (1976-1983).

Abuelas nació como un desprendimiento de Madres de Plaza de Mayo, cuando algunas madres de desaparecidos pusieron énfasis en la búsqueda de sus nietos, niños secuestrados junto a sus padres o bebés nacidos en los centros de torturas y exterminio, hoy adultos de más de 30 años.

La labor de 34 años de las Abuelas ha permitido que 105 de unos 500 bebés y niños que fueron robados y apropiados por represores o sus cómplices durante la dictadura, ahora adultos de más de 30 años, hayan recuperado su identidad, lo que le dio a la institución un extendido prestigio internacional.

Con información de ANDES.

Oliver Stone asegura que en Estados Unidos no hay democracia

2011-11-22T17:17:00.002-05:00

El cineasta estadounidense afirmó que Estados Unidos (EE. UU.) no vive en democracia. Denunció el sistema financiero de Wall Street y la actitud bélica de Washington.

Por Telesur

En una conferencia ofrecida desde Argelia, Stone consideró que los indignados estadounidenses deberían desplazar su movimiento de protesta contra las altas finanzas "a Washington y no Nueva York, para tener mayor impacto".

El director indicó que si esto sucede, las presiones sobre los políticos para sanear el sistema financiero serán eficaces.

Stone se manifestó "consternado de ver cómo el dinero es venerado por los estadounidenses" y por los efectos de la crisis.

Señaló que el sistema imperante en EE. UU. es "no democrático", incluso después de la llegada a la presidencia de Barack Obama, en 2008.

Stone expresó que la clase media del país "es la primera víctima" de la forma de gobierno estadounidense.

Al ser consultado sobre la alianza entre la Casa Blanca y Tel Aviv, el realizador afirmó que en su país "no se puede hablar de ello", porque el poder imperante, la prensa y el lobby no permiten que los hechos y la verdad salgan a luz.

Stone alertó que "los estadounidenses no están tan interesados en los problemas del extranjero" y "no tienen empatía por ellos".

Con una larga trayectoria, el cineasta de 65 años ha ganado tres premios Oscar y cinco Globos de Oro.

Entre sus películas más importantes se encuentran Platoon, Wall Street, Nacido el 4 de julio, JFK, Comandante y Looking for Fidel, documentales sobre el líder revolucionario cubano, y Al sur de la frontera, sobre los actuales presidentes latinoamericanos y los procesos políticos y sociales que vive el continente.

En la exitosa obra Wall Street se reveló el colapso del capitalismo que se vive en la actualidad financiera del mundo.

El cineasta aclaró que su principal objetivo fue contar una historia entretenida, y según Stone, la manipulación financiera en la bolsa de Estados Unidos es una de las cosas más difíciles de mostrar.

Argentina: Prohíben exhibición de filme sobre extracción minera

2011-11-14T20:20:00.001-05:00

Desde Proyecto Sur denunciaron ayer que la decana de la Facultad de Bioquímica de la Universidad Nacional de Tucumán, Nélida Silvia González de Elías, prohibió la exhibición de la película “Tierra Sublevada, Oro Impuro”, la última película del cineasta y diputado nacional Fernando “Pino” Solanas, que un grupo de estudiantes quería pasar.

En el comunicado de Proyecto Sur se sostiene que “con argumentos insostenibles como ‘ustedes están en contra de todo’ o ‘vienen creando movimientos extraños’, la decana prohibió la exhibición del filme que narra los negociados y la explotación minera en la Argentina”.

Y se agrega que “la decana también sostuvo que ‘no voy a permitir que se proyecte una película que está en contra de las mineras’, dejando en claro que su interés político es el de defender el saqueo de la empresa multinacional Minera Alumbrera”.

El comunicado concluye que “en el día del Pensamiento Nacional en homenaje a la fecha de fallecimiento de Arturo Jauretche la Universidad que recibe dinero de la Barrick Gold impidió difusión de la verdad minera”.

IECO/Clarín

"La insurgencia del siglo XXI" (apartes)

2011-11-04T23:55:00.000-05:00

Tráiler de "Good Bye, Lenin!"

2011-10-23T00:00:00.000-05:00

Che: guerrilla

2011-10-09T18:58:00.004-05:00

Che: guerrilla es la segunda parte de la película biográfica de Steven Soderbergh, protagonizada por Benicio del Toro en el papel del revolucionario Ernesto Guevara.

El filme está basado en el Diario del Che en Bolivia, y se enfoca en su intento de liderar una revolución en ese país. En 1966, el Che Guevara se introduce de incógnito en Bolivia, seguido de otros combatientes cubanos. Ya allí, comienza a reclutar a bolivianos para formar una guerrilla en las selvas del sureste del país. La misión está matizada por traiciones y falta de apoyo, que llevan al movimiento hacia el fracaso. Luego de ser capturado por el ejército boliviano y asesores gringos, el Che es fusilado el 9 de octubre de 1967.

Wall Street, de Oliver Stone (1987)

2011-10-05T17:55:00.003-05:00

Por Marco Antonio Moreno
Ojo con el cine

Esta película es una de las muestras más descarnadas de nuestra histora reciente. Si Oliver Stone con Pelotón dio cuenta del genocidio y la masacre vietnamita, con Wall Street muestra el mundo que se cocinaba en el corazón de las Twin Towers y bajo las narices del imperio financiero que veinte años más tarde terminaría por reventar esparciendo sus esquirlas a todo el planeta.

La decadencia del imperio estadounidense no pasa por el desplome de las Twin Towers (en este filme tenemos siete planos memorables de las torres gemelas), ni por la caída del Muro de Berlín... Como muestra Stone, el germen de la putrefacción venía incubándose de mucho antes. La caída del muro y de las Twin Towers solo aceleraron la debacle de la hegemonía estadounidense.

El relato que nos muestra Stone es sangriento, aunque no haya sangre. Los personajes están insatisfechos, enfermos, estressados, con deudas, cuentas pendientes y su única razón de ser es la esperanza de que el próximo negocio arroje suculentas ganancias. Los mueve la ambición y el egoísmo, la busqueda del dinero fácil, vía trampas, desmesura, uso de información privilegiada, chantajes... todo aquello que Mandeville o Smith intentaron demostrar y sobre lo cual construyeron sus dogmas.

Bud Fox, el protagonista, es uno de estos seres. Vive de prestado y su sueño es conocer a Gordon Gekko, suerte de gurú financiero que en pocos años ha amasado una enorme fortuna. La filosofía de Gekko se resume en las enseñanzas de El arte de le guerra de Sun Tsu y la agresividad y prepotencia en los negocios: levanta o envía a la quiebra a empresas por el mero recurso del spread, o diferencial de ganancia. Bud Fox no sabe que será una víctima más de los tentáculos de Gekko y que caer en esas redes puede ser mortal.

El filme posee una dinámica implacable y la música de Stewart Copeland (ex The Police) aporta las pinceladas precisas a ese oscilar entre el delirio y la frustración. Algunas memorables perlas de la banda sonora: Frank Sinatra cantando Flying to The Moon, en los créditos iniciales, y Brian Eno y David Byrne con Americam is Waiting, dos de los temas centrales que dan intensidad a este filme-radiografía sobre la génesis de la codicia, la ambición y la cultura del saqueo moderno. Imperdible.

La gran pantalla lleva a Ecuador el drama de los desplazados colombianos

2011-09-30T15:42:00.002-05:00

El drama de los desplazados colombianos llega a Ecuador a través de la gran pantalla en un festival de cine que comienza hoy, organizado por el Alto Comisionado de las Naciones Unidas para los Refugiados (Acnur).

Por Núria Segura
EFE

Una de las cintas es la colombiana "Pequeñas voces", la primera película en 3D producida íntegramente en Suramérica, que relata la vida de cuatro niños que viven el conflicto colombiano, explicó a Efe el codirector de esta película Óscar Andrade.

Se utilizó la técnica 3D, precisó, para darle "voz a estos niños de una manera que no fuera ofensiva para el público".

Andrade manifestó que el filme, que se estrenó hace tres semanas en Colombia, relata la situación de estos menores "y su vida en el campo, la relación con la familia, su entorno, su forma de vivir".

El codirector enfatizó que se trata de rescatar "todo lo humano" del conflicto "a través de la mirada inocente de los niños que no tiene nada de política".

La película, nominada en la categoría de nuevos talentos del Festival de Venecia, se proyecta en el marco del ciclo de cine "Convivir en Solidaridad", que se desarrollará hasta el 6 de octubre, y que es organizado por Acnur, con la finalidad de abrir el debate sobre los desplazados, los refugiados y los inmigrantes.

En el certamen, entre otras, también participan la argentina "La mosca en la ceniza", que habla de dos chicas en un pequeño pueblo de ese país, "Rabia", una producción colombiana, mexicana y española que trata sobre la vida de unos inmigrantes a España, así como la mexicana "La Misma Luna", la historia de un niño y su madre, que trabaja de forma ilegal en los Estados Unidos.

La vida de tres niños en la sierra andina colombiana que tienen que enfrentarse a la disputa entre guerrilleros y paramilitares es el argumento de "Los Colores de la Montaña", según explica Carlos César Arbelaéz, su director.

Manuel, Juliano y Poca luz quieren ser futbolistas y un día les regalan un balón muy bueno, pero cuando empiezan a jugar con él, la pelota cae en un campo minado.

"En un primer plano, la película trata de cómo recuperar el balón, en un segundo plano, sobre el desplazamiento, la amistad", explicó Arbelaéz.

La cinta, que fue premiada el año pasado en el Festival de San Sebastián (España), también narra la llegada de los paramilitares a una zona donde había guerrilla, lo que provocó el desplazamiento de muchas personas, porque ambos lados tomaron la postura de que "estabas con ellos o contra ellos".

El cineasta dijo que en su país el conflicto armado ha dejado entre 4,5 y 5 millones de desplazados, pero la realidad es que también ha traspasado fronteras.

Según datos de la Cancillería ecuatoriana, en este país viven 54.000 refugiados, de los cuales el 98 % son colombianos.

Precisamente ayer, en la localidad limítrofe colombiana de Ipiales, se reunieron el canciller ecuatoriano, Ricardo Patiño, con su homóloga colombiana, María Ángeles Holguín, para abordar el tema de los refugiados que viven en Ecuador.

El presidente ecuatoriano, Rafael Correa, pidió a Colombia en una rueda de prensa "corresponsabilidad" para atender a los refugiados.

"Somos un país muy humano, muy solidario, que recibimos con los brazos abiertos a los que quieran ingresar a nuestra patria, pero somos el país de América Latina con más número de refugiados y somos también un país pobre y eso (la llegada de refugiados) hace colapsar nuestros servicios de salud o educativo", señaló Correa.

Pese a que el conflicto colombiano empezó hace más de cincuenta años, Arbelaéz se muestra optimista de que algún día termine.

"No hay mal que dure cien años, ni cuerpo que lo resista", sentenció.

‘Roger & Me’ (Michael Moore)

2011-09-22T17:43:00.001-05:00

By Hal Hinson
Washington Post Staff Writer
January 12, 1990

"Roger & Me," Michael Moore's documentary about the effects of General Motors plant closings in his hometown of Flint, Mich., is a hilariously cranky bit of propaganda. One part home movie, one part editorial, one part letter bomb, the film is a one-man insurrection. And -- imagine that -- the man is just some yob with a movie camera, an auto worker's son who has never made a film before and who sees in the demise of his home city the perfect metaphor for everything that's gone wrong with America.

The result is one of the most subversively comic political films in memory. Moore presents "Roger & Me" as his End of the '80s essay, his attempt to reclaim the decade from those who would have it remembered as an upbeat era of rebuilding and progress. His subject, in the most limited sense, is Flint itself. As the home to several major GM facilities, Flint was a proud industrial town caught up in the great postwar American dream. But due to shutdowns and layoffs, more than 30,000 workers lost their jobs, leaving Flint desolate, rat-infested, a city with teeming jails, a soaring crime rate and plummeting expectations -- a postindustrial American wasteland that Money magazine proclaimed the worst place to live in the country.

About all this Moore is deeply funny and deeply serious. When the laughs come -- and there are more here than in any movie I saw all last year -- they have a prankster's reckless irreverence. His target and elusive costar is GM Chairman Roger B. Smith, whom Moore tracks throughout the movie in an attempt to confront him with the devastation his company has left in its wake.

Moore loves making trouble, but his impudence is multilayered and fueled, primarily, by rage. He comes on in "Roger & Me" with the bratty effrontery of a party crasher, out to spoil everyone's fun. He dogs Smith at his office (where he offers the security forces his Chuck E Cheese discount card for identification), at his yacht club in Grosse Pointe, at his athletic club in Detroit. Moore even manages somehow to gain entrance to GM's annual stockholders meeting, where his mike is cut just as he is about to speak.

The party Moore's crashing here, though, is the Reagan '80s. Acting as the film's curmudgeonly master of ceremonies, Moore presents a collection of sneaky riffs on a score of topics, both large and small -- from unionism and capitalism to Pat Boone, beauty pageants and game shows -- and spins them into a highly personal, shorthand history of American corporate collapse.

On another level, it's a kind of critique of the great American dream of sunny, smiley-face, middle-class prosperity. Moore's greatest gift is his feel for the native American surrealism -- his sense of us as a people who love diving donkeys and dancing spark plugs and parades with Shriners driving around in miniature Model T's. To Moore, these funky absurdities are on a direct line with an attempt to raise spirits in Flint by bringing the Rev. Robert Schuller to town to say things like "Tough times don't last, tough people do." Or Anita Bryant's buck-up rendition of "You'll Never Walk Alone." Or Ronald Reagan's kind offer to buy pizza for 10 unemployed auto workers. To demonstrate his appreciation, one of the guests rips off the pizzeria's cash register on his way out.

Two motifs connect these various plot threads: the search for Roger and the operations of Sheriff's Deputy Fred Ross, who, with cool efficiency, travels around town, pounding on doors and evicting families from their homes. The latter's scenes work as dark counterpoint to the generally amused tone; they're the movie's dire bottom line. Without them, it might come across as a glib radical cartoon.

Wearing baggy jeans, a windbreaker and a cap reading "I'm out for Trout," Moore styles himself as a kind of beer-bellied rube, but the Average Joe pose is merely an elaborate disguise for a highly sophisticated, cagey wit. Moore is a naysayer in the classic American tradition -- a working-class sorehead with attitude to burn. Class anger is part of what drives him. He hates the twits who dress up in costume for their "Great Gatsby" party or rush to plunk down $100 to spend the night in the city's spanking new jail. In essence, though, he's an equal-opportunity basher -- everyone gets a turn, and he's nearly as scathing in his derision for one woman who slaughters rabbits to make ends meet. Or the future Miss America, Kaye Lani Rae Rafko, who virtually quivers in front of the camera, desperate not to put her foot in her mouth.

As a comic, Moore sees virtually everyone as fair game, but then he presents himself in nearly as harsh a light as the others. None comes off as badly as the eponymous Roger, though. Reading his bland Christmas message to the stockholders and their children, he quotes Dickens, and in the process he becomes mythic, the personification of the heartless capitalist -- a real-life Scrooge.

When I first saw the film, it struck me as the most impressively articulated response to the Reagan era I'd seen. Since then it has come out that Moore has -- either intentionally or through lack of skill -- fuzzied the chronology of events, creating the impression that the plant closings and layoffs took place all at once, around 1986 and '87, instead of over a period of more than a decade. In other instances too, Moore may have fallen short of factual accuracy.

Though this doesn't invalidate his political points, it does cast them in a more dubious light -- and Moore along with them. The unfortunate effect of this imprecision is to reduce a great film to a nearly great one. It does not, however, interfere with our pleasure at seeing Pat Boone refer to Roger Smith as a "can-do kinda guy." Or diminish the epic silliness of the city's efforts to rescue Flint by turning it into a tourist center with the construction of a Hyatt Hotel, a shopping center and, as its biggest draw, a Disney World-type tribute to the auto industry called AutoWorld.

In "Roger & Me," Moore's brand of slapstick reportage strikes the perfect balance between irony and sincerity; it's slyly deadpan and committed, democratic and kingly all at once. In the end, though, he winds up giving ironic credence to the swells at the Great Gatsby party who advise the laid-off workers to get out there and do something. He's shown what one man with a camera crew and a vision can do.

La batalla de Chile

2011-09-11T23:55:00.001-05:00

La batalla de Chile, la lucha de un pueblo sin armas, es un documental chileno constituido por una trilogía de películas que relata los eventos ocurridos en Chile, entre 1972 y septiembre de 1973. Dirigido por el cineasta chileno Patricio Guzmán, fue una de las últimas películas o documentales de Chile en formato "blanco y negro". La batalla de Chile es considerada por muchos críticos como el mejor documental chileno de todos los tiempos. Ganó seis grandes premios en Europa y América Latina y fue distribuida en las salas comerciales de 35 países. La revista Cineaste la definió como “uno de los diez mejores filmes políticos del mundo”.

Colombia se estrena en cine 3D con un filme sobre los niños en el conflicto armado

2011-09-04T15:24:00.003-05:00

La historia la narran cuatro menores de entre 8 y 13 años que relatan sus vivencias en el conflicto y aportan, además de su visión del problema, sus propios dibujos.

Por Efe

En una entrevista con Efe, el director del filme, Jairo Carrillo, señaló que la idea del proyecto partió de la necesidad de dar a conocer una historia que, en principio, resulta desconocida, y hacerlo además desde el punto de vista de los más vulnerables.

Y esas son las únicas voces que se escuchan, la de los niños, ya que los demás personajes, aunque existen, quedan mudos.

Ni una sola voz de adultos, ya sean de los familiares o de los miembros de las guerrillas, tienen cabida en esta película.

Para ello, Carrillo y su director adjunto, Oscar Andrade, realizaron 120 entrevistas y eligieron cuatro historias para el largometraje.

"Una de las cosas más importantes es que las historias no fueran repetitivas", explicó Carillo, al añadir que otro motivo esencial para elegirlas era que los niños pudieran explicarse de forma natural "porque puede haber historias que sean dramáticamente fuertes pero si el niño no es fluido entonces no podrían considerarse".

Y esto "porque lo importante es que son testimonios reales y eso es lo que le llega a la gente, que piense: lo que estoy escuchando sí pasó, no es ficción y no es un actor", aclaró.

La aventura que decidieron emprender en el mundo de las tres dimensiones se debe, explicó a Efe el director, a que es una forma más intensa de llegar al público, ya que éste puede meterse en primera persona en la película y en las acciones que se narran.

"Cuando estuvimos en (el festival de) Venecia con el largometraje (en dos dimensiones) pensamos, gracias a la reacción del público, cómo hacemos para que una película con consciencia social la gente la vea", agregó.

Y encontraron la solución: "Apareció Avatar en 3D y dijimos, ésta es la técnica que debemos mostrar para que la gente común y corriente vea esta película y que les llegue", explicó Carrillo.

El futuro de este proyecto está muy claro para él: "es una película hecha por un colombiano y para un público colombiano, para que se utilice como material educativo, que lo coja una ONG internacional y lo podamos distribuir en todas las escuelas, para que haya una reflexión", expresó.

En este sentido, Carrillo hizo referencia a la labor del presidente de Colombia: "Lo que está haciendo (Juan Manuel) Santos con la Ley de Víctimas es muy interesante y muy importante, que la sociedad acoja estas cosas y que los niños sepan que vivimos en un país con problemas pero con mucha esperanza".

Se refirió así a la Ley aprobada el pasado 10 de junio, por la que el Gobierno de Santos pretende resarcir a tres millones de víctimas del conflicto armado.

"Pequeñas voces" se estrenará en las salas de cine colombianas el 16 de septiembre después de haber pasado por importantes festivales cinematográficos internacionales como el de Berlín y Venecia.

Vietnam: Entre el cielo y la tierra

2011-08-31T12:33:00.002-05:00

Por spaulding's blog
spauld.blogspot.com

Con El Cielo y La Tierra, Oliver Stone cerró la trilogía sobre el Vietnam iniciada con Platoon y continuada con Nacido el 4 de Julio. Dos espléndidos títulos que han marcado la filmografía del cineasta y que, por derecho propio, han pasado a ocupar un merecido puesto en la historia del cine. Pero con El Cielo y la Tierra, su última entrega, no consiguió el reconocimiento que esperaba.

En esa ocasión, Stone dejó a un lado el punto de vista habitual de los combatientes norteamericanos para centrar la visión de la guerra desde la parte oriental, plasmando así en pantalla las penurias sufridas por una joven vietnamita a la que, a su vez, convertía en narradora del filme. Vecina de una pequeña y humilde aldea rural, vivió en carne propia los horrores de la contienda, siendo incluso torturada por el ejército y violada posteriormente por su propia gente, la guerrilla del Vietcong.

El Cielo y la Tierra está basada en un par de libros de Le Ly Hayslip, en los cuales se narraban sus experiencias durante el tiempo que duró la sangrienta ofensiva. El filme fue realizado en una época en lo que todo aquello que olía un poquito a budismo era válido para hacer cualquier película desde Norteamérica. Y la cinta de Stone es uno más de esos innumerables productos que, durante casi una década entera, fueron desfilando por las pantallas de todo el mundo y que, como en este caso, fueron dirigidos por cineastas de prestigio. Y es que su parte final rezuma un tufillo religioso bastante impresionante, volcado en imágenes en forma de oda mística a Buda.

El vigor que impone a sus escenas violentas y de guerra o la plástica belleza que destilan sus cuidadas imágenes (recreándose, ante todo, en paisajes frondosos y verdes), no son suficiente para levantarle el alma a un trabajo pesaroso y aburrido. Es una película sin nervio, sin garra alguna que, en parte, rompe un tanto con el estilo más agresivo de su director. El reloj parece encallarse ante el lento devenir de un filme que, al igual que la mayoría de biopics, peca de la poca credibilidad de muchos de sus pasajes.

De todos modos y sólo en parte, Stone sale victorioso en el esforzado retrato psicológico de una mujer amargada y presionada que, por culpa de una violación, ha acabado temiendo (y odiando) a los hombres. Pero, al mismo tiempo, acaba mostrándose patéticamente repetitivo cuando redirecciona las riendas de la película hacia su país natal e insiste, por enésima vez, en las secuelas psíquicas de los excombatientes norteamericanos. Una ocasión propicia para que Tommy Lee Jones, alejándose de su moderación habitual, compusiera un papel plagado de convulsivos tics histriónicos: el de un soldado desquiciado por las barbaridades en las que se vio implicado y que decide acabar con sus propios demonios contrayendo matrimonio con una vietnamita.

La citada Le Ly es Hiep Thi Le, una actriz bajita y muy inexpresiva, cuya equívoca elección como protagonista principal en poco ayudó a los resultados finales de El Cielo y la Tierra. Oliver Stone ya lo había contado todo sobre el Vietnam en sus dos títulos anteriores. Poca cosa más le quedaba en el tintero, y la pretensión de cambiar el punto de vista narrativo sobre los mismos hechos no aportó nada nuevo a su trilogía.

Un filme reiterativo, de imagen preciosista, con una media hora inicial prometedora y sin ningún tipo de ritmo narrativo. Vaya, un aburrimiento innecesario en el que, al menos, el realizador frenó un poco sus habituales desvaríos visuales y las enervantes experimentaciones con todo tipo de formatos cinematográficos.

O Ano em Que Meus Pais Saíram de Férias

2011-08-17T22:12:00.000-05:00

Em 1970, o Brasil e o mundo parecem estar de cabeça para baixo, mas a maior preocupação na vida de Mauro, um garoto de 12 anos, tem pouco a ver com a ditadura militar que impera no País, seu maior sonho é ver o Brasil tricampeão mundial de futebol. De repente, ele é separado dos pais e obrigado a se adaptar a uma "estranha" e divertida comunidade - o Bom Retiro, bairro de São Paulo, que abriga judeus, italianos, entre outras culturas. Uma história emocionante de superação e solidariedade.

Raymundo Gleyzer empujando contra el viento

2011-08-13T15:49:00.002-05:00

No volví a saber de Raymundo hasta que llegó la noticia de su desaparición. Recordé entonces sus palabras, su vitalidad, su decisión. Y estaba seguro —como lo estoy ahora— de que algún día volvería a aparecer Raymundo en medio de su pueblo. Todo parece indicar que así ha de ser.

Tomás «Titón» Gutiérrez Alea

(director de cine cubano)

Por Néstor Kohan

Un cine de combate

Pocas personalidades de la cultura política latinoamericana resumen con tanta nitidez y contundencia las apuestas vitales de la izquierda revolucionaria. Aunque quizás menos celebrado y conocido que Rodolfo Walsh, el cineasta y militante guevarista argentino Raymundo Gleyzer (1941-1976) representa el escalón más alto al que llegó su generación. Repensar su obra, su vida y su militancia implica recuperar del olvido una perspectiva ideológica sepultada por el establishment intelectual argentino, aquella que vivió el cine como militancia y la cámara como un arma de combate.

El nombre de Gleyzer ha sido durante años sinónimo de todo lo prohibido y todo lo reprimido por la cultura oficial, su falso “pluralismo” y su simulacro “democrático”. En estas apretadas líneas de homenaje no nos interesa recordarlo como un cadáver “prestigioso”, una “víctima inocente” o un bronce de mausoleo repleto de hipócritas monumentos oficiales. Lejos de los lugares comunes y los golpes lacrimógenos a los que nos tiene acostumbrado el progresismo ilustrado y bienpensante del río de la plata, se nos impone rememorarlo como un militante revolucionario. Recordamos a Raymundo como alguien vivo e indomesticable, un hermano mayor del cual las nuevas generaciones debemos seguir aprendiendo.

Hijo de una familia judía argentina en cuya casa se fundó el célebre teatro IFT (ubicado en el popular barrio de Once de la ciudad de Buenos Aires), Raymundo recibió su nombre de un guerrillero francés —Raymond Guyot— asesinado por los nazis. Este joven rebelde trabajó desde muy chico y llegó a ser verdaderamente un grande, uno de los principales realizadores de cortos y largometrajes documentales, políticos y de ficción sobre Argentina y América latina.

Tanto él como su cine, silenciados, censurados y perseguidos con odio irracional, fueron durante décadas innombrables. Desde que fue secuestrado, salvajemente torturado y desaparecido a fines de mayo de 1976 muchos de sus films fueron inhallables. Símbolos de una rebeldía y una esperanza colectiva que había que borrar —literalmente— del mapa a sangre, tortura y fuego.

El guevarismo en la cultura argentina

Raymundo comenzó su temprana militancia en la juventud del Partido Comunista (PC). Esa fue su primera experiencia política. Pero aquel viejo reformismo no lo conformó. Por ello, conmocionado íntimamente por la vida y el pensamiento del Che Guevara, Fidel y por toda la Revolución Cubana (visitó la isla y tomó contacto con el Instituto Cubano de Arte e Industria Cinematográfica [ICAIC], por primera vez en 1969), Raymundo se identificó rápidamente con el guevarismo. Desde allí se integró al PRT-ERP (Partido Revolucionario de los Trabajadores-Ejército Revolucionario del Pueblo). Desde esa experiencia política generó uno de los grupos más radicales e iconoclastas en el ámbito de la cultura crítica argentina: el Cine de la Base.

Además de ser un militante, en su primera juventud del PC y luego del guevarista PRT-ERP, Raymundo Gleyzer también fue un camarógrafo de Telenoche, de Canal 7 y un realizador de documentales para la TV alemana y varias secretarías de turismo argentinas. Incluso fue uno de los primeros argentinos en filmar en las Islas Malvinas en los ’60, dos décadas antes de la guerra con Gran Bretaña. Esos materiales fueron utilizados en los documentales Malvinas, historia de traiciones ( 1985) de Jorge Denti y Hundan al Belgrano (1986) de Federico Urioste. Asimismo, tuvo a su cargo una de las cuatro cámaras de Adiós Sui Generis (1975, de Bebe Kamín, film que retrata el último recital del mítico conjunto de rock nacional formado por Charly García y Nito Mestre).

La filmografía de Gleyzer abarca entonces su producción militante —la más voluminosa y perdurable, realizada para la insurgencia guevarista— y también la obra “alimenticia” que si bien fue medio de supervivencia sin embargo reviste un interés más que anecdótico o coyuntural. Algunos de sus films más renombrados son : El ciclo (1963) ; La tierra quema (1964) ; Ceramiqueros de Tras la Sierra (1965); Nuestras Islas Malvinas (1966); Ocurrido en Hualfín (1965) ; Pictografías de Cerro Colorado (1965); Quilino (1966); México, la revolución congelada (1971) ; Comunicado cinematográfico del ERP (1972); Ni olvido ni perdón (1972); Los traidores (1973) ; Me matan sino trabajo y si trabajo me matan (1974), entre otros.

«Cine de la Base», en el camino de Guevara y Santucho

Su compromiso militante con la insurgencia guevarista del PRT-ERP lo llevó a agruparse junto con otros jóvenes revolucionarios en el «Cine de la Base», uno de los dos principales nucleamientos del cine político de aquellos años, paralelo al grupo «Cine Liberación» (que realizó La hora de los hornos ), de Solanas y Getino. Con ellos Gleyzer mantuvo estrecha colaboración pero también duras polémicas. Sobre todo cuando aquellos cambiaron el final de la primera versión de La hora de los hornos (Raymundo la había visto en Venezuela y quedó muy impresionado) en 1973 —año en que el general Perón regresa a la Argentina luego de 18 años de exilio en el Paraguay de Stroessner, en la República Dominicana de Trujillo y en la España del generalísimo Francisco Franco— . El final original de este documental famosísimo tenía una imagen del Che Guevara de varios minutos acompañada por una voz en off. En el segundo final, trastocado en 1973, aparecían el general Perón y su tristemente célebre esposa Isabel Martínez, enrolada en el macartismo de la extrema derecha peronista. El grupo «Cine Liberación» se “aggiornó” al regreso del mítico líder moderando su anterior radicalismo político, mientras Raymundo Gleyzer y el Cine de la Base se mantuvieron firmes en la defensa de una perspectiva clasista y socialista, obrera y popular, aun frente al regreso del general.

Tanto Gleyzer como sus compañeros del «Cine de la Base» compartían la perspectiva ideológica de Mario Roberto Santucho, máximo dirigente del PRT-ERP. Santucho había publicado en 1974 un libro titulado Poder burgués, poder revolucionario donde analizaba toda la historia argentina —al calor de la Revolución Cubana y la Revolución Vietnamita—, polemizando con dos vertientes del campo popular: el reformismo del PC y el populismo de Montoneros. Mientras polemizaba en el terreno ideológico Santucho promovía (infructuosamente) la unidad práctica con estas corrientes políticas. Gran parte de las polémicas de Raymundo Gleyzer comparten ese mismo horizonte de sentido político.

«Los traidores» y el cáncer de la burocracia sindical

Raymundo Gleyzer había realizado una impiadosa radiografía de la burocracia sindical argentina. El título que eligió para su film, hoy mítico, lo dice todo: Los traidores (el título original iba a ser Una muerte cualquiera ). Ese film estaba basado en un cuento de Víctor Proncet, “ La víctima ”, que narraba un hecho verídico, el autosecuestro del dirigente sindical peronista Andrés Framini (aunque el título Los traidores ya había sido utilizado por el escritor comunista José Murillo en la novela homónima —publicada en 1968— donde relataba la traición de la burocracia sindical a una huelga metalúrgica).

En la película de Gleyzer Proncet encarnaba a “Barrera”, un burócrata sindical peronista, síntesis de Augusto Timoteo Vandor, Lorenzo Miguel y Andrés Framini, tres conocidos y emblemáticos dirigentes de la burocracia sindical. En el film “Barrera” se parecía físicamente a José Ignacio Rucci (otro paradigma del sindicalismo amarillo, macartista y burocrático), su había autosecuestrado como lo había hecho Framini, decía frases de Lorenzo Miguel y terminaba muriendo a manos de un atentado guerrillero como Vandor.

Al realizar cine político desde la ficción (incorporando a las imágenes del Cordobazo “La marcha de la bronca” del dúo de la canción de protesta “Pedro y Pablo”), Gleyzer apostó a la polémica y pensó el film para ser exhibido en fábricas y barrios, apoyándose en las corrientes clasistas de los sindicatos SITRAC-SITRAM (sindicatos de las empresas FIAT, afines al PRT y otras organizaciones revolucionarias), o en dirigentes sindicales como Agustín Tosco y René Salamanca (el primero muerto en la clandestinidad en 1975, el segundo secuestrado y desaparecido en 1976). Incluso Gleyzer planeó volcar Los traidores en fotonovela, para que circulara en un público más amplio.

Su otro gran film político —aunque todos fueron importantes— es México, la revolución congelada , donde trata la institucionalización del proceso político mexicano, el populismo represivo del PRI, el doble discurso permanente de sus dirigentes (similar al del peronismo en Argentina), la explotación de los indígenas, la matanza de Tlatelolco, el papel sumiso y obediente de aquella “izquierda” que con lenguaje progresista y durante décadas legitimó al PRI, incluyendo la matanza de 1968, y el papel nefasto de la sempiterna burocracia sindical. Cabe destacar que en el film de Raymundo aparece retratada la miseria de Chiapas, varias décadas antes de que surgiera el neozapatismo en los ’90.

El secuestro y la desaparición de Raymundo

Luego de años de silencio inducido y “olvido” fabricado comienzan a surgir libros, grupos de estudio, centros culturales, talleres de video y películas que recuerdan a Raymundo Gleyzer. Entre otros merecen destacarse el libro El cine quema de Fernando Martín Peña y Carlos Vallina y el formidable largometraje documental Raymundo de los jóvenes realizadores Virna Molina y Ernesto Ardito. También el excelente film Un arma cargada de futuro (destinado específicamente a reconstruir la política cultural del PRT-ERP), parte de la saga de Gaviotas blindadas , de Omar Neri y el grupo de Cine Mascaró.

En todos estos casos, junto a documentos políticos de la época y a los testimonios de militantes y combatientes guevaristas que lograron sobrevivir al exterminio genocida de los militares argentinos, aparece retratado el Gleyzer padre, el amante, el amigo, el inquieto documentalista itinerante y trotamundos, el revolucionario, el intelectual, con todas sus contradicciones, sus miedos, sus angustias, sus dudas, sus alegrías y su compromiso.

El cineasta fue secuestrado pocos días después del escritor Haroldo Conti quien, junto con el periodista Enrique Raab, el profesor Silvio Frondizi y el propio Gleyzer, también adhirió al guevarismo del PRT-ERP. Conti y Gleyzer estuvieron en el campo de concentración El Vesubio y el cineasta también habría estado prisionero en el destacamento Güemes, cerca del barrio de Ezeiza. Secuestrados y prisioneros que lograron sobrevivir a la represión relataron que los militares torturaron salvajemente a Raymundo. En sesiones de tortura, le habrían cortado los ligamentos de los pies e incluso habría quedado ciego. Mientras a Silvio Frondizi lo asesinó en 1974 la Triple A, Raab, Conti y Gleyzer permanecen desaparecidos. La dictadura militar fue impiadosa con todos los revolucionarios, especialmente con los de origen marxista y guevarista a los que siempre clasificó como “irrecuperables”.

Varios directores del mundo iniciaron en los festivales de cine una campaña mundial por la liberación de Gleyzer. Entre otros escritores García Márquez escribió una carta pidiendo su aparición con vida. Mientras tanto, el 1 de junio de 1976 Alfredo Guevara, Walter Achugar, Miguel Littin, Carlos Rebolledo y Manuel Pérez publicaron una declaración del Comité de cineastas latinoamericanos reclamando por su libertad. Entonces la CIA informó, legitimando de hecho el secuestro y las torturas, que según su “expediente” en Buenos Aires, en su casa había albergado a refugiados chilenos perseguidos por el general Pinochet. Su mamá se convirtió a partir de allí en una Madre de Plaza de Mayo. En el momento del secuestro Raymundo tenía apenas 35 años.

Ejemplo y paradigma para las nuevas generaciones

Lautaro Murúa, director de cine y teatro y uno de los actores de Los Traidores, lo rememora cálidamente afirmando que: “A Raymundo lo veo como alguien muy valiente y romántico, algo que se repetía en miles de muchachos de su edad”. Una caracterización sobre su vida que quizás sintetice a toda su generación.

Lo que Gleyzer generó en la cultura argentina y latinoamericana excede los circuitos y perímetros del universo cinematográfico. Su obra también expresa que se puede vivir de otra manera. Que los cálculos, el egoísmo, las mezquindades y la mediocridad tan habituales en nuestros días, no están en el corazón del ser humano. Son apenas un triste producto histórico. El compromiso vital de Raymundo también demuestra que cuando el estudio y el talento van acompañados de una ética inquebrantable y de una militancia insobornable, la cultura puede transformarse en una arma explosiva y demoledora contra el poder. Y que eso siempre tiene un costo. Raymundo Gleyzer estuvo dispuesto a pagarlo hasta con la vida.

Su sacrificio no fue en vano. Nuevas generaciones de jóvenes militantes, cineastas y documentalistas, pero también jóvenes que hacen formación política y militan en los barrios, en las fábricas recuperadas, en las luchas piqueteras, en el estudiantado secundario, en el universitario y en todo el movimiento popular argentino, hoy vuelven a retomar las mismas banderas y los mismos ideales del Che Guevara por los que Raymundo luchó y entregó su vida.

Bolívar: Un héroe olvidado por el séptimo arte

2011-07-24T10:21:00.001-05:00

La actual administración incentiva el cine histórico, pero un filme sobre Bolívar luce inabordable. Diversos intentos por llevar a la pantalla la vida del Libertador son reseñados en el libro Acechos de la imaginación, de Rodolfo Izaguirre.

Por Alexis Correia
El Nacional (Venezuela)

Andy García, Johnny Depp, Antonio Banderas y el ambiguo Keanu Reeves fueron algunos de los nombres que se barajaron hace una década para interpretar al Padre de la Patria, cuando el productor venezolano Edgar Meinhardt anunció la realización de una superproducción con capital de Hollywood titulada Bolivar, the Liberator. El proyecto sobre la figura central del bicentenario de la independencia de Venezuela derivó en un fraude ventilado en tribunales. Simón Bolívar y el séptimo arte enhebran una larga tradición de coitus interruptus.

En su libro Acechos de la imaginación (Monte Ávila, 1993), el crítico Rodolfo Izaguirre compiló los intentos tragicómicos de llevar a la gran pantalla la épica bolivariana. En 1954, un productor llamado Richard Lublin anunció a Charlton Heston y Sophia Loren como los intérpretes del Libertador y Manuelita Sáenz en una película que jamás se concretó. En 1957, Lester Cowan asomó a Sir Laurence Olivier o Yul Brynner y Ava Gardner para los mismos roles, con Mario Moreno "Cantinflas" como una especie de escudero, confidente y relator de las hazañas del héroe.

En 1959, el italiano Dino de Laurentiis vino a inspeccionar la estatua ecuestre en la plaza Bolívar de Caracas y, en los años siguientes, deshojó a la prensa una margarita de protagonistas para un frustrado proyecto titulado Se llamaba Bolívar: Paul Newman, Marlon Brando, Mel Ferrer, Henry Fonda, Kirk Douglas y Frank Sinatra. En 1953, Gregory Peck y Jean Marais eran los favoritos del director francés Cecil Saint Laurent en otra película jamás filmada.

Izaguirre atribuye al "rígido y paralizante" culto a la figura de Bolívar, en gran medida, la imposibilidad de concretar grandes proyectos biográficos sobre el Libertador. A esto hay que agregar el relativo desinterés del músculo financiero de Hollywood en un prócer adscrito al tradicional "patio trasero" de Estados Unidos. Las películas que se concretaron pasaron sin pena ni gloria: la mexicana Simón Bolívar (1942), con el galán Julián Soler, es considerada por Izaguirre un producto extremadamente acartonado, mientras que la coproducción italiano-ibérico La epopeya de Bolívar (1969), con el austriaco Maximilian Schell como protagonista, evitó mostrar escenas de sexo y eludió cualquier alusión al imperialismo de España para no incomodar a los financistas de ese país.

Mucho más interesantes han sido las películas de bajo presupuesto que se han aproximado a Bolívar a través de enfoques indirectos y no siempre cómodos con su aureola casi divina: la alegoría sin diálogos Bolívar: sinfonía tropikal (1979), del director venezolano Diego Rísquez; la comedia colombiana Bolívar soy yo (2002), de Jorge Alí Triana; el cortometraje animado nacional Bolívar, ese soy yo (1994); y Manuela Sáenz (2000), del mismo Rísquez, con Mariano Álvarez y Beatriz Valdez como el prócer y su libertadora.

Los otros héroes

La actual administración política ha contribuido al financiamiento de un cine histórico vinculado, con frecuencia, al bicentenario de la independencia de Venezuela. Francisco de Miranda (2006), de nuevo de Rísquez, y la ambiciosa Miranda regresa (2007), de Luis Alberto Lamata, intentaron acercarse a un Precursor cuyo trágico desenlace está vinculado a uno de los episodios más oscuros de la biografía de Bolívar, lo que lo convierte casi en tabú en un país donde este último es divinizado. Esta semana se estrenó un interesante filme de Lamata sobre un antihéroe realista: Taita Boves. Anterior a este período, también merece mención Sucre (1995), de Alidha Ávila.

Indica el crítico Alfonso Molina en el texto El bicentenario de los héroes, publicado en su blog: "El cine venezolano debería desenmascarar las trampas del academicismo tradicional y reaccionario; sumergirse en las aguas de los procesos históricos más que de los héroes, algo difícil pues estos últimos son más atractivos. Las películas de Rísquez, Ávila y Lamata han abierto, al menos, un camino para conocernos mejor".

El Salvador: El pueblo vencerá

2011-07-21T23:55:00.000-05:00

Proyecto Independencia

2011-07-12T14:01:00.002-05:00

San Martín. El Cruce de los Andes

2011-07-09T00:00:00.000-05:00

Coproducción entre Canal Encuentro y Canal 7 donde se relata el cruce de la cordillera de los Andes, que el prócer emprendió junto a su ejército en 1817.

La nueva ficción histórica esta dirigida por Leandro Ipiña y el rol protagónico está a cargo de Rodrigo de la Serna, que interpreta al Gral. Don José de San Martín, papel para el que se preparó durante meses con clases de esgrima y un profundo acercamiento a los textos que recrean la figura del prócer y los hechos históricos que se relatan.

El telefilme, de 90 minutos de duración, cumplió un tiempo estimado de rodaje de seis semanas y fue estrenado en 2010 en el marco de los festejos del Bicentenario.

La producción se realizó con el financiamiento del Instituto Nacional de Cine y Artes Visuales (INCAA) y la Televisión Española (TVE); con el apoyo del Gobierno de San Juan y con la administración de la Universidad Nacional de San Martín (UNSAM).

Salvador, de Oliver Stone

2011-07-05T12:00:00.002-05:00

Filme basado en las experiencias de Richard Boyle, periodista estadounidense, durante la guerra civil salvadoreña, entre 1980 y 1981.

Boyle (James Woods), está en plena crisis personal y profesional, agudizada por sus problemas con el alcohol y las drogas. Decide entonces viajar a El Salvador como corresponsal de guerra. Va con él su mejor amigo (James Belushi), con quien se convierte en testigo de excepción de los enfrentamientos entre las guerrillas del FMLN y el ejército gubernamental. El Salvador se ha convertido en un infierno por la confrontación, y Boyle trata de salvar la vida de su novia salvadoreña, María (Elpedia Carrillo).

Stone recrea diversas problemáticas a través de la película: el papel de los periodistas en las guerras, la intervención estadounidense en los conflictos latinoamericanos, el paramilitarismo y la corrupción que corroe los gobiernos, entre otras.

Ver tráiler en inglés

Carlos: Official Trailer

2011-07-01T19:30:00.002-05:00

The story of Venezuelan revolutionary, Ilich Ramirez Sanchez, who founded a worldwide terrorist organization and raided the OPEC headquarters in 1975 before being caught by the French police.

La película, del realizador francés Olivier Assayas, acerca del venezolano Ilich Ramírez -que pasó de idealista en contra del capitalismo a terrorista con fama internacional- es un retrato contundente de un personaje que se convirtió en leyenda en la década del 70. Además, es una excusa para revivir la compleja telaraña sociopolítica que enredaba al mundo en ese momento. Excelente actuación de Édgar Ramírez (nominado al Globo de Oro por su papel en este filme), en una trama maratónica y por momentos densa, que alcanza casi las tres horas de duración.

El Che y Gaza

2011-06-29T00:00:00.000-05:00

Por Ted Glick
Znet

Traducción de Germán Leyens

El verdadero revolucionario es guiado por grandes sentimientos de amor. Es imposible imaginar a un auténtico revolucionario sin esta cualidad. (…) Es necesario luchar todos los días para que ese amor a la humanidad existente se transforme en hechos concretos, en hechos que sirvan de ejemplo y movilicen” (Che Guevara - “El Socialismo y el hombre en Cuba”, Editora Política, La Habana, 1988)

Me pregunto si, dentro de siglos, el Che Guevara será visto por gente en todo el mundo del modo como Jesús de Nazaret es visto por miles de millones en nuestros días, como un modelo para vivir la propia vida.

Eso sólo ocurrirá, claro está, si la humanidad logra, a breve plazo, evitar un catastrófico cambio climático a través de una revolución energética limpia y, a largo plazo, hacer una revolución amplia y profunda que la aleje del capitalismo y la lleve hacia una sociedad organizada sobre la base del principio del respeto mutuo y de nuestro entorno natural.

Estos pensamientos dominan después de ver la película “Che,” un semi-documental de cuatro horas centrado en una guerra revolucionaria exitosa y otra terriblemente malograda, la primera a fines de los años cincuenta y la segunda en Bolivia a fines de los sesenta. El Che Guevara fue un líder en ambas.

Ayer fue también el día en el que Israel comenzó su invasión de Gaza por tierra. El gobierno israelí fue incitado a ambas porque contaba con el apoyo del gobierno de Bush para ataques aéreos que causaron miles de muertos y heridos y con el ensordecedor silencio del presidente electo Barack Husein Obama. Israel dejó claro, por la enésima vez, que su ocupación militar y cerco brutales e ilegales de Cisjordania, Gaza y Jerusalén Este sólo terminarán cuando sea obligado a hacerlo por una mezcla de resistencia palestina y actos concretos de solidaridad y presión internacionales, así como por una interrupción o reducción de la ayuda militar de EE.UU.

Existe un vínculo extraño entre la segunda mitad de “Che” y lo que ahora tiene lugar en Gaza. En los dos casos, la gente involucrada en la lucha armada contra un gobierno opresor – en un caso, un grupo de orientación socialista y en el otro un grupo islámico radical – enfrentaban o enfrentan el exterminio.

"Che" revela detenidamente lo que tuvo lugar en Bolivia después que, bajo la dirección de Guevara, una columna de guerrilleros armados fue establecida con apoyo cubano en un intento por difundir el proyecto socialista más allá de Cuba. Su descripción sigue a la primera mitad de la cinta que muestra cómo, una década antes, Fidel, el Che, y el pueblo cubano, derrotaron exitosamente la dictadura militar de Batista respaldada por EE.UU. mediante una guerra de guerrillas de dos años de duración.

"Che" no es una biografía detallada del hombre. Un 90% o más de la película es dedicado a una interpretación “como si se estuviera presente” de las realidades diarias de esas dos guerras de guerrillas. Una pequeña parte dramatiza una reunión entre el Che, Fidel y otros en Ciudad de México en 1955, notable por la explicación de Fidel de las realidades explotadoras y brutales de la sociedad cubana que fueron la motivación para su disposición a arriesgar su vida por la causa revolucionaria. Una sección más sustancial es dedicada a la visita del Che a la Ciudad de Nueva York para hablar ante Naciones Unidas. La mayor parte de la motivación política es revelada en esas dos secciones.

La película fue bien preparada y documentada. Aunque se basó en los diarios de Guevara, también hubo, según un artículo en el New York times del 4 de enero, “entrevistas que fueron decisivas. (Peter) Buchman, (Steven) Soderbergh y (Benicio) del Toro viajaron varias veces a Cuba y hablaron con la familia y amigos de Guevara, generales que combatieron en la revolución cubana y sobrevivientes de la expedición boliviana.”

La película no hace un esfuerzo explícito por explicar los motivos por los cuales el levantamiento armado cubano tuvo éxito y el boliviano fracasó, pero se indican varias razones. Una fue la oposición del Partido Comunista de Bolivia al esfuerzo dirigido por Guevara. Una razón relacionada fue la debilidad de la dirigencia indígena boliviana en el esfuerzo; Guevara es claramente la persona dominante. Pero tal vez más significativo fue el rol activo del gobierno de EE.UU. en la dirección militar estratégica y táctica y el armamento de la junta boliviana. Esto incluyó el envío de asesores y entrenadores militares que habían perfeccionado sus habilidades en la guerra de Vietnam. Esa ayuda fue decisiva, llevando al aplastamiento de la columna guerrillera de Guevara.

El personaje de Guevara es representado bien por el actor Benicio del Toro. Es impresionante ver el esfuerzo heroico del Che por impedir que su asma crónica imposibilitara su plena participación en la agotadora actividad requerida durante las guerras revolucionarias. Es presentado como un líder penetrante, que no tolera irrelevancias, incisivo, de hombres (y unas pocas mujeres), dispuesto a hacer todos los sacrificios necesarios, incluyendo el de su vida, para defender la causa revolucionaria.

Al final de la película, después que Guevara es herido y capturado, y es interrogado por sus captores, hace el comentario de que, para parafrasear: “tal vez nuestro fracaso les enseñe lecciones,” refiriéndose a los bolivianos en general así como a los campesinos del área donde había operado, porque no estuvieron dispuestos a apoyar su esfuerzo. Ante la aparición, varias décadas después, del Movimiento al Socialismo boliviano, y su éxito en la elección de Evo Morales a la presidencia, así como el crecimiento del proyecto socialista en Venezuela, Ecuador y otros sitios en Latinoamérica, parece que tenía razón.

El film muestra la muerte del Che como digna de su persona. Herido y tumbado en el suelo, uno de los verdugos le ordena que se levante. Mirándolo directamente a los ojos, se niega y le dice: “Apunte y sostenga firme el arma: va a matar a un hombre."

El Che Guevara, si estuviera vivo, sentiría solidaridad hacia los que hoy están bajo fuego en Gaza. Extraería fuerza, como lo hice yo, de los miles de jóvenes y árabes con los que marché ayer por el centro de Manhattan. Gritando “¡Gaza no llores, Palestina nunca morirá!” y ¡Libre, libre, Palestina!,” su cólera, energía y determinación eran palpables.

El joven Fred Hampton, líder del Partido Black Panther de Chicago, asesinado por la policía en 1969, dijo que: “Puedes matar al revolucionario, pero no puedes matar a la revolución.” La película “Che” y la continua resistencia en Palestina y en todo el mundo contra un orden mundial profundamente injusto, confirman esa verdad de la historia.

--

Ted Glick ha sido activista y organizador progresista desde 1968. Anteriores columnas y más información se encuentran en http://www.tedglick.com.

Consultar artículo original en inglés.

Publicado originalmente en enero de 2009.

Belgrano

2011-06-26T23:55:00.000-05:00

El telefilme Belgrano se centra en los últimos diez años de vida del creador de la bandera argentina.

En 1810 Manuel Belgrano cree que es posible reemplazar la autoridad real --la de Fernando VII prisionero de las tropas napoleónicas-- por la de una comunidad de hombres virtuosos que, identificados con la patria, interpreten con fluidez al pueblo.

Esta convicción guía la práctica política y militar de Belgrano, que lo muestra animado y confiado. Luego llegarán las batallas ganadas, las derrotas, el desencanto, la indisciplina, y el replanteamiento permanente de sus fuerzas y de sus aptitudes para continuar con la gesta.

Este telefilme cuenta cómo la vida personal de Belgrano quedó rezagada a su vida pública y cómo su virtud patriótica lo obligó a postergar lo privado, sinónimo de pasión individual. Por eso sus amores ocuparon un segundo lugar, recatado, un tanto invisible a los ojos de los demás.

El final, ineludible, termina por resolverse en su cuerpo, espacio privado por excelencia, pero que también parece ser la metáfora de cierta decepción política en aquellos años de la revolución.

Oliver Stone va al sur de la frontera para conversar con Chávez y otros mandatarios

2011-06-25T14:07:00.002-05:00

“Yo pienso que él es una figura de extremo dinamismo y carisma. Él es abierto y de buen corazón, así como un personaje fascinante”, dijo el director de “JFK” y “Wall Street”, Oliver Stone.

Tráiler

Por YVKE

En su nuevo documental “Sur de la Frontera”, Oliver Stone se muestra abrazando calurosamente a Hugo Chávez, mordisqueando hojas de coca con Evo Morales y bromeando gentilmente con Cristina Elizabeth Fernández de Kirchner sobre el número de pares de zapatos que posee.

Estas amables tomas “fuera de protocolo” de los presidentes de Venezuela, Bolivia y Argentina, respectivamente, contrasta con la manera en la que son representados a menudo estos líderes de izquierda en los medios masivos y políticos de los Estados Unidos. Esto, especialmente con Chávez, el ex militar que se convirtió en líder socialista democráticamente electo, que se ha convertido en el heredero ideológico de Fidel Castro y la “bestia negra” de los funcionarios en política exterior de la administración Bush.

En la creación de “Sur de la Frontera”, que se espera tenga su premier mundial esta semana en el festival de Venecia, Stone, una luminaria de la mejor parte de las últimas tres décadas, dijo que quería suministrar un contrapunto a la imagen dominante de Chávez en EE.UU., la que es frecuentemente representada en una serie de fragmentos políticos y caricaturizado como un dictador belicoso.

“Yo pienso que él es una figura de extremo dinamismo y carisma. Él es abierto y de buen corazón, así como un personaje fascinante”, dijo el director de “JFK” y “Wall Street”, vía telefónica desde New York, donde trabaja en una secuela de la bien publicitada “Wall Street”. “Pero cuando vuelvo a EE.UU. sólo escucho estas historias sobre el ‘dictador’, ‘mal hombre’, ‘amenaza para la sociedad americana’. Pienso que el proyecto comenzó como algo sobre los medios americanos demonizando a líderes latinos. Se volvió más eso, mientras más nos involucrábamos”.

Además de Chávez, Stone llevó a la pantalla a varios líderes suramericanos cuyas políticas y personalidades generalmente reciben escasa atención de los medios de Estados Unidos y Europa: Morales; Cristina Kirchner y su esposo el ex presidente argentino Néstor Kirchner; Rafael Correa de Ecuador; Raúl Castro de Cuba; Fernando Lugo Méndez de Paraguay; y Luiz Inácio Lula da Silva de Brasil.

“La prensa en América, se habrán dado cuenta, ha dividido al continente Latinoamericano en la ‘mala izquierda’ y en la ‘buena izquierda’”, dice Stone. “Han marcado a Correa como la mala izquierda, junto a Morales y Chávez. Ellos llaman a Lula, la buena izquierda. No sé que han dicho de Kirchner hasta ahora, porque van hacia adelante y para atrás, pero creo que cada vez van más en contra de Kirchner. Yo creo que estas diferencias son erróneas”.

Junto a Stone el escritor, historiador, novelista y comentarista paquistaní-británico Tariq Ali, dijeron que el documental de 90 minutos no pretende ser un análisis exhaustivo de las actuales tendencias políticas de América del Sur. No se trata de analizar los puntos de vista radicalmente divergentes de una figura tan polarizante como Chávez. Tampoco enfrentar las críticas en curso a su retórica incendiaria (una vez llamó a Bush el diablo), sus frecuentes impasses con los medios de oposición en Venezuela (que apoyaron un golpe en su contra en 2002), o su discutido rol de apoyo a grupos rebeldes en enfrentamiento al gobierno de la vecina Colombia.

“No proponemos el espíritu de hacer de éste un debate polémico”, dijo Stone, que se encontró por primera vez con el Presidente de Venezuela en 2007. “Al intentar entrar en todos los argumentos de derecha en contra de Chávez, nunca vas a ganar. Vas a aburrir a la audiencia”.

En lugar de eso, los cineastas decidieron hacer lo que Ali llama “una película política de carretera”, visitando a los compañeros de Chávez alrededor del continente preguntándoles que opinan de él. Stone y su equipo viajaron desde el Caribe hasta la cordillera de los Andes tratando de explicar el fenómeno Chávez y contar sobre la reciente ola de izquierda en el continente.

Gran parte de la explicación que el film adelanta es que las políticas de libre economía de mercado lanzada por los Estados Unidos y el Fondo Monetario Internacional en los últimos años, ha fallado ampliamente en aliviar los crónicos ingresos desiguales de Latinoamérica. El film sugiere que las calamidades tales como el colapso del peso argentino en 2001, combinado con las sospechas Latinas hacia los esfuerzos de erradicación de droga de Estados Unidos y el resentimiento por la venta de recursos naturales a través de compañías trasnacionales, también han contribuido al surgimiento de líderes socialistas y social-demócratas a lo largo de toda la región.

Ali cree que muchas políticas exteriores oficiales de los Estados Unidos están operando bajo un paradigma de guerra fría que los previene de cambiar las realidades sociales que han llevado a una nueva generación de políticos al poder.

“Estos cambios que se están llevando a cabo no están llegando a través de la lucha armada o guerra de guerrillas del Che Guevara”, dice Ali, hablando desde Londres. “Todos estos cambios se han dado a través de elecciones democráticas. Y eso lo hace un desarrollo muy importante en el continente”.

Para algunos observadores y críticos, los matices políticos en “Al sur de la frontera” pueden registrar menos que la vista de Stone pateando un balón de fútbol juguetonamente con Evo Morales o escuchando empáticamente como Chávez articula su sueño de regar lo que el llama su “Revolución Bolivariana” por todo el continente. Stone fue criticado varias veces por tomar un tono my social con Fidel Castro en su documental de 2003 “Comandante”. Él entonces produjo una secuela mas afilada, “Buscando a Fidel”, en donde presiona al líder cubano acerca del trato de disidentes y otros temas sensibles.

En una era cuando pocos directores de Hollywood se molestaban en lo absoluto en tratar con temas históricos o políticos, Stone frecuentemente ha sido señalado por ser muy suelto con hechos históricos en películas como “JFK” y “Alexander”, sobre El Gran Alejandro. En este marcador, él defiende su registro vigorosamente.

“Tú haces tu tarea, haces tu investigación, siempre lo hacemos, no importa lo que piensen de mi trabajo”, dice. “Incluso retrayéndome hasta ‘JFK’, siempre hemos investigado tanto como pudimos. Y se han cometido errores, pero hay mucha verdad, sabes, tanto como podemos poner en estas películas”.

Él está alerta a las acusaciones de “ser corazón-blando o corazón-humano” con políticos con quien simpatiza. Pero reconoce libremente donde yacen sus simpatías en “Al sur de la frontera”.

“Estoy arraigando este movimiento bolivariano”, dice. “Estoy arraigando su independencia porque creo que Estados Unidos tiene un nuevo papel que emplear en este mundo, y ese no es el de un opresor, sino de un socio cooperativo y, llamémoslo equitativo”.

El director dice que el tema principal en “Al sur de la frontera”, y muchos de sus otros trabajos fílmicos, es la cuestión de “Porqué Estados Unidos llega a hacer enemigos”. Él planea desarrollar este tema en un documental serial de televisión por cable de diez partes llamado “La Historia Secreta de Estados Unidos” cuyo estreno está programado para 2010.

Estoy fascinado por ese tema, bien sea el Taliban, bien sea Irán o bien sea Vietnam del sur, retrotrayéndonos a esos días”, dice Stone. “Como un hombre joven me lavaron el cerebro para creer que teníamos enemigos por todos lados. Y ahora he viajado por todo el mundo, quiero decir que tienes que preguntarte ¿por qué? ¿Por qué constantemente hacemos esto? ¿Dónde nos nació esta paranoia?”.

Publicado originalmente en septiembre de 2009

Documental denuncia impunidad en desmovilización de paramilitares en Colombia

2011-06-22T14:04:00.004-05:00

Por AFP

El documental "Impunity", con imágenes recogidas durante una década, busca denunciar la impunidad que ha rodeado la desmovilización de unos 32.000 paramilitares colombianos entre 2003 y 2006, dijeron sus autores este miércoles.

El filme, centrado en el dolor de las víctimas de las milicias paramilitares de extrema derecha que durante años combatieron a las guerrillas izquierdistas y cometieron miles de crímenes contra la población civil, fue presentado el lunes en Bogotá como denuncia de "un proceso diseñado sólo para los victimarios", señaló su director, el periodista colombiano Hollman Morris.

"Recorrimos el país viendo las exhumaciones de cientos de cadáveres y acompañamos a las víctimas. Ese drama Colombia no lo ha visto, la sociedad colombiana está en deuda", dijo Morris en referencia al documental que realizó junto al cineasta colombo-suizo Juan Lozano.

En 2005, durante el gobierno del ex presidente de derecha Alvaro Uribe (2002-2010), se aprobó la Ley de Justicia y Paz, que concedió beneficios procesales, con penas máximas de ocho años de cárcel, a unos 4.000 mandos medios y altos de las paramilitares Autodefensas Unidas de Colombia (AUC), a cambio de la confesión de sus crímenes y la reparación a las víctimas.

Seis años más tarde, solo dos jefes de las AUC han sido condenados y el proceso que fue presentado como "ejemplar" es cada vez más cuestionado.

Ese fue "un proceso diseñado para que la verdad no saliera a flote, un gran proceso de impunidad", asevera en el documental uno de los abogados de las víctimas cuyo nombre no se revela.

También las propias víctimas critican ese proceso en la película: "Cuando matan a un ser querido, no solo lo matan a él, la familia también muere de la tristeza. ¿Cuál reparación? No hay nada que repare esa pérdida", dice una de ellas.

Morris asegura que mientras realizaban el documental "vimos una arrogancia tremenda por parte de los jefes paramilitares cuando confesaban sus crímenes".

"Cientos de víctimas tenían que pedir dinero prestado para llegar a la audiencia y el paramilitar no quería decir nada. Las víctimas volvieron a ser humilladas", afirmó Morris en entrevista con AFP.

"Impunity" incluye también la voz de los paramilitares críticos de ese mismo proceso de desmovilización, como Ever Veloza (alias H.H.), extraditado a Estados Unidos en 2008 poco después de la polémica entrega a la justicia de ese país de un grupo de 13 de los más importantes ex jefes de las AUC.

"Cada vez que nosotros hablábamos de las personas que se beneficiaron de la guerra, salían los 'héroes de la patria' a decir que éramos unos mentirosos" dice H.H., quien en sus declaraciones se refiere a "empresarios, políticos y militares" ligados a los paramilitares y con intereses que iban más allá del combate a la guerrilla.

Por ello, "es mejor seguir hablando de los campesinos inocentes que decapitamos. Ellos no le importan a nadie, por ellos nadie arma escándalo o pide respeto", agregó.

"Impunity", que tuvo financiamiento del Instituto Internacional para la Justicia Transicional, el Fondo Global para la Paz de Canadá y la sección de arte y cine de la TV estatal suiza fue estrenada en marzo de este año en el festival internacional de Derechos Humanos de Ginebra.

En Colombia sólo se ha podido mostrar en una ocasión en la Universidad Central debido "a la falta de interés de los distribuidores", lamentó Morris.

Morris y Lozano denunciaron amenazas contra su vida mientras realizaban la película, y el equipo de la televisión suiza que les apoyaba tuvo que salir de Colombia por seguridad.

"Impunity" ganó el premio en la categoría de mejor documental en el festival de cine de Tolouse (Francia) 2011 y se ha presentdo ya en Holanda, Brasil y Argentina.

La leyenda de "El Chacal"

2011-06-18T00:00:00.000-05:00

Entrevista al director francés Olivier Assayas

Por Liliana López Sorzano
El Espectador

“A partir de hoy me llamo Carlos”, sentenció un día el venezolano Ilich Ramírez Sánchez cambiando su nombre de pila por el alias de guerra y, de paso, también la historia. Para seguirle el recorrido a Carlos, El Chacal, quien encarnó la figura del mercenario, del terrorismo de los años 70 y 80, de la causa palestina y de la lucha contra el imperialismo, se hablaron más de diez lenguas, se visitaron siete países: Reino Unido, Irak, Siria, Alemania, Francia, Hungría y Argelia.

La película del francés Olivier Assayas da cuenta de los inicios de este activista que utilizó múltiples identidades para navegar por la compleja política internacional de la época y muestra, además de los hechos históricos fruto de una larga investigación, su faceta como persona, su apetito por las mujeres y su carácter obstinado.

La producción es un gran desafío para la pantalla por su gran envergadura, su duración de cinco horas y media en su versión extendida y porque es a la vez tela de cine y de televisión, razón por la cual fue muy cuestionado en Cannes de 2010, ese escenario que amplifica cualquier evento y que quizá consigue ecos desproporcionados. Sin embargo, Assayas se afirmaba en su creencia de que lo de cine o televisión no tiene importancia, porque al final su trabajo es el del lenguaje de las imágenes.

Es una película de acción, histórica, filmada en diferentes países, hablada en distintos idiomas, que se convirtió en una aventura arriesgada, en un proyecto fuera de toda proporción en relación con lo que había hecho. El Espectador entrevistó al director.

Para un posible espectador que no conozca su filmografía, ¿cómo introducirlo dentro de su cine?

Vengo de la industria independiente francesa, pero he tratado de ampliar la experiencia de ser un cineasta francés con la complejidad de una sociedad moderna intercomunicada globalmente. He hecho películas en distintos géneros y la diversidad refleja mi propia visión de un mundo complejo y contradictorio.

La extensión clásica de una película es de 90 minutos. ¿Cree que es un síntoma de cómo se está viendo el cine del presente? ¿Haber hecho una cinta de cinco horas y media no es sentirse como un héroe solitario?

El clásico formato de 90 minutos tiene que ver con la manera en que la industria piensa. Me parece que las películas se han vuelto más largas. Carlos es diferente. Tiene su propia lógica. Es un filme, pero también son tres. Necesitaba intentar algo que me llevara a traspasar las fronteras de la manera de hacer cine. Cuestionar el formato, cuestionar la lógica, quebrar las reglas e intentar abrir puertas (creo que nunca volvería a hacer una de 5 horas y media) y sentar un precedente para nuevos cineastas.

¿Qué opina de que el crítico más feroz de la película sea el personaje real, ‘Carlos’?

No creo que Carlos sea tan crítico de mi trabajo. Él luchó legalmente para que le diéramos el guión mientras filmábamos. La película tiene más de 140 personajes, de los cuales la mayoría están vivos y los abogados de la producción opinaron que si se lo dábamos a Carlos, ¿por qué no a los otros personajes representados? Abría la puerta para un asunto muy complicado de tratar. Por lo tanto, decidimos no ir directamente hacia Carlos, sino basarnos en las investigaciones, en los biógrafos de Carlos, periodistas, en el trabajo de historiadores, queríamos una aproximación más objetiva. Eso hizo que Carlos se enojara mucho y, por lo tanto, dio entrevistas negativas sobre las películas, diciendo que era propaganda. Lo interesante es que desde el momento en que vio la película (seguramente más de una vez), nunca volvimos a escuchar de él. Las únicas noticias que tuvimos después de que salió la película fue una entrevista a la prensa alemana, donde decía que le molestaba el tema de la desnudez. Édgar Ramírez, el actor, trató de contactarlo y él se rehusó a comunicarse. Después Carlos quiso llamarlo, pero en ese momento era muy complicado, estábamos en medio del rodaje y nunca pasó.

Después del rodaje, ¿qué imagen le queda de ‘Carlos’?

Lo que queda es lo que hice en la película. Fue toda la experiencia de sumergirse en ese período, en esa época, en esa historia de la que no era consciente. Lo que queda es la extraordinaria experiencia de filmar con actores libaneses, conectarlos con actores latinoamericanos y alemanes, es dar vida a este mundo complejo que nadie antes lo había realizado. De hecho, no sé cómo lo logré.

¿Cómo estuvo el trabajo con Juanita Acosta?

Me encantó. La conocí en Madrid porque tuvimos un casting allá. Juanita Acosta fue como obvia, en el minuto que la vimos sabía que el rol sería de ella. Hay algo emocional en ella. Antes de que empezáramos a filmar ya había seducido a todos en la película. Todos estaban enamorados de ella.

¿Qué es lo que renueva su interés por hacer cine?

Mis películas están inspiradas por la vida, por un mundo cambiante. Nunca he tenido problemas con perder el interés por el cine. Para mí éste es capturar las nuevas dimensiones del mundo y la exploración de las emociones humanas que no tienen límite. Y haciendo una película, sólo se obtiene un fugaz vistazo.

Siempre ha sido muy cercano al rock. ¿Cuál es el papel de la música en sus películas? ¿La función de ésta ha cambiado a lo largo de su carrera?

Gradualmente he cambiado mi punto de vista. La energía de la música siempre ha estado conmigo y ha inspirado mis películas. La música es la poesía del mundo moderno y siempre está en contacto con el presente. Para mí ha sido una manera de mantener el contacto con la realidad de ver cómo los jóvenes se comunican con el mundo. Va más allá de la noción de amar la música, es al final una fuente de aprendizaje.

¿Cuál fue el gran legado de la cultura cinematográfica asiática?

El cine asiático ha sido esencial en un momento específico. Cuando empecé en los años 80 a hacer películas no me interesaba lo que pasaba en el cine francés, no me sentía conectado con lo que estaba pasando. Pensaba que era demasiado convencional, no era estimulante… las películas chinas hacían un cine moderno de una manera que era más relevante para mí. Hou Hsaio-Hsien, con A time to live a time to die, era una de mis inspiraciones. Conocí en el mismo período al camarógrafo de Wong Kar Wai. Ese estilo, esa energía de ellos se encuentra en mis filmes. Me alejé de eso después, pero me parecían muy interesantes los intercambios y diálogos con esos cineastas.

En una era de globalización, ¿cree usted que vale la pena hablar de un cine con denominación de origen?

No. Creo que el buen cine tiene que ser significativo para el mundo. Las películas deben ser universales y ahí reside la belleza del cine. Creo que hoy en día, más que nunca, las películas tienen que tener en cuenta la era globalizada, insertarla en sus producciones, y eso es lo que he tratado de hacer.

¿Qué tipo de cine defiende?

Tengo un gusto ecléctico. Me interesa el cine independiente, como también el comercial, el de Hollywood. Creo en el buen cine, en que hay grandes cineastas en cada rubro. En este momento hay más películas y, por lo tanto, una gran diversidad, y eso es realmente interesante. Las audiencias son más abiertas y siempre estoy abierto a nuevas formas de hacer cine.

Impunity: el revelador documental de Hollman Morris

2011-06-17T23:55:00.001-05:00

Por Nicolás Vallejo Cano

En una función abierta al público, que se celebrará el lunes 20 de junio en el Teatro México de la ciudad de Bogotá, se realizará en Colombia la primera presentación del más revelador documental que se ha producido sobre la guerra colombiana hasta el momento.

Dirigido por el periodista más contrapoder del país, Hollman Morris, y el cineasta colombo suizo Juan José Lozano, se trata de un documento crudo y contundente que retrata el fracaso de uno de los proyectos bandera del gobierno Uribe: el Proceso de Justicia y Paz. Una película escalofriante que deja un terrible nudo en la garganta y sobre todo, muchas preguntas sin respuesta: ¿estarán condenadas las miles y miles de víctimas de esta guerra a la impunidad? ¿Quiénes son los intocables que, desde sus escritorios, apoyaron, financiaron e impulsaron el proyecto –que, a decir por las conclusiones de este documento, por momentos también pareció el Estado– paramilitar?

Lanzada en noviembre del año pasado en Amsterdam y luego de girar por algunos de los festivales más importantes del mundo en materia de Derechos Humanos y libertad expresión, la cinta por fin llega a Colombia. Cinematográficamente exquisita, la pieza es el resultado de más de seis años de trabajo e investigación (con constantes amenazas de muerte al equipo), la edición de más de 600 horas de material fílmico y un costo total de 400 mil euros. Con esta pieza, el periodista más contrapoder del país, Hollman Morris, hace lo que mejor sabe hacer: incomodar. Y en el camino, invitar a la reflexión, al debate, a la discusión.

Hablamos con Morris.

¿Por qué esta historia tiene como título Impunity?

Tal y como va, el Proceso de Justicia y Paz es un proceso de impunidad. Además, hay muchas cosas que en el marco de ese proceso que no se han contado. En Colombia aún no sabemos toda la verdad del proyecto paramilitar.

¿En qué momento nace la idea de hacer un documental?

Nace hace seis años como producto del trabajo que veníamos realizando con el equipo de Contravía. Nosotros comenzamos a recorrer el país de las fosas comunes, de los cementerios clandestinos, de las masacres paramilitares, y comenzamos a darnos cuenta de una dura realidad (entre otras, que Colombia puede estar superando la cifra de desapariciones forzadas de Argentina y que muchas otras dictaduras del Cono Sur). En ese momento yo entendí que esa historia debía ser más que un programa de televisión. ¿Por qué? Para que todo el mundo la vea. Para que el día de mañana no digan que esto no sucedió.

¿Qué es, en últimas, Impunity?

Un documento para la memoria. Para la discusión. Para darle voz a las miles de víctimas en Colombia. Es la película que tiene que ver el país. Y que luego digan que uno es un terrorista, un guerrillero, un hijueputa, lo que sea… luego vamos al debate. Pero el país tiene que ver esta puta película.

¿Y qué espera de la gente cuando la vea?

Tengo una aspiración muy grande: que con Impunity, Colombia pierda el aliento y no pueda dormir. Que con Impunity, Colombia pierda el aliento y recobre la memoria. Y claro, que se haga el debate sobre el documento. Un documento que ha sido un gran esfuerzo por resumir, en solo 90 minutos, mucha de la barbarie que ha ocurrido en Colombia. No queremos un documental para el aplauso. Queremos un documental que incomode.

Hasta ahora la película solo se ha visto por fuera. ¿Qué reacción ha despertado?

Hay un consenso impresionante y triste a la vez: cuando la película termina, hay un silencio terrible en la sala. Es un silencio que asusta. Aún no logro entender qué tipo de silencio es. Si es un silencio de desesperanza o uno de reflexión. Quisiera creer que es un silencio de reflexión.

¿Aún tiene esperanza en Colombia?

Yo no pierdo la esperanza, nunca, porque he conocido muchos colombianos valientes. Lo que pasa es que al colombiano lo acostumbraron a creer que la esperanza estaba en grandes auditorios, en líderes de corbata que salían en los medios todos los días, que consistía en grandes propuestas y reflectores… y no. Yo creo que hoy la esperanza de Colombia anda en chancleta. Esa esperanza tiene que ver con el movimiento de víctimas. Con los líderes comunales de los barrios. Con los raperos y los músicos. Con los artistas que han convertido diferentes museos de Colombia en exposiciones sobre la memoria. Para mí, ahí está la esperanza.

Impunity

• Dirigido por Juan José Lozano y Hollman Morris
• Duración: 90 minutos
• Premios: Mariposa Plateada del Premio Camera Justitia en el tercer festival Movies That Matter en La Haya, Holanda. Mejor documental en La Gran Fiesta del Cine Latinoamericano de Toulouse, Francia. Mención especial de la Organización Mundial Contra la Tortura en Ginebra, Suiza.

La primera función

Lunes, 20 de junio de 2011, 5:00 pm.
Teatro México, Calle 22 #5-85.
(Entrada libre)

Más información en Impunitythefilm.com

Che: el argentino

2011-06-14T17:07:00.004-05:00

Liderados por Fidel Castro, un grupo de más de 80 rebeldes parte hacia Cuba. Entre ellos está el médico, soldado y marxista argentino Ernesto "Che" Guevara. Alimentado sólo por la determinación, el grupo se involucra en una rápida y sangrienta batalla para liberar al pueblo cubano de la corrupta dictadura de Fulgencio Batista. La victoria llega el primero de enero de 1959. El filme se recrea en el marco de la visita de Guevara a Nueva York en 1964, cuando representa a Cuba ante las Naciones Unidas.

"Che: el argentino" es la primera de dos partes de la saga dirigida por Steven Soderbergh y protagonizada por Benicio del Toro.

"Paisito": amor y fútbol en tiempos de la dictadura uruguaya

2011-06-12T00:00:00.001-05:00

En este filme, la directora española Ana Díez, junto con el guionista uruguayo Ricardo Fernández, intentan viajar al Montevideo de 1973 con una historia de amor, y pretenden reflejar una época siniestra (la dictadura que generó 3 mil muertos entre 1973 y 1984) de la historia de Uruguay que no se conoce muy bien ni en Europa ni en América Latina.

"Paisito" (forma en que los uruguayos se refieren a su país), cuenta la historia del reencuentro en España, veinte años después del golpe militar, de Rosana y su amor de la infancia, el fútbolista venido a menos, Xavi.

Durante su encuentro, ambos recordardarán la época del nacimiento de las dictaduras en América Latina pero mientras una, Rosana, quiere averiguar que lo que pasó realmente en su país y reflexionar sobre su memoria, Xavi no le interesa saber nada del pasado y prefiere olvidar.

Según Ana Díez, en Uruguay aún están frescas las heridas de la dictadura y de la guerra entre izquierda y derecha, como también es muy difícil hablar del tema de los derechos humanos. “La transción fue muy pactada, a la española, y además, hay un pacto de no agresión entre los partidos políticos”, dijo. Y agregó que “tuvimos que ser muy estilizados a la hora de plantear la historia, y decir que era una historia de amor de los setenta, porque no se podía decir ‘en tiempos de dictadura'”.

“Paisito” nace de un guión de Ricardo Fernández, alumno de Díez en 1992 y que diez años después se puso en contacto con la directora para presentarle una historia que vivió en primera persona.

Asimismo, el filme no se centra sólo en los hechos históricos sino en las vivencias de “la gente que está en el medio y que no quiso estar nunca involucrada en el horror que se vivió después”, señaló Fernández.

La presencia del fútbol -así como un poema de Mario Benedetti- es un guiño a ese “Paisito” que es Uruguay, con el que Ana Díez ha querido recordar que “el fútbol es una religión” y también que “las dictaduras utilizan los espectáculos de masas”.

La española Ana Díez es autora de largometrajes como “Algunas chicas doblan las piernas cuando hablan” (2001) y de documentales como “Galíndez” o “La mafia en La Habana”.

Con información de Eurolatinpress

Carlos: El Chacal

2011-06-07T17:57:00.003-05:00

"Carlos: El Chacal”, de Olivier Assayas, es protagonizada por el venezolano Edgar Ramírez (Supremacía Bourne). Fue seleccionada Mejor Película para Televisión y nominada en la categoría de Mejor Actor en los Globos de Oro 2011. Candidata a otros premios internacionales.

La película cuenta la historia de Ilich Ramírez Sánchez ("El Chacal"), quien durante dos décadas fue uno de los hombres más buscados del planeta, cuando se sumó a la lucha por la causa palestina durante los años setenta y ochenta. Vivió varias vidas, con diversos seudónimos, tejiendo su camino a través de las complejidades de la política internacional de la época.

Antes de la tormenta

2011-06-06T17:51:00.002-05:00

Treinta días después de la grabación de estas imágenes, el comandante Jorge Briceño (el Mono Jojoy) y nueve de sus hombres fueron abatidos en un bombardeo del ejército colombiano. Documental de la última entrevista al comandante de las FARC. Una realización de Jorge Enrique Botero y TV Mula.

Primera parte

Segunda parte

Riochiquito

2011-05-27T23:55:00.000-05:00

Una película filmada en 1965 por los franceses Jean Pierre Serget y Bruno Muel en homenaje a Hernando González Acosta.

Primera parte

Segunda parte

Gritos contra el capitalismo y el consumo

2011-04-07T16:19:00.003-05:00

Documentales que reflexionan sobre la sociedad

Por Angélica Gallón Salazar
El Espectador

Cómo la desregulación de los mercados cocinó la crisis de 2008, cómo se ha construido el consumidor contemporáneo y cómo los objetos son hechos para ser pronto tirados a la basura, son algunos de los temas que ahora conciernen a los realizadores audiovisuales.

La economía y los ejecutivos financieros contra la pared

Cuando Charles Ferguson, el realizador de documentales norteamericano, subió al escenario para recibir el Oscar a mejor documental de este año por su trabajo Inside Job (traducido al español como Trabajo confidencial), antes de agradecer a amigos y familiares hizo la primera declaración que sacudía a la encopetada audiencia. “Perdónenme, pero tengo que empezar diciendo que después de una terrible crisis financiera que fue causada por un fraude masivo, ni un ejecutivo financiero ha ido a la cárcel y eso está muy mal”. La audiencia insospechadamente rompió en aplausos.

Este filme parece encarnar una consigna: “El colapso financiero de 2008 pudo haber sido evitado si hubiera habido una debida regulación”. A partir de esta certeza, Ferguson y su equipo empiezan una exhaustiva radiografía de cómo se cocinaron los fraudes masivos, los préstamos subprime y cómo las compañías calificadoras de riesgo rompieron cualquier código de ética otorgando una Triple A —la máxima calificación— a inversiones de altísimo riesgo. “Los reguladores tenían el derecho de investigar, pero no quisieron hacerlo”. “Los ingenieros financieros construyen sueños, pero cuando esos sueños se vuelven pesadillas otras personas pagan por ellos”, dicen varios expertos que se citan en este documental, cuyo mayor mérito es haber conseguido entrevistas con directos implicados en la quiebra financiera. El documental no sólo hace preguntas que entre silencios incómodos y respuestas inconexas hacen parecer a los padres de la economía —por ejemplo el prestigioso economista, profesor de la Escuela de Negocios de Columbia y exmiembro del Consejo de la Reserva Federal (2006/2008) Frederic Mishkin— como unas caricaturas, unos desvergonzados, sino que además pone en aprietos a los directores de las universidades más emblemáticas de América, como Glenn Hubbard, de Columbia University Graduate School of Business, y John Campbell, director del Departamento de Economía de Harvard, que son incapaces de responder con argumentos los cuestionamientos que Ferguson lanza sobre la desmesura en la desregulación del sector financiero. “Puede apagar la cámara”. “Tiene cinco minutos para lanzar su mejor golpe, señor”, son las defensas más elaboradas que se oyen ante las preguntas, cuando no son un pantallazo negro con letras minúsculas y blancas que dicen cómo los responsables se negaron a contestar o declinaron la entrevista.

Justamente este trabajo de intensa reportería se convierte en la base de un documental que evidencia con estupor la ineficacia, casi inexistencia del Ejecutivo de los Estados Unidos en este derrumbamiento financiero, como si sugiriera que “ahora se vive en el gobierno de Wall Street”. El relato, algo especializado, pero aun así sencillo, muestra cómo la avaricia y la ideología de los gurús financieros, como Lehman Brothers, AIG o Merrill Lynch, lograron permear todas las instancias, partidos políticos, agentes reguladores, de calificación y académicos. Entonces, Ferguson lanza la pregunta más incómoda. ¿Por qué no existe una investigación más sistemática de lo que ocurrió? Uno de sus analistas citados le contesta: “Porque entonces encontrarán a los culpables”.

El documental llegó hace unas semanas a Colombia, y aunque su acogida no ha sido tan alentadora como la que ha tenido en otros países, como España, en donde fue una de las películas que más recaudó el pasado fin de semana, todavía hay oportunidad de verlo. Y sobre todo, de indignarse.

Consumidores aterrorizados

Este documental, de Erik Gandini y Johan Söderberg, es más bien cercano al género del videoclip. Posee un tono menos fáctico, quizás más emocional que los otros dos. En él se contraponen los dos grandes modelos económicos con los que ha lidiado la humanidad, el capitalismo y el comunismo, para mostrar cómo los dos han sido “sorprendentemente” incapaces de contribuir a una mejor sociedad.

Filmado durante tres años en latitudes tan distintas como India, Hungría, Canadá, Cuba y Estados Unidos, este trabajo audiovisual parece combatir el fuego con un poco de más llamas incendiarias. Las preguntas, más que las respuestas, parecen ser su verdadera misión. ¿Por qué la sociedad consumista es una fuente de tanta desgracia e ira en nuestros días? ¿Cómo el privilegio de comprar bienes nuevos todo el tiempo no nos trae felicidad duradera? ¿Por qué nadie se pregunta para qué una nueva cosa en el hogar?

Así, entre fuertes dosis de ironía, el documental hace un montaje del recordado discurso de George Bush donde incita a la guerra contra el terrorismo, para dar paso a los himnos anticonsumistas de Castro y dejar finalmente a Bill Gates y Steve Ballmer bailando en escenarios para convencer a quienes los ven de que sus productos son más que objetos, más bien promesas de éxito, de libertad, de felicidad. Después de visitar una fábrica de muñecas sexuales inflables, donde es claro cómo el mercado ha sido capaz de especificar hasta en los más mínimos detalles el gusto del comprador, el filme reconstruye la historia de algunos multimillonarios europeos, que hartos de la vida de placeres y un poco alentados por los movimientos anarco-primitivistas han dejado atrás la casa, el carro y el club para vivir en lugares abandonados de la ciudad, cocinar con fuego y usar automóviles viejos.

La historia secreta de la obsolescencia programada

El documental Tirar, comprar, tirar, producido por la Televisión Española y narrado con un peculiar acento ibérico, se adentra en un fenómeno que parece habitar de soslayo nuestras vidas: la obsolescencia programada.

Todo empieza con la historia de Marcos, un hombre catalán al que se le ha dañado su impresora. Tras su intento de conseguir a alguien que se la arregle, sólo obtiene como respuesta de los vendedores la sugerencia de cambiarla, de comprar una nueva. A partir de esta historia, el documental intenta demostrar cómo desde los años 20, con las regulaciones entre los fabricantes de bombillas, los objetos empezaron a ser diseñados para tener una corta vida con el fin de ser rápidamente reemplazados y de esta forma movilizar la economía.

La investigación revela cómo un secreto sindicato de productores de bombillas empezó a fiscalizar la duración de cada uno de los focos fabricados en Alemania. Bombillas que duraran 25 años no eran propiamente un logro de la industria, sino más bien un peligro, su peor enemigo. El sindicato fiscalizaba que todas las empresas hicieran bombillas que no superaran las 1.000 horas de uso.

Esta historia da luego paso a la de otro descubrimiento que evidencia la permanencia a través de las décadas de la obsolescencia programada: el nailon. Esta fibra revolucionó en su momento la fabricación de medias veladas para mujeres, que no se romperían con tanta facilidad y que, según mostraba el comercial en blanco y negro, servirían incluso para que un carro remolcara a otro. Pronto los avezados diseñadores que habían patentado su descubrimiento fueron obligados a crear objetos más ineficientes, fibras menos resistentes para que las mujeres tuvieran que ir a la tienda a comprar unas nuevas con más regularidad.

En su empeño por no echar a la basura la impresora, que no obstante la pieza averiada aún luce nueva, Marcos descubre que la máquina tiene un chip para que sólo imprima un número específico de páginas y luego deje de funcionar. En la red, Marcos halla a un joven ruso, tan indignado como él, que ha logrado borrar la información de ese chip para que la impresora siga trabajando. Algo parecido sucede con una abogada norteamericana que se percata de que la batería de su iPod está diseñada para durar tan sólo 18 meses, de manera que los melómanos son obligados a cambiar el aparato casi al año de haberlo comprado. A partir de estos casos, el documental recrea un amplio panorama de los nacientes movimientos en las redes sociales que cuestionan el acelerado consumo y buscan comprender lo que hay en el fondo de querer comprar un nuevo auto, una nueva camisa.

Así, con historias, documentos históricos y con los testimonios de analistas económicos, ambientalistas y activistas contra el consumo, este filme disponible gratuitamente en la web en www.rtve.es le da una mirada a esa sociedad que proféticamente Jean Baudrillard dio en bautizar “del basurero”.

Impunidad, documental sobre el paramilitarismo en Colombia

2011-03-28T12:49:00.004-05:00

Colombia actual, el más grande juicio en contra de los grupos paramilitares –acusados de asesinar miles de colombianos- es diseñado para crear “Justicia y Paz”. A cambio el proceso se convierte en una abrupta obstrucción a la verdad, donde los intereses políticos y económicos en la guerra paramilitar son encubiertos ¿están las victimas condenadas a ser víctimas por siempre o serán capaces de pelear en contra de la impunidad?

Operación Masacre

2011-03-25T13:07:00.003-05:00

En 1956 un contra-golpe militar contra la autodenominada Revolución Libertadora fracasa, y en un terreno descampado de José León Suárez, provincia de Buenos Aires, Argentina, son asesinados varios civiles sumariamente sospechados de formar parte del alzamiento. Sin embargo siete personas logran sobrevir a la matanza y contar la historia.

Operación Masacre está basada en el libro homónimo escrito por Rodolfo Walsh. Fue dirigida por Jorge Cedrón y sus protagonistas fueron Norma Aleandro, Carlos Carella, Víctor Laplace, Ana María Picchio, Walter Vidarte y Julio Troxler. Se estrenó en 1973.

Juanita Acosta es Nydia Tobón en la película "Ilich: Historia de Carlos"

2011-03-17T00:00:00.001-05:00

Por Muhammad Abdallah
Ilichramirez.blogspot.com

Aunque el comandante Ilich Ramírez me ha expresado su disgusto con algunas de las cosas que cuenta Nydia Tobon en su libro, yo creo que es uno de los pocos testimonios amigables que tenemos para defender la imagen del Comandante. Y podemos asegurar que el año próximo Nydia Tobon volverá a ser noticia y quizás se reedite su libro. Así mejor alertar a los seguidores de este website de lo que estamos hablando.

Se han escrito docenas de libros sobre la vida de Ilich Ramírez Sánchez, alias “Carlos”. El 99% son volúmenes redactados por periodistas occidentales, llenos de prejuicios, tópicos y exageraciones. Periodistas que, en el mejor de los casos (como David Yallop) ni siquiera conocieron a Ilich o, simplemente hablaron con él unos minutos. Sin embargo existe una excepción: “Carlos ¿terrorista o guerrillero?. Mis vivencias”, de Nidya Tobón.

Nydia Tobón, revolucionaria colombiana (de origen vasco) y compañera y amiga de Ilich Ramirez durante sus operaciones revolucionarias en Europa, fue detenida poco después del suceso de la Rue Toullier de París, cuando Ilich escapa del cerco policial francés, y su identidad se hace conocida mundialmente. Durante su encierro en las prisiones británicas de Brixton y Holloway, ordenó sus recuerdos y vivencias personales de cuatro años de convivencia y amistad con Ilich y redactó este libro. Libro que la autora resume en el prologo: “Este no es el relato de un reportero apremiado por el tiempo, obligado a presentar el suceso del dia siguiente, sino las reflexionadas vivencias de alguien que por circunstancias diversas vivio los hechos muy e cerca, y al final de la trama se convirtió en uno de los protagonistas”. (Pag. 9)

En sus más de 200 páginas nos encontramos con un Ilich Ramírez que nada tiene que ver con las descripciones sensacionalistas e interesadas que la prensa internacional hacia de “El Chacal”. Descubrimos a un Ilich humano, amante del baile, la diversión y atractivo para las mujeres, pero también al revolucionario comprometido, hasta las ultimas consecuencias, con su ideología.

Nydia Tobón conoció a Ilich en 1972, en el transcurso de una fiesta celebrada en el Centro Colombiano de Londres. Su primera impresión fue la de “un tipo atractivo, fuerte, de pelo crespo amelado y piel blanca rosa. Parecía un estudiante formal, de “buena familia”, de cara casi aniñada. Le calculé 25 años y una estatura aproximada de 1,75…”. (Pag. 44)

Nace así una estrecha relación, tanto con Ilich Rámirez como con Michael Waheb Moukarbal, a quien se refiere cariñosamente como “el chiquitín”, que formaba parte del comando revolucionario de Carlos en Europa, y que moriría en los sucesos de la Rue Toullier, tras delatar a Ilich a la policía francesa.

Nydia realizaba misiones logísticas y de apoyo para el comando de Carlos en Londres y París, Florencia y Milán, La Havre o Saint-Tropez; desde el alquiler de pisos (apartamentos, nota de Cine y resistencia) hasta hacerse pasar por su esposa como tapadera. Y durante esos años de convivencia pudo conocer a fondo al temido Carlos, a quien describe como una nueva forma de guerrillero, alejado de los tópicos convencionales: “Carlos desmitifica al revolucionario serio, trascendentalista, aburridor, dogmático y almidonado, negado par las satisfacciones de la vida, para el placer… Carlos es, simplemente, el revolucionario sin pose, sin maquillaje ni oficina de relaciones públicas, sin ruedas de prensa ni entrevistas para la televisión. Es de aquellos que jamás serán jubilados…” (Pag. 79). Y narra muchas anécdotas que reflejan el carácter generoso y humano del comandante Carlos, como una ocasión en que se quitó su abrigo y ropas caras para regalarlas a unos camaradas más necesitados (Pag. 82), o el encuentro con unos músicos latinos en las calles de Paris, que tocaban esperando una ayuda de los transeúntes franceses, que sin embargo pasaban a su lado sin dedicarles siquiera una mirada; Nidya Tobón e Ilich decidieron, ante aquel desprecio, ponerse a bailar al son de los músicos, para llamar la atención de los paseantes, mientras Moukarbal recogía las limosnas con su propio sombrero. Esa noche los músicos comieron y durmieron caliente en Paris. (Pag. 35)

La autora habla también de los odios y desprecios de Carlos por los vicios y miserias del sistema imperialista: “Quisiera entrar, ametralladora en mano, al nido de los traficantes de drogas y hacer cagar de miedo a esas ratas, quitarles todo el dinero para entregarlo a la revolución. ¡Con esta canalla sobra la piedad!” (Pag. 114). Y cuando todos los servicios secretos del mundo seguían el rastro de “el Chacal”, Ilich Ramirez solo mantenia contacto telefónico con Nydia, al menos hasta el momento de su detención.

Tobón conoció a muchos de los personajes fundamentales en la historia de Carlos. Y a través de sus vivencias personales podemos conocer a algunas de sus amantes como Angela Otaola o Amparo Silva, familiares como su papá Altagracia o su hermano Lenin, y hasta compañeros de lucha como Antoine Bouvier o Mohammed Boudia, antecesor de Carlos en el liderazgo del comando y que fue asesinado por los agentes del Mossad protagonistas de la Operación Ira de Dios, que Steven Spielberg relata en su ultima película “Munich”. Boudia y Carlos prepararon juntos varias de las operaciones mas famosas de la lucha revolucionaria en Europa.

Mas conocedora de los sentimientos y objetivos del comandante que todos los periodistas occidentales juntos, Nidya llega a comparar al revolucionario venezolano, con el libertador de América: “Carlos ha escogido este camino. Al igual que se comprende el ideal que orientó los sueños de Bolivar hacia la unidad de los pueblos hispanoamericanos, o los ímpetus de Miranda al colocar su espada como ofrenda por la causa libertadora en uno u otro continente. Venezolanos ambos, abandonaron la estrechez del ámbito local para demostrar con amplitud de espíritu que la lucha por la libertad, que la revolución de los pueblos no cabe en moldes fronterizos, no la ciñen el azar de la circunstancia geográfica.” (Pag. 83)

Hoy la actriz colombiana Juanita Acosta dará vida a su paisana Nydia Tobon, como el actor Edgar Ramírez lo hace con su paisano Ilich Ramirez. Ojalá los guionistas de la película sean tan fieles con la realidad y no intenten volver a mancillar la imagen del comandante Carlos, a través del papel de la actriz colombiana.

Publicado originalmente en diciembre de 2009

Diarios de motocicleta

2011-03-06T14:25:00.001-05:00

A la memoria de Alberto Granado

Granado, nacido el 8 de agosto de 1922 en Córdoba (Argentina) y afincado en Cuba desde 1961, falleció de muerte natural, explicó su hijo Alberto Granado.

Granado será incinerado en La Habana y sus cenizas se esparcirán en Cuba, Argentina y Venezuela, según su voluntad.

Amigo de la infancia del Che Guevara, fue su acompañante en el viaje que emprendieron en motocicleta en 1952 por Surámerica, un periplo que despertó la conciencia política del guerrillero argentino.

Sobre “La Poderosa”, la moto de Granado, recorrieron buena parte del cono sur hasta que, nueve meses después, se separaron en Venezuela.

Esa peripecia fue llevada al cine en 2004 en la película “Diarios de motocicleta”, dirigida por el brasileño Walter Salles e interpretada por el mexicano Gael García Bernal en el papel del Che y el argentino Rodrigo de la Serna como Alberto Granado.

Tras ese viaje Granado regresó a Argentina para trabajar como bioquímico, pero, tras el triunfo de la revolución cubana, el Che le invitó a venir a La Habana y, un año después, decidió afincarse en la isla con su esposa, Delia, y sus hijos.

Cine y revolución: Reds, de Warren Beatty

2011-02-18T17:37:00.007-05:00

Sobre el filme Reds y el cine estadounidense de izquierda

Por Pepe Gutiérrez-Álvarez*

Los títulos en DVD están siendo asimilados por las revistas de cine como una suerte de estreno suplementario, y la verdad es que nadie puede discutir sus ventajas por más que los veteranos añoremos los tiempos de las salas oscuras. Entre los últimos “grandes estrenos” se encuentra Reds (Rojos)...

Tráiler oficial de Reds (en inglés):

Por si alguien no lo sabe, Reds fue una producción financiada -ahí es nada- por la Barclay Mercantile In., y distribuida mundialmente por la Paramount. Su protagonista, Warren Beatty, ejerció igualmente las labores de director, productor y participó en el argumento, guión y diálogo, junto con el comediógrafo británico izquierdista, Trevor Griffiths, que había colaborado en el cine con Ken Loach en su película teóricamente más "trotskista", Fatherland (1986). También tomaron parte, aunque sin aparecer en los títulos de créditos, Elaine May y Robert Towne. La fotografía, de tonalidades oscuras en interiores y anaranjadas en exteriores, estuvo a cargo del prestigioso Vittorio Storaro (Novecento), en tanto que la música la puso Stephen Sodheim con aportaciones adicionales de David Grusin. Fue estrenada en diciembre de 1981 en New York. La parte norteamericana fue rodada en Lincolshire y en Londres, en tanto que la parte rusa se dividió entre Finlandia y España. Aquí, concretamente, el palacio de Riofrío de Segovia sirvió como escenario de los debates del Komintern, mientras que el Alcázar de Sevilla hizo a su vez de fondo para el caótico Congreso Internacional de Bakú. Luego, en las proximidades de Guadix (Granada), en un paisaje que recordaba la estepa rusa, se filmó el asalto de los últimos reductos del ejército blanco contra el tren en el que viajaba Reed, junto algunos de los líderes de la revolución triunfante, hacia Moscú. Otro lugar elegido fue la Estación de las Delicias, que se convirtió en la estación de Moscú, como ya lo había hecho en Doctor Zhivago (David Lean, 1965), el principal antecedente fílmico de Reds.

El guión se apoyaba en los diversos libros del propio Reed y Louise Bryant, y en menor grado en la mejor biografía del primero, la escrita por Robert A. Rosenstone (de la que existe una edición en castellano en ERA, México, 1975, trad. de Juan Tovar), al que Beatty contrató como asesor histórico. En un largo artículo sobre la película escrito a raíz de su estreno, Rosenstone considera que el título resulta "intransigente, temerario, rotundo", muy en línea de Jaw (Tiburón). No obstante, concede que Reds al menos no oculta el "hecho fundamental: esta película trata de personajes radicales y revolucionarios, de personas que no temieron agruparse bajo un nombre desprestigiado en los Estados Unidos, que no temieron llamarse a sí mismos comunistas". Las divergencias con Rosenstone fueron más allá del título, y de hecho, éste apenas sí tuvo que responder a algunas preguntas específicas orientadas a precisar al máximo los detalles cronológicos y la ambientación de algunos acontecimientos, algo sobre lo que Hollywood mantuvo secularmente una proverbial despreocupación que, empero, Reds, desmintió al menos en parte.

Según Rosenstone, el trabajo del asesor histórico fue ínfimo comparado con el de la montadora, Dede Allen, que tuvo que reducir drásticamente a 187 minutos todo lo rodado. Su cometido fue, por un lado, reducir kilómetros de escenas filmadas sin dejar ningún hilo argumental suelto, y ofrecer un metraje aceptable: para una distribución millonaria, ya que los 35 millones de costo atribuidos al filme no se traslucieron tanto en la pantalla como en una campaña publicitaria que, cuanto menos, contribuyó a evitar el peligro de que la película conociera un fiasco financiero como el sufrido poco antes (que de 53 millones de dólares sólo recuperó al parecer uno y medio) igualmente radical en su contenido, la subvalorada Las puertas del cielo (Heaven's gate), que arruinó la prometedora carrera del controvertido Michael Cimino, y que fue considerada como la primera aproximación "marxista" a la historia de las matanzas de campesinos y emigrantes por los terratenientes y ganaderos en Norteamérica. Sin embargo, ni este indudable mérito ni muchas buenas críticas la salvaron de la quiebra, en parte porque la versión reducida la hacía bastante incomprensible.

Desde el punto de vista de las ideas políticas, Reds representa un auténtico "hito", una empresa verdaderamente singular en un medio tan conservador como Hollywood. Este "biopic" de John Reed y Louise Bryant tenía, como explica Rosenstone, todas las señas de un desafío al sistema en una coyuntura especialmente reaccionaria como la marcada por los gobiernos de Reagan y Thatcher. Evocaba gloriosamente la trayectoria del más reconocido de todos los comunistas norteamericanos, o sea de una ideología considerada como fuera de ley, la responsable del "imperio del mal". Se trataba por lo tanto de un proyecto singular con un alcance propagandístico; el nombre de Reed, que hasta entonces era conocido casi exclusivamente por una minoría, pasaba a engrosar la mitología popular, y millones de personas de todo el mundo supieron de su vida y su obra gracias a la película. De hecho, otras tentativas de un calado político más o menos similar, como lo pudieron ser la exaltación apasionada de Rosa Luxemburg (1986) por Margarette Von Trotta, la evocación del Gramsci más pensador en sus Días de cárcel (1976), de Liliano del Fra (por no hablar de la acrítica evocación del "caso Dimitrov en La advertencia, de nuestro J. A. Bardem), o la (muy mediocre) reconstrucción de El asesinato de Trotsky por Losey, resultaron auténticas excepciones que nunca salieron de dichos círculos minoritarios. Cuando se trataba de grandes producciones, la manipulación grosera estaba garantizada, como resultó notorio en el desenfocado retrato del Che (1969) servido por Richard Fleischer en el momento más indigno de su irregular pero apasionante carrera.

Después de conseguir numerosos premios como el de los cronistas de la ciudad de New York, considerados como la antesala de los Oscars, luego fue la película más nominada de 1982, incluyendo la nominación a "Mejor Película", alcanzando un récord que entonces no se conocía desde Ben-Hur. No obstante, a la hora de la verdad, la preciada estatuilla Únicamente recayó sobre la fotografía de Storaro, y sobre Maureen Stapleton como "Mejor Actriz Secundaria", que había dado un rostro inolvidable a Emma Goldman. Warren Beatty ganó el de "Mejor director", lo que no resultó en absoluto tan convincente como en los otros casos, pero se premió seguramente la tentativa como se volvió a hacer con otros empeños industriales y personales similares a Kevin Costner por Bailando con lobos, o a Mel Gibson por Braveheart. Cuando Beatty subió para recoger la estatuilla al escenario del "Dorothy Chandler" al son de La Internacional, la celebérrima canción de Eugene Pottier que, tradicionalmente, presidía las manifestaciones y desfiles revolucionarios y obreristas, dio lugar a uno de los momentos estelares más sorprendentes de la historia de Hollywood, y más de un reaccionario (sin perspectivas históricas) pensó lo peor.

Aquel año los Oscars no resultaron especialmente memorables; el de interpretación fue a parar a la augusta pareja de En el estanque dorado, Katherine Hepburn -que había sido una de las "rojas" más significadas del cine- y Henry Fonda, el inolvidable protagonista de Las uvas de la ira. Significativamente el de la "Mejor Película Extranjera", que se creyó seguro para El hombre de hierro, la "estatua" que Andreij Wajda dedicó a Lew Walesa, que no tardaría en poner boca abajo todas las concepciones sociales y democráticas de Solidarnosc en mera politiquería neoliberal, acabó finalmente en manos de la húngara Mephisto, de István Szabo, un personaje capaz de cualquier cosa con tal de estar entre los vencedores, todo lo contrario que Reed.

Tal como indico más atrás, se puede decir que sobre el papel Reds representaba el techo de lo tolerado ideológicamente por Hollywood en cuestión de la permisividad ideológica, algo ciertamente impensable solo unos años atrás. Recordemos que, a pesar del gran número de episodios legendarios en la historia social norteamericana, Hollywood jamás abordó ninguno de ellos más que de una manera tangencial, lo que vale incluso para los líderes de la revolución de 1776, todos ellos más bien "jacobinos". De hecho, algunos de estos episodios acabaron siendo abordados por el cine europeo, tal es el caso del sindicalista y compositor del IWW, Joe Hill, ejecutado por un pelotón de fusilamiento en Utah en 1916, y sobre el que el sueco Bo Wideberg realizó una fría aproximación en 1976. Antes uno de los componentes del "cine político" italiano, Giuliano Montaldo, fue quien reconstruyera el célebre caso de Sacco y Vanzetti (1971), y años antes Hal Asbhy había abordado una biografía del más notable discípulo de Joe Hill, Woody Guthrie, en Bound for Glory (Esta tierra es mi tierra, 1976), cuyo aliento crítico no le impide escamotear las relaciones del famoso cantante con el partido comunista.

No obstante, conviene ajustar que, a pesar de su línea conservadora tradicional (que, obviamente, no lo parecía tanto en la España de Franco, donde el cine "liberal" norteamericano era lo máximo de izquierdas que se permitía), Hollywood fue en algunos casos una plataforma para diversas tentativas radicales desde los tiempos en que el contradictorio David Wark Griffith rompía una lanza a favor de la huelga en su obra más representativa, Intolerancia. Durante los tiempos del cine mudo, Hollywood toleró el apogeo de un cine cómico cuya vena antiburguesa y libertaria resulta, vista en perspectiva, bastante sorprendente, sobre todo en el caso concreto de Charles Chaplin que, como es sabido, acabó en abierto conflicto con la capital del cine, y su cine considerado como "subversivo" y él mismo obligado a exiliarse. Los años treinta comenzaron con el éxito de uno de los mayores alegatos antimilitaristas de todos los tiempos, como Sin novedad en el frente (Lewis Milestone, 1930), para proseguir con una lista de títulos cuya radicalidad resultaba obvia para los espectadores proletarios e inconformistas, como son los casos de El pan nuestro de cada día (King Vidor, 1934), y sobre todo Las uvas de la ira, la soberbia adaptación que John Ford efectuó de la emblemática novela de John Steinbeck.

Los cuarenta fueron calificados (abusivamente) por los conservadores como la "Década Roja", sobre todo en su vertiente antifascista, producto de la combinación del exilio izquierdista europeo, en cuyo extremo se situaba nada menos que Bertolt Brecht, y las inquietudes democráticas que latían en los estudios, sobre todo en la Warner. Aparte de una larga lista de obras maestras que advertían contra el fascismo (un antifascismo "prematuro" según el lenguaje neoconservador), hay que anotar el esplendor de un "cine policiaco" en el que la trama criminal apunta hacia las condiciones socioeconómicas dominantes, y con el que en algunas ilustres ocasiones, como en El extraño amor de Martha Ivers (Lewis Milestone, 1947), Cuerpo y alma (del guionista de la anterior, Robert Rossen, 1947), o La fuerza del destino (Abraham Polonsky, 1947), resultan evidentes metáforas anticapitalistas, una tentación que tiñe la época hasta alcanzar incluso algunas producciones más convencionales, como puede ser el caso de Undercorrent (Vincente Minnelli, 1946), donde una mujer (Katherine Hepburn) se debate entre dos arquetipos de hombres, el perverso (Robert Taylor) que encarna la quintaesencia de los valores burgueses, y el bueno (Robert Mitchum), aquí un idealista que se preocupa por ser y no por tener, un criterio básico del socialismo según Eric Fromm.

Cierto que se puede hablar de una subversión más bien ligth, pero también es justo tener en cuenta el significado del cine para las masas populares, y que se trataba en definitiva de una actividad empresarial. Seguramente nadie representó mejor este blando radicalismo que Frank Capra, un señor que, conviene no olvidarlo, se opuso siempre a la guerra del Vietnam, y cuyos alegatos de anarquismo ingenuo no quita que algunas de sus mejores propuestas fílmicas podrían ser susceptibles de ser interpretadas en clave izquierdista. No creo que la reacción contra este tipo de cine -y contra la presencia de muchos "rojos" en Hollywood, que incluía actitudes sindicalistas de izquierdas- sea explicable como una "cruzada" personal del senador Joe MacCarthy y cuatro fanáticos más. Baste señalar que a su lado se sentaron personajes que más tarde llegarían a la Casa Blanca, como el mismísimo John F. Kennedy, o lo siniestros Richard Nixon y Ronald Reagan. Una medida del alcance de la radicalización de un sector del mundo del cine, y de las consecuencias de la reacción macarthysta la ofrece la película La sal de la tierra, obra de un colectivo de profesionales afines al partido comunista pero cuyo contenido de fondo nos remite más bien a las tradiciones sindicalistas revolucionarias y las propuestas de las Mujeres libres españolas.

Aunque a primera vista y al decir de Orson Welles, la izquierda de Hollywood traicionó por mantener sus piscinas, quizás quepa considerar que éste es un juicio bastante sumario, insuficiente para comprender una realidad mucho más compleja. Entre otras cosas porque la batalla no solamente se libró en el cine, también la izquierda y los sindicatos norteamericanos conocieron un repliegue general (fruto tanto de la persistencia represiva anticomunista como de las mejoras sociales parciales facilitadas por el "New Deal"), y en el fondo soviético, al "otro lado", se ofrecían las señales inequívocas de la descomposición del estalinismo, de un "comunismo" deformado hasta extremos irreconocibles, y que en Norteamérica evolucionaba hacia su plena desintegración (y corrupción en el caso de algunas de sus cabezas, como el infausto Earl Browder). La represión no se limitó desde luego a los encarcelados por desacato (con su correlato de tragedias como la de John Garfield, el actor más representativo del izquierdismo de los cuarenta), ni siquiera a la implantación de las "listas negras", sobre la que, décadas después, Hollywood ofrecería algunos testimonios, el más interesante de los cuales quizás sea The Front (La tapadera, Martin Ritt, 1974), sino la constatación de un claro retroceso en las temáticas y en los tratamientos de la historia social, y en consecuencia, como un factor central en la ulterior decadencia del cine norteamericano.

Este declive, empero, no excluye ni la persistencia de una hegemonía cinematográfica norteamericana, ni el desengaño, aunque fuese mucho más parcial, de un cine alimentado por un poderoso aliento crítico en el que, ironías de la historia, subsisten en primer plano algunos de los grandes nombres de la época anterior, como Rossen (El buscavidas, Lillith). En este cuadro tan contradictorio cabe analizar la figura de Elia Kazan. Éste, después de su abyecta actuación (su actuación como delator, así como su participación en películas de contenido anticomunistas (o al menos ésta fue la interpretación dominante) como Fugitivos del terror rojo (1953), o incluso como La ley del silencio (1954), no pueden hacernos olvidar un dato primordial, a saber, que, al tiempo que madura su dominio del medio y la profundidad de su narración, Kazan radicaliza su contenido crítico que alcanza su cima en otras como Al Este del Edén (1954) o Esplendor en la hierba (1961), por no hablar de su feroz crítica del "american way life" en El compromiso (1969), o de su denuncia de la guerra de Vietnam con su penúltima película, Los asesinos (1972). Con toda su parte oscura, Kazan fue sin duda un modelo para Beatty, que fue de las pocas voces de la izquierda que aplaudieron cuando éste recibió su Oscar honorífico.

En los sesenta y setenta tiene lugar un resurgir de las ideas de izquierdas que, si bien se remite a las tradiciones izquierdistas y/o "liberales" (un concepto que en Norteamericano sería un equivalente al "rojo" europeo), con una nueva juventud estudiantil movilizada contra el consumismo conformista y el belicismo imperial, amén de una poderosa movilización de la importante minoría afronorteamericana contra los prejuicios raciales, en resumen, con una "nueva izquierda" que tendrá una amplia traducción en el sector más inquieto de Hollywood, al frente del cual sobresalen actrices como Jane Fonda, que llegó a hablar contra la guerra desde Hanoi, o como Warren Beatty que fue portavoz del movimiento antiguerra en numerosas manifestaciones. De principios de esta década data otra película que puede considerarse un antecedente del posibilismo revolucionario de Reds, Espartaco, un "peplum" monumental cuya lectura revolucionaria alentó el imaginario de una generación que años más tarde desafiaría el orden establecido; claro que en 1960 se iniciaba una fase histórica transformadora, algo que no se puede decir de la época en que se rueda el filme de Beatty.

Henry Warren Beatty (Richdmon, Valley, 1937), es el hermano pequeño de la actriz Shirley MacLaine. Cursó estudios universitarios y más tarde de arte dramático en New York, y tomó parte en los diversos movimientos críticos en la universidad, y más tarde en las campañas de movilizaciones contra la agresión norteamericana al pueblo del Vietnam; también destacó por su participación en campañas electorales a favor de candidatos demócratas de izquierdas como Bob Kennedy (1968), y George McGovern (1972), seguramente el candidato presidencial del "sistema" más a la izquierda de la historia norteamericana reciente. A medio camino entre la vehemencia inconformista de James Dean y la fragilidad y sensibilidad de Montgomery Clift, o la presencia turbadora de Marlon Brando, Warren consiguió compensar los tics sacados de esos modelos en una serie de interpretaciones en la que sobresale en la conseguida como el adolescente soñador asfixiado por las ambiciones burguesas de su padre en Esplendor en la hierba, una de las películas más influyentes entre la nueva levadura izquierdista.

En su trayectoria ulterior se registran otros títulos de gran altura, como el apasionante drama psicológico Lillith (1964), del último Rossen, y en donde interpreta a un sensible joven que entra a trabajar en un psiquiátrico con la intención de ser socialmente útil a los demás, y allí conoce a Lillith (la malograda Jean Seberg, una de las actrices más inquietas y emblemáticas de su época, comprometida con el "Black Power", y presuntamente asesinada por la CIA), que desea poseer y ser poseída y que le conduce por un camino trágico. Anteriormente había mostrado su talento en la sugestiva Su propio infierno (John Frankenheimer, 1962), y más tarde en Acosado (1965), una metafórica y extraña película del primer Arthur Penn, con el que volverá a colaborar en la mítica Bonnie and Clyde (1967), en la que el gangsterismo es enfocado como una manera un tanto heterodoxa de entrar en los negocios. Por su composición del homicida psicópata Clyde Barrow consigue un Oscar al mejor actor. Según declaró, fue después de este film cuando se dio realmente cuenta de las exigencias que implicaba su profesión.

Aparte de intervenir en diversos títulos más bien convencionales, se enfrentó a Liz Taylor en El único juego de la ciudad (George Stevens, 1970), y se convirtió en el inesperado y convincente John McCabe de Robert Altman en Los vividores (1971), frente a Julie Christie. Señaló la existencia de un "poder invisible" detrás de la trama de un asesinato político que se remitía inequívocamente al de Kennedy en El último testigo (Alan J. Pakula, 1974). Beatty cambió de registro y produjo Shampoo (film del que fue coguionista) y en el que se dio un papel que rozaba la autoparodia (Hal Ashby, 1975). Después dirigió e interpretó la más bien banal El cielo puede esperar (Heaven can wait, 1978), basada en un guión entre él mismo y su amiga Elaine May, que se trataba de hecho de un "remake" de El difunto protesta (Her Comes Mr. Jordan), firmado en 1941 por Alexander Hall y Robert Montgomery. Beatty realizó un buen lanzamiento y el film obtuvo un gran éxito de público.

Este último éxito personal le permite abordar su viejo proyecto sobre John Reed, un personaje sobre el que se había producido un auténtico "revival" al calor de la ola de radicalización de la época. Según cuenta Rosenstone se trataba de un proyecto sobre el que habían empezado a trabajar en 1972, cuando éste trabajaba en su libro: "...empezamos ocasionales contactos (a veces personales, a veces por teléfono) para hablar de la película de John Reed, que él siempre estaba dispuesto a realizar. Nuestras conversaciones giraban en torno a la vida de Reed y Louise Bryant, de sus amigos y compañeros y del período histórico que todos ellos vivieron". Cuando Beatty se aprestó a realizar su acariciado proyecto en 1979, ya la ola radical precedente se estaba apagando, lo que no sería en absoluto ajeno al hecho de que, presionado por el cambio del viento, Beatty acabara orientando dicho proyecto hacia un territorio menos radical, más seguro, introduciendo un enfoque primordial hacia un "love story" con un fondo histórico caótico-revolucionario siguiendo las trazas de Doctor Zhivago, de ahí que, por ejemplo, Marc Ferro definiese Reds como un Sub-Zhivago, combinando el drama político más o menos difuso (a lo que no era ajena la dificultad proverbial de trasladar las grandes ideas al cine), atravesada por un melodrama amoroso más grande que la vida (y que la revolución). Beatty pues adaptaba su "biopic" revolucionario a una fórmula probada, a un esquema narrativo que había guiado todos los grandes frescos "históricos" de Hollywood, incluyendo aquellos en los que el personaje protagonista no conoció ningún gran amor. Esta actitud sería remachada por las declaraciones efectuadas por el propio Beatty durante su campaña de promoción de Reds, y durante la cual, por citar un ejemplo, para "curarse en salud" o "nadar y guardar la ropa", efectuó declaraciones tan generales como las siguientes:

"Rojos es lo que es. Yo creo que cualquier película tiene su propia política, como cualquier relación personal o amorosa tiene su propia política. No está tan separada la política sexual de la política práctica o de la política económica. Todo está relacionado. Ahora bien, no voy a hablarles de la política de Rojos. Si la película la hubiera hecho usted, o la hubiera hecho cualquier otro... Podría hablar de la política en una película de Walt Disney o de la política de En busca del Arca Perdida, pero no voy a hablarles de la política de Rojos... "

Después de Reds, la carrera artística de Warren Beatty no merece mucha consideración. Dick Tracy (1990) resultó una curiosa y exitosa adaptación del célebre personaje del "comic" creado por Chester Gould, y aunque no carezca de interés, lo más sobresaliente es la fotografía de Vittorio Storaro; de las patrocinadas por él como Bugsie. otras, más vale no hablar; sin embargo, 18 años después de Reds, Beatty sorprenderá con otra película "roja", Bullworth (1998), en la que vuelve a ejercer de hombre orquesta. Esta conexión es subrayada por Ángel Fernández Santos al escribir: "No es la primera vez que Warren Beatty se mete en refriegas políticas comprometidas. Ya lo hizo, y mejor que bien, en Rojos (...). Si en Rojos, aquel retrato épico de los revolucionarios soviéticos, este artista nos mostraba que en los Estados Unidos también había habido comunistas ilustres como John Reed, en Bullworth, Beatty se nos presenta como un iconoclasta del sistema de su propio país" (El País, 16-05-99). Ya antes, con ocasión del pase de la película en el Festival de Venecia, el mismo crítico había escrito: "Beatty se quita el polvo de la mediocridad de Bugsie y reanuda el camino que dejó abandonado en Rojos, ahora multiplica su coraje con auténtico celuloide de vitriolo que incendia y corroe, mediante una devastadora y graciosa farsa trágica, las turbias moquetas de la clase dirigente del Washington del 'felliogate' (ídem, 13-9-99).

También Mark Robbins habla de Reds, a la que define como "una producción de una multinacional acerca del periodista John Reed que el director y actor planteó como una historia de amor imposible solo con el fin de expresar en voz alta algunas de sus inquietudes políticas del momento, que son las mismas que ahora" (Dirigido n° 278, abril, 1999). En una entrevista publicada en el mismo número, Gabriel Lerman afirma al abordar Bullworth: "Dispuesto a aprovechar al máximo el poder que confiere ser una leyenda estadounidense, es cierto es que Beatty se ha empeñado en hacer una película que, probablemente, sólo podía haber realizado con el apoyo de un gran estudio. Bullworth es una sátira furiosa contra el sistema político norteamericano y un verdadero manifiesto de la lucha de clases que habría hecho sonreír con orgullo a León Trotsky". Por su parte, Esteve Riambau anota: "Políticamente muy incorrecto, Bullworth utiliza munición de grueso calibre y prescinde de florituras estéticas pero su discurso es perfectamente nítido y sin concesiones (...) Desencantado, el mismo Beatty que en Rojos cantó el panegírico del comunista John Reed abjura ahora de los mecanismos electorales de su país con una vitriólica incisión no exenta de contradicciones" (Fotogramas, abril, 1999).

Desde esta nueva toma de posición radical, Beatty denuncia el sistema bipartidista norteamericano que funciona en realidad como un partido único, y en el que el derecho a voto esconde el hecho de que las decisiones las toman los poderes que están más allá de las libertades. Pensó que tenía una oportunidad mediática, y sondeó la posibilidad de presentarse en una candidatura antistema para las presidenciales y en la que la periodista liberal acomodaticia, Barbara Probst Solomon creyó encontrar los ecos de John Reed.

En sus declaraciones, a veces dignas de Reed, Beatty arremetió contra las consecuencias del neoliberalismo. Beatty se pregunta: "¿Es que ya nadie protesta, es que ya nadie se atreve a hablar por la gente que no tiene voz?" Denunció el robo de las privatizaciones: "Estamos viviendo un silencioso golpe de Estado de los grandes intereses económicos contra los intereses públicos"; y señaló que el crecimiento económico estaba siendo acompañado por un crecimiento acelerado de la pobreza -el 10% de las familias norteamericanas viven al borde la miseria-, y apuntó también con palabras gruesas contra el racismo más o menos encubierto, contra la compraventa de los políticos, etc. En resumen, que el liberal-izquierdista de los sesenta, el ambivalente autor de Reds, sigue siendo un personaje singular que ha levantado una voz lúcida y consciente que sonó con palabras que ocuparon las páginas de los diarios de todo el mundo, y muchas de las cuales se volvieron a escuchar en las manifestaciones masivas en la ciudad de Seattle en contra de los planes de la espeluznante OMC (Organización Mundial del Comercio).

(*) Fragmento del estudio incluido en mi edición de escritos de John Reed titulado Rojos y Rojas, y publicado por El Viejo Topo, que incluye igualmente una extensa biografía del autor de Diez días que conmovieron el mundo. Tomado de Kaos en la Red.

La revolución no será transmitida

2011-02-02T15:51:00.002-05:00

Documental íntegro (1:14:21)

La revolución no será trasmitida (Chávez: Inside the Coup, en el original inglés) es un documental del año 2003 acerca de los sucesos de abril de 2002 en Venezuela, donde el presidente Hugo Chávez fue depuesto de su cargo en un lapso de 48 horas.

Un grupo de televisión irlandés —la Radio Telefís Éireann— se encontraba en el lugar (Palacio de Miraflores) cuando explotó el foco del conflicto con el despido de la plana mayor de PDVSA, se mantuvieron en los días de huelga general grabando a los partidarios y al gabinete de Chávez, y los sucesos del 11 de abril. Durante el rodaje del filme, quedaron plasmadas imágenes que corroboran la tesis de golpe de estado, dejando de lado las explicaciones que se referían a un vacío de poder. La conclusión del documental es que el golpe de estado fue planeado y llevado a cabo por un sector de la derecha venezolana y con acción externa por parte de Estados Unidos y los medios de comunicación de Venezuela.

De acuerdo con algunos críticos y miembros de la oposición venezolana, el documental omite (o falsifica) importantes eventos, como la (supuesta) renuncia de Chávez, anunciada por el general Lucas Rincón Romero

Todo sobre Bloody Sunday (Domingo sangriento)

2011-01-30T23:55:00.002-05:00

Sinopsis

En Irlanda del Norte, el 30 de enero de 1972, trece personas murieron en las calles de la ciudad de Derry (Londonderry para los ingleses) y otras catorce fueron heridas por las balas del ejército británico. Eran unos civiles desarmados que participaban en una manifestación contra el decreto del Gobierno británico autorizando los internamientos preventivos. Este día, que se conoce en la historia por el nombre de Bloody Sunday (Domingo Sangriento), fue crucial en la historia contemporánea del problema irlandés porque convirtió el conflicto (que se arrastra desde hace más de 700 años) en una guerra civil, hizo que muchos jóvenes se integraran al IRA y alimentó un ciclo de 25 años de violencia. La película cuenta lo que pasó ese día, desde el amanecer hasta el anochecer, desde la llegada de las tropas a las calles de la ciudad sitiada hasta la violenta actuación de los soldados del formidable Regimiento de Paracaidistas contra los manifestantes civiles, y sigue con algo más de detalle a cuatro hombres: Ivan Cooper, líder de los defensores de los derechos civiles, lleno de idealismo y que comparte el sueño de Martin Luther King de lograr un cambio pacífico; Gerry Donaghy, un rebelde católico de 17 años, que desea establecerse y casarse con su chica (protestante) pero que se ve arrastrado por el enfrentamiento con los soldados; el general de brigada Patrick MacLellan, comandante del ejército británico en Londonderry, que se ve presionado para que detenga con firmeza la manifestación, y un joven soldado, un operador de radio de los paracaidistas, que, junto a su unidad de aguerridos veteranos, recibe la orden de entrar en el Bogside.

Ficha técnica

Dirección y guión: Paul Greengrass.
Países: Irlanda y Reino Unido.
Año: 2002.
Duración: 107 min.
Interpretación: James Nesbitt (Ivan Cooper), Tim Pigott-Smith (General Ford), Nicholas Farrell (Brigada Maclellan), Gerard McSorley (Lagan), Kathy Keira Clarke (Frances Cooper), Allan Gildea (Kevin McCorry), Gerard Crossan (Eamonn McCann), Mary Moulds (Bernadette Devlin), Declan Duddy (Gerry Donaghy).
Producción: Mark Redhead.
Producción ejecutiva: Jim Sheridan, Pippa Cross, Rod Stoneman, Paul Trijbits y Tristan Whalley.
Música: Dominic Muldoon.
Fotografía: Ivan Strasburg.
Montaje: Clare Douglas.
Diseño de producción: John Paul Kelly.
Dirección artística: Padraig O'Neill.
Vestuario: Dinah Collin.
Estreno: 2002.

Tráiler (en inglés)

Bloody Sunday: Los hechos y sus antecedentes

En enero de 1972, la Asociación de Derechos Civiles de Irlanda del Norte, que trabajaba conjuntamente con grupos locales, convocó una manifestación de protesta para el domingo 30 de enero. La manifestación iba a empezar en Bishop’s Field, en Creggan, el barrio católico edificado en una pelada colina muy lejos del centro y seguiría por “Free Derry” hasta el Ayuntamiento, la sede del poder político local (protestante) para celebrar un mítin. El objetivo de la manifestación era protestar contra los internamientos sin juicio, medida introducida por el Gobierno británico el verano anterior por presiones del Gobierno unionista en Stormont, que advirtió que se produciría una violenta reacción protestante contra el creciente malestar de los católicos.

Derry es el lugar donde nació el movimiento en defensa de los Derechos Civiles en 1968; la ciudad más occidental del Reino Unido, está a casi diez kilómetros de la frontera con Donegal, aunque separada de Belfast por los Montes Sprerrin. Situada en las orillas del río Foyle justamente antes del punto en que se abre en un amplio estuario, Derry es una ciudad inmersa en el conflicto. En el siglo XVII, los protestantes leales a Guillermo de Orange resistieron un largo asedio del ejército católico de Jacobo II, y en 1969 la población católica del Bogside resistió el ataque de activistas protestantes, incluyendo a oficiales de policía, que estaban intentando echarlos de sus casas. Ni siquiera hay acuerdo acerca del nombre: para los protestantes es Londonderry (en conmemoración del pasado apoyo financiero de la ciudad londinense), pero los católicos se refieren a ella por su antiguo nombre gaélico: Derry, que significa “robledal”.

En enero de 1972, el Gobierno Unionista de Belfast, el ejército y el Gobierno británicos estaban firmemente decididos a que la manifestación en defensa de los Derechos Civiles fuera detenida y que esto se viera. El comandante de las fuerzas terrestres de Irlanda del Norte, general Robert Ford, se había reunido con comerciantes protestantes del centro de la ciudad que se quejaban de los constantes ataques de jóvenes de las zonas nacionalistas. El general Ford ordenó al general de brigada MacLellan, comandante de la VIII Brigada, que cubría la zona de Londonderry, que propusiera un plan que, según insistió Ford, debería implicar la utilización de miembros del I Batallón del Regimiento de Paracaidistas como fuerza encargada de hacer las detenciones. Los “paracas” tenían la base en Belfast, donde habían adquirido una reputación temible. Nunca habían estado antes en las calles de Derry. Se fijó un objetivo de 500 detenciones.

Notas del productor Mark Redhead

Ni una sola cosa nos impulsaba a Paul Greengrass y a mí a hacer una película acerca del Domingo Sangriento. El conflicto norirlandés ha proyectado una oscura sombra sobre la vida de todo el mundo en esas islas, desde que nosotros éramos unos adolescentes. Bloody Sunday había llegado a simbolizar para nosotros lo peor de la larga y a menudo triste y violenta relación entre Gran Bretaña e Irlanda. Fue un terrible punto de viraje, el momento en el que el movimiento a favor de los derechos civiles fue destruido, en el que la masa de civiles fue apartada del plano político, y el conflicto en Irlanda del Norte se convirtió en una lucha entre hombres armados. Con el inicio del proceso de paz y del alto el fuego, y la posibilidad de un futuro mejor, nos pareció a ambos que en lugar de cerrar de un portazo los recuerdos de los años de sufrimiento, lo más constructivo que podíamos hacer, en gran parte como británicos que somos, era explorar la dinámica de las relaciones y tratar de encontrarle algún sentido a nuestra dolorosa historia común.

Para Paul, el Domingo Sangriento tenía un significado especial. En 1982, como joven productor de World in Action, fue el primer periodista que entró en la cárcel de Maze para filmar una entrevista a los presos del IRA en huelga de hambre. Las imágenes que filmó Paul de uno de los huelguistas, Raymond McCartney, con los ojos hundidos y el rostro enflaquecido enmarcado por barba y largos cabellos, iban a convertirse en una de las imágenes simbólicas del conflicto. Paul estuvo obsesionado mucho tiempo por su descubrimiento de que McCartney, originario de Derry, se había unido a los Provos [los provisionales, miembros del IRA Provisional. En 1969, el IRA se había escindido en dos: el IRA Provisional, que propugnaba la lucha armada, y el IRA Oficial, que optó por la vía política] y había empuñado las armas como respuesta directa a los hechos del domingo sangriento del 30 de enero de 1972 (27 civiles heridos, 13 de ellos mortalmente, por miembros del Regimiento Paracaidista).

Prácticamente lo primero que hicimos al comenzar el desarrollo de la película fue contactar con Don Mullan. Aunque ahora es un escritor residente en Dublín, Don se había criado en Derry y desempeñó un papel vital en hacer públicos los acontecimientos del Domingo Sangriento. Una investigación judicial, emprendida meses después de la tragedia, llegó rápidamente a la conclusión de que se había disparado sobre el ejército y que varios muertos iban armados. A continuación, y durante veinte años, el Domingo Sangriento fue olvidado. Don tenía quince años cuando asistió a la manifestación y se encontraba a menos de un metro del septuagenario Michael Kelly cuando éste cayó muerto por los disparos.

Durante una visita a Derry supo de la existencia de un montón de bolsas de plástico llenas de cientos de declaraciones de civiles tomadas por los activistas en defensa de los derechos civiles la semana siguiente que siguió a los hechos. Copias de las mismas habían sido remitidas a Lord Wigery, que estaba al frente de la investigación judicial, pero fueron ignoradas. Don leyó detenidamente las declaraciones, que se convirtieron en la base de su libro Eyewitness Bloody Sunday. Este libro ayudó a despertar el interés del público en el Domingo Sangriento y dio nuevo impulso a la campaña de las familias de los muertos y heridos para que se reabriera la investigación. Presenta una concatenación de hechos que finalmente llevaron a la investigación actualmente en curso, presidida por Lord Saville. Le pedimos a Don que se uniera a nosotros en la producción en calidad de asesor y coproductor. Enseguida se convirtió en un amigo. A través de su trabajo, Don había desarrollado estrechos vínculos con las familias de los muertos y heridos, lo que facilitó nuestro acercamiento a ellos para lograr que nos apoyaran para hacer la película.

Desde el comienzo nos pareció importante hacer un proyecto lo más abierto posible y que incluyera a británicos e irlandeses (la productora británica Granada y la productora del director irlandés Jim Sheridan Hell’s Kitchen).

Veinticuatro horas

Tuvimos claro desde el primer momento que íbamos a hacer una película que abarcara 24 horas, contando simplemente lo que pasó el 30 de enero de 1972, porque, si íbamos a explicar los antecedentes de ese día ¿desde dónde íbamos a empezar? ¿A partir de unas semanas antes, cuando se empezó a organizar la manifestación?, ¿con la introducción del internamiento en el verano de 1971?, ¿con el comienzo del movimiento en defensa de los Derechos Civiles en 1968, o con la partición [de Irlanda en 1921]?, ¿con el asedio de Derry por Jacobo II [en 1689]? Y en cierto modo las circunstancias concretas realmente no tenían importancia, porque Bloody Sunday representó la terrible danza de la muerte que se ha estado desarrollando entre Gran Bretaña e Irlanda desde antes de Cromwell [en 1171 se produjo la invasión inglesa de Irlanda]. Si hubiera que indicar algún modelo para la película, sin duda sería La batalla de Argel (1966), la obra maestra de Gillo Pontecorvo que Paul y yo admiramos. Pero mientras que aquélla es la historia de una victoria del idealismo, la nuestra es la historia de su derrota.

Personajes

Definido el casi clásico marco temporal de un solo día, teníamos que decidir qué historias contar. Ese día había diez mil manifestantes civiles y tres mil soldados británicos en Derry, pero decidimos centrarnos en cuatro, dos de cada lado.

Gerry Donaghy, un joven de 17 años del Bogside, acababa de salir de la cárcel tras pasar seis meses por tirar piedras. Gerry era un miembro de lo que el ejército británico llamaba “jóvenes gamberros de Derry” (“Derry Young Hooligans”, o “DYH”), pero aunque activo resistente a las leyes británicas, estaba enamorado de una chica protestante y estaba tratando de alejarse del conflicto y establecerse con ella. Para interpretar a Gerry escogimos a un chico de Derry de 16 años, Declan Duddy, cuyo tío, Jackie Duddy, fue la primera persona que murió el Domingo Sangriento, a la edad de 17 años.

En la otra parte elegimos a un joven “paraca”, que presenció los acontecimientos del día como miembro del pelotón antitanque, la unidad que hizo al menos la mitad de los disparos ese día. El paracaidista 027 hacía una descripción de las acciones de su sección que más fielmente se correspondía con los testimonios. Mike Edwards, un joven ex soldado de infantería, preparador deportivo y actor, desempeñó ese papel.

En general, pensábamos que los más adecuados para representar las actitudes y conductas de los soldados eran los propios soldados, y, con contadas excepciones, los soldados que aparecen en la película son ex militares. Muchos de estos hombres han servido en Irlanda del Norte, y, por lo demás, actuar no es una actividad que resulte ajena a los soldados, acostumbrados a las maniobras militares.

El tercer personaje era el general de brigada Patrick MacLellan (interpretado por Nicholas Farrell), comandante de la VIII Brigada y el hombre encargado de planificar la operación concebida por su superior, el comandante de las fuerzas terrestres de Irlanda del Norte, el general Robert Ford, interpretado por Tim Piggott-Smith. MacLellan había expresado ciertas reservas acerca del plan, pero estaba al mando y fue él quien dio la fatídica orden para que los “paracas” intervinieran.

Nuestro cuarto personaje era Ivan Cooper que quizá es el personaje central. Cooper era un importante activista a favor de los derechos civiles y miembro del Parlamento, pero más que un activista de clase obrera católica o un radical con educación universitaria, era protestante y directivo de una fábrica de camisas. Su padre había formado parte de la UVF (Ulster Volunteer Force, organización paramilitar protestante). Ivan Cooper es una de las figuras olvidadas del movimiento en defensa de los Derechos Civiles... Nunca más volvió a ir a una manifestación después del Domingo Sangriento. La suya es la historia de un político idealista que intenta hacer las cosas lo mejor posible, sea cual sea la posición que ocupe. Para interpretar este papel fuimos muy afortunados de contar con James Nesbitt. Jimmy procede de un entorno protestante próximo a Coleraine, en el condado de Londonderry. Para él, hacer la película se convirtió en una auténtica exploración personal de sus propios orígenes y del conflicto.

Para nosotros, como británicos, era muy importante contar no sólo la historia de la población civil y sus víctimas, sino también la de los soldados británicos, porque el Domingo Sangriento también es una historia británica, al menos la mitad. La imagen que los británicos tienen de sí mismos es que son gente sensata, moderada, que no se deja llevar por los excesos. Sin embargo, ¿cómo pudo pasar que soldados británicos dispararan sobre 27 civiles desarmados? Además, pensamos que la historia podría tener una resonancia mayor, pues a lo largo de la Historia hay episodios de choques entre ejércitos y poblaciones civiles, por ejemplo en Chechenia e Israel, por citar algunos de ellos.

Fuente: La Butaca

Platoon, de Oliver Stone

2011-01-27T15:30:00.006-05:00

Película clásica del cine bélico, ganadora de cuatro premios Óscar en 1986, incluídos mejor película y mejor director.

Platoon (conocida como Pelotón en Hispanoamérica) es una película bélica de 1986, ambientada en Vietnam. Fue dirigida por Oliver Stone y protagonizada por Tom Berenger, Willem Dafoe y Charlie Sheen. Es la primera de la trilogía de películas sobre la guerra de Vietnam de Oliver Stone, seguida por Nacido el 4 de julio (1989) y El cielo y la tierra (1993).

Oliver Stone participó en la guerra de Vietnam, y luego de su regreso comenzó a escribir el guión para el filme, quizás para contrastar la visión oficial estadounidense de la guerra de Vietnam, retratada en Los boinas verdes (The Green Berets) de John Wayne.

La historia comienza cuando el recluta Chris Taylor (Charlie Sheen) es enviado a Vietnam. Se une a una unidad de infantería y comienza su participación en la guerra. Su inocencia pronto se convierte en cinismo a medida que experimenta la dura vida de la infantería en la jungla, al presenciar asesinatos y actos ilegales. Finalmente, Taylor toma parte en una venganza contra un superior, el sargento Bob Barnes (Tom Berenger), acto denominado comúnmente como fragging, y que consistía en acabar con la vida de un compañero mediante una granada de mano.

La película puede entenderse como una guerra por el alma de Taylor y el resto de la unidad. Mientras que los enemigos siguen siendo los vietnamitas, Taylor se ve envuelto en una lucha entre dos sargentos, Barnes y Elias, (Tom Berenger y Willem Dafoe, respectivamente). Finalmente, Taylor toma partido por Elias, que ha asumido la contracultura ética de los años 60. Durante una batalla contra los vietnamitas, Elias es asesinado por Barnes y al final de la película será Taylor el que acabe con Barnes.

The Wind That Shakes The Barley (trailer)

2011-01-21T00:00:00.001-05:00

2006 Ken Loach film starring Cillian Murphy and Liam Cunningham. Two brothers fight the British for Irish independence then find themselves on opposite sides of the Irish Civil War.

Ver reseña y tráiler en español.

Érase una vez la década sin nombre

2011-01-08T23:55:00.003-05:00

Diez años de guerras a través del cine

Por si alguien se hubiera perdido la última década, el cine anglosajón se ha tomado la molestia de ofrecerla para amplias audiencias en ese anticuado formato de 90 minutos. Recorremos 13 películas que son un retrato diverso del estupor que arranca el 11-S y se prolonga hasta hoy.

Por Javier de Frutos
Diagonal

El primer personaje de esta historia es un controlador aéreo. Y el primer escenario: el caos desatado en las torres de control de Nueva York cuando empiezan a desaparecer de la pantalla vuelos que han emprendido virajes extraños y descienden sobre el sur de la isla de Manhattan.

Septiembre de 2011

United 93 (Paul Greengrass, 2006) narra con tono realista y actores desconocidos la peripecia de los ocupantes del cuarto avión secuestrado y la extrema tensión vivida en los centros civiles y militares de control aéreo. La textura fría de las imágenes, el ritmo vertiginoso y los múltiples fragmentos de diálogo reconstruyen 90 minutos de angustia y desconcierto. Se realizó con el apoyo de las familias de los fallecidos en el vuelo que se estrelló finalmente en Pensilvania, y se ajusta por tanto a la versión ofrecida por éstas a modo de “homenaje a los héroes anónimos”.

Semejante pretensión de homenaje guía cada secuencia de World Trade Center (Oliver Stone, 2006), aunque aquí el relato, que también se reclama basado en hechos reales, se centra en dos personajes: los policías de la Autoridad Portuaria John Mc- Loughlin (Nicolas Cage) y Will Jimeno (Michael Peña). Ambos se adentraron en las Torres Gemelas y quedaron sepultados bajo los escombros. La heterodoxia de Stone brilla por su ausencia en este filme de factura clásica, con escenas de drama demorado y una última imagen premonitoria: la bandera de EE. UU. ondea sobre los rescoldos de la zona cero.

Tuvieron que transcurrir cinco años hasta que United 93 y World Trade Center ofrecieran la primera versión canónica del 11-S, años en los que Hollywood estuvo más ocupado en retrasar estrenos de películas de catástrofes, modificar guiones y borrar las Torres Gemelas de algunas de sus producciones. Sin embargo, el primer filme con repercusión sobre el 11-S y sus inmediatas consecuencias había sido distribuido en 2002. 11 de septiembre - 11”09”01 ofrece la visión de once directores (Amos Gitai, Kean Loach y Sean Penn, entre otros) sobre las repercusiones planetarias de la tragedia. El resultado, un filme tan interesante como desigual, tan lírico como errático.

Afganistán, preparando Irak

La guerra de Afganistán lleva camino de convertirse en la guerra jamás contada y el cine ha contribuido a esta opacidad. Entre las excepciones destaca Camino a Guantánamo (Michael Winterbottom y Mat Whitecross, 2006), que reconstruye el drama vivido por cuatro jóvenes británicos que se encontraban en Pakistán en octubre de 2001 para asistir a la boda de uno de ellos. Desde allí viajaron a Afganistán, donde terminaron como prisioneros del Ejército estadounidense; tres de ellos fueron trasladados a Guantánamo. Utilizando recursos del documental (voz en off, imágenes de archivo y entrevistas a los protagonistas reales) y una cuidada reconstrucción de los hechos en clave de ficción, la película ofrece una visión descarnada de la práctica sistemática de la tortura en Guantánamo y los centros de detención de Afganistán. En 2004, los cuatro jóvenes fueron trasladados a Londres y puestos en libertad sin cargos.

En esa misma guerra interminable de Afganistán se encuentran atrapados los soldados Ernest Rodríguez y Arian Finch, heridos en territorio enemigo en Leones por corderos (Robert Redford, 2007). Un territorio remoto para los políticos y periodistas de Washington, enredados en filtraciones y reproches (trama teatral interpretada por Tom Cruise y Meryl Streep), y para profesores progresistas y dialogantes (papel que se reserva Robert Redford). La pregunta que subyace es: en una batalla alimentada con parias, proletarios, minorías, ¿qué papel le está reservado a la generación, ahora acomodada, que se opuso a la guerra del Vietnam?

Esta cuestión incómoda de quiénes forman el Ejército aparece planteada en términos más espectaculares en Fahrenheit 9/11 (Michael Moore, 2004), en cuya secuencia final el propio Moore sugiere a los congresistas que animen a sus hijos a alistarse. El estilo incisivo del cineasta cobra pleno sentido en esos diálogos incómodos a las puertas del Capitolio.

Pero si es verdad que la comedia es tragedia más tiempo, tal vez seis años sean suficientes para cumplir ese trámite y poder reírse de aquellos días funestos de 2003 en los que la diplomacia estadounidense y británica tejió los argumentos para la intervención en Irak. Así, In the Loop (Armando Iannucci, 2009) es un retrato mordaz y caricaturesco (o no tanto) de los comités, informes, entrevistas, reuniones, etc., en definitiva, de todo el andamiaje que soportan las decisiones que ya están tomadas.

¿Qué hacemos aquí?

Y entonces llegó la guerra… de Irak. Y años después el cine de 90 minutos, 35 milímetros, inspirado en hechos reales y versión original en inglés comenzó a contarla, y lo hizo con secuencias rápidas, cámara en mano, diálogos cortantes, el sopor de la calima y una pregunta que se repite como un mantra: “¿Qué hacemos aquí?”.

Bagdad. Abril de 2003. Matt Damon interpreta en Green Zone (Paul Greengrass, 2010) al subteniente Roy Millar en su búsqueda desesperada de las armas de destrucción masiva. Su vivencia parece un trasunto en clave de acción y videojuego de la decepción de quienes creyeron que había motivos para invadir Iraq.

Bagdad. 2004. La producción de mayor éxito y repercusión, En tierra hostil (Kathryn Bigelow, 2009), Oscar a la mejor película en 2010, se sitúa en un Bagdad fantasmal en el cual el héroe es un sargento especializado en desactivación de explosivos. Bajo el pesado equipo de protección, su campo de visión es muy limitado. Los 140 minutos de metraje se prolongan como un relato eterno del desactivador heterodoxo.

Hadiza. Noviembre de 2005. Para entonces, los marines están tan aburridos como “listos para matarlos a todos”. Así que cuando son víctimas de una bomba deciden seguir el “procedimiento estándar” en un entorno hostil. La batalla de Hadiza (Nick Broomfield, 2007) narra con dureza desde tres ángulos (marines, civiles iraquíes e “insurgentes”) el horror de la masacre perpetrada por el ejército estadounidense en respuesta a un atentado. La convincente trama protagonizada por iraquíes constituye una rareza en el género. No resulta extraño en cambio el final que sugiere una investigación y un castigo.

Samarra. Julio de 2006. Tedio, horror, investigación, castigo y una película que lo cuenta es también el esquema de Redacted (Brian de Palma, 2007). La historia de la violación y asesinato de una joven iraquí perpetrados por dos soldados estadounidenses está construida recreando los lenguajes audiovisuales que han reflejado la guerra en tiempo real (vídeos de soldados, cámaras fijas de vigilancia, telediarios, vídeos en YouTube, webs, etc.). ¿Otorga este formato múltiple mayor apariencia de verosimilitud?

Volver a casa

Dentro del género bélico, el regreso a casa constituye un subgénero explorado hasta la extenuación en el caso de Vietnam. Entre las propuestas sobre el retorno de Irak, En el valle de Elah (Paul Haggis, 2007) destaca por su forma de sugerir el horror a través del desconcierto de un padre que busca a su hijo, ex combatiente de Irak misteriosamente desaparecido a su regreso. Horror presente en los fragmentos de una grabación de móvil y en lo que la película insinúa sin mostrar.

Ahora bien, el último personaje de esta historia ha de ser un ex presidente aislado con sus recuerdos. En El escritor (Roman Polanski, 2010), Adam Lang (Pierce Brosnan), ex primer ministro británico empeñado en escribir sus memorias y lavar su imagen, pero perseguido por la acusación de haber cometido crímenes de guerra, busca expiar sus culpas. No lo consigue. Fundido en negro.

Cine mexicano: la soberanía perdida

2011-01-02T23:55:00.002-05:00

Por Carlos Bonfil
carlos.bonfil@gmail.com
La Jornada

La media docena de empresas multinacionales que controlan el grueso de la distribución fílmica en México ajustan los tiempos de pantalla en el país a sus propios intereses y reservan así a las producciones hollywoodenses las mejores condiciones de mercado.

Huelga decir que esta situación se agrava con el contexto legal creado por el TLCAN (Tratado de Libre Comercio de América del Norte), que favorece a la economía estadunidense con tarifas y aranceles preferenciales y que reduce considerablemente la consolidación de una industria fílmica local. En 2010 se produjeron alrededor de 70 películas, la mayoría financiadas por organismos estatales, de las cuales se han proyectado poco más de 50. Se trata, en su conjunto, de producciones de alto presupuesto que invariablemente ofrecen narrativas demasiado convencionales. De modo paralelo, existe un número apenas significativo numéricamente de películas independientes que son premiadas en festivales extranjeros, pero que el público local desconoce casi por completo. La situación es paradójica: cuando en otros países se habla favorablemente de cine mexicano, de lo que se habla es precisamente del cine que apenas se distribuye en México, y que a menudo es desdeñado por los productores que hacen las numerosas películas mexicanas que casi nadie ve en el extranjero.

La gran mayoría de las 70 películas producidas en el 2010 son productos de consumo local, y por su escasa calidad artística, impresentables fuera de los circuitos comerciales para los que fueron diseñadas. No hay mucho entonces de que vanagloriarse al mencionar la pretendida buena salud del cine mexicano, sobre todo si tomamos en cuenta que en el festín de la programación hollywoodense en cartelera, ese cine nuestro es un convidado de segunda categoría.

A diferencia de otros países latinoamericanos (Argentina, Brasil, Chile), donde el Estado apoya no sólo la producción de las películas sino también su distribución efectiva, con marcos legales que controlan la invasión de productos hollywoodenses imponiéndoles aranceles y reglas de juego equitativas en beneficio de la producción local, en México se ha desalentado la participación de las televisoras (el duopolio Televisa/Tv Azteca), que poco o ningún interés manifiestan en participar en una industria fílmica poco redituable en su deslucida competencia con los productos estadunidenses. Algo similar puede decirse de una inversión privada que observa cómo las exhibidoras y las distribuidoras fílmicas acaparan la mayor parte de los ingresos en taquilla, dejando a los productores una ganancia mínima, de modo alguno atractiva. A esta falta evidente de estímulos hay que sumar la proliferación incontrolable del mercado de la piratería, donde las cintas nacionales son consumidas por el público popular que ha desertado los grandes complejos cinematográficos (elevación de precios en el trinomio taquilla, dulcería, estacionamiento), para dejar en ellos al público de clase media que consume de preferencia blockbusters hollywoodenses. Un público de escasos recursos consume así el cine mexicano de baja calidad que se disputan exhibidores y piratas, y esas mismas películas nacionales duran apenas una o dos semanas en cartelera, desdeñadas por el público de clase media que en lugar de comprar películas piratas prefiere integrarse al lujoso espacio Cinemex o al fantasioso mundo Cinépolis, para ejercer allí su poder adquisitivo y pedir a cambio emociones en tercera dimensión, las mismas cintas que disfrutarían en idénticas condiciones en Los Ángeles o Houston, o aquellas películas mexicanas que, en clonaciones esforzadas, hayan conseguido parecerse a la propuesta de entretenimiento estadunidense.

El cine mexicano comercial, cuyo boom de 70 cintas anuales tanto se festeja oficialmente, semeja crecientemente una serie de copias piratas del peor cine estadunidense. Dos botones de muestra: No soy tú, soy yo, de Alejandro Springall, con Eugenio Derbez, la cinta más taquillera del 2010, y La otra familia, de Gustavo Loza, su contendiente más probable para 2011.

A diferencia de otros países latinoamericanos, cabe repetir, el gobierno mexicano ofrece una política cultural invertebrada, mayormente dispuesta a favorecer el ornato y la celebración onomástica, la improvisación y el despilfarro, decidida en todo caso, en lo que se refiere al cine nacional, a no manifestar una voluntad política de defensa real de los valores culturales, y a mantener una cómoda postura de avestruz para abrir grandes las puertas al capital extranjero, sin limitaciones ni reglas ni trasnochadas defensas de soberanía, y privilegiar así de lleno un ideal de entretenimiento masivo capaz de incorporarnos, en calidad de parientes pobres, y de una vez por todas, al gran sueño americano.

Lula, el hijo de Brasil

2011-01-01T00:00:00.000-05:00

"Lula, el hijo de Brasil" es una película biográfica basada en la trayectoria del actual presidente de Brasil, Luiz Inácio Lula da Silva. Dirigida por Fábio Barreto, nominado al Oscar por O Quatrilho, su estreno está programado para principios de 2010.

Che. Un hombre nuevo

2010-12-30T18:24:00.001-05:00

Luciano Monteagudo
Página 12

Realizada a lo largo de doce años en Argentina, Bolivia, Perú y Cuba, con centenares de documentos y archivos consultados en todo el mundo, Che - Un hombre nuevo bien puede considerarse la biografía cinematográfica definitiva de Ernesto Guevara, un trabajo de investigación sin precedentes, que rescata innumerables materiales hasta ahora inéditos, no sólo de su faceta de hombre público, sino también del orden de lo privado: películas caseras, cintas magnetofónicas, textos, cartas y fotos familiares que no habían trascendido o sólo habían tenido circulación en ámbitos muy cerrados de Cuba. Hay una voluntad totalizadora en el film de Tristán Bauer que va más allá de la clásica celebración del Che como un hombre de acción y a la vez de reflexión, capaz de hacer de la teoría revolucionaria una praxis y de la praxis una nueva reformulación teórica.

El documental de Bauer y de su coguionista Carolina Scaglione sostiene y desarrolla esta dialéctica, que el propio Guevara sintetizaba como la de un hombre de “espíritu apasionado y mente fría”. Pero aspira a dar cuenta de más, a poner en igualdad de condiciones al combatiente guerrillero y al hijo pródigo, que nunca deja de extrañar el regazo de su madre; al hombre de Estado y al padre preocupado por el futuro de sus hijos; al líder revolucionario y al poeta aficionado, que sigue escribiendo aun en lo más profundo de la selva, después de una jornada completa de marcha forzada; al brillante orador de tribuna y al compañero enamorado, que le deja a su mujer, antes de emprender el viaje que lo conducirá a la muerte, una cinta con la lectura susurrada de versos de Vallejo y de Neruda: “Ahora para ti, Aleida, lo más íntimamente mío y lo más íntimo de los dos...”.

Es más, se diría que el costado no sólo más valioso sino también único de Che – Un hombre nuevo está precisamente allí, en su descubrimiento de la faceta más íntima de Ernestito o el Te-Te, en la revelación del mundo privado del Che, que paradójicamente nunca dejó de ser un hombre siempre público, fotografiado y filmado desde niño, por sus padres primero, durante sus largas temporadas en Alta Gracia para mitigar el asma, hasta por centenares de camarógrafos, amateurs o profesionales, anónimos o famosos gracias a él (como Alberto Korda o Freddy Alborta), que lo inmortalizaron vivo y también muerto. Es verdaderamente impresionante la cantidad de documentación que quedó sobre el Che, en todos sus aspectos, desde los más notorios hasta los más secretos, como ese autorretrato que él dispara con su propia cámara frente al espejo en la soledad de su habitación del Hotel Copacabana, en La Paz, poco después de haber ingresado de manera clandestina a Bolivia, disfrazado de un pacífico comerciante uruguayo.

Esa faceta íntima, recóndita incluso –a la que contribuyó de manera decisiva toda la documentación puesta a disposición por su viuda, Aleida March–, también incluye textos políticos hasta ahora desconocidos, como los que aparecen en esas libretas desclasificadas al fin por el ejército boliviano (que lee en off el sobrino del Che, Rafael Guevara) o muy poco difundidos, como ese texto profético, escrito luego de la derrota en el Congo, en el que anticipa su propia muerte tal como la publicará el semanario Life. O esa sacrílega revisión crítica de la economía política soviética, un ensayo que el Che dejó inconcluso y que ya en 1965 parecía anunciar la caída del Muro de Berlín, ocurrida casi un cuarto de siglo después.

Así de inestimables como son todos estos materiales, que abren nuevas perspectivas sobre el Che, sobre su ética personal y su pensamiento político, puede llegar a ser discutible la manera de utilizarlos. A esa intención de dar cuenta de un Guevara íntimo se superpone una inocultable tendencia a una narrativa de dimensiones épicas. La vida del Che, puede pensarse, es lo suficientemente épica en sí misma como para sumarle un énfasis desde la edición, por momentos trepidante, hasta la música de Federico Jusid, excesiva y redundante. Esa contradicción, presente a lo largo de todo el film, se hace sobre todo evidente en las secuencias inicial y final, cuando la voz de Guevara le deja a Aleida lo más íntimamente suyo (sus versiones de Los heraldos negros, de César Vallejo, y de Farewell, de Pablo Neruda) y el montaje y la banda de sonido se recargan simultáneamente de imágenes (de Vietnam a Irak) y de música sinfónica. Es una elección de los realizadores –qué duda cabe– pero que permite preguntarse si no hubiera sido mejor dejar librada a la sensibilidad del espectador la emoción y el sentido de esos poemas en vez de querer imponerle una casi por la fuerza.

2012 (tráiler)

2010-12-21T12:55:00.001-05:00

Siglos atrás, los mayas nos dejaron un calendario, con una fecha que predecía claramente el final y todo lo que ello conlleva. Desde entonces, los astrólogos la han descubierto, los numerólogos han encontrado las pautas que la predicen, los geólogos dicen que la tierra tiene los días contados; incluso los científicos de los gobiernos no pueden negar el cataclismo de proporciones épicas que espera a la tierra en 2012. Una profecía que comenzó con los mayas ha sido ahora contada, discutida, desglosada y examinada. En el año 2012 lo sabremos, hemos sido prevenidos.

"Hermano", de Marcel Rasquin, gana en el Festival de La Habana

2010-12-14T12:02:00.006-05:00

La cinta venezolana Hermano, de Marcel Rasquin, fue galardonada con el Coral en el 32 Festival del Nuevo Cine Latinoamericano de La Habana con el Premio Especial del Jurado en la categoría de óperas primas.

En este Festival de La Habana el primer premio en el renglón Opera Prima fue a manos del mexicano Pedro González-Rubio por el film Alamar. El segundo fue para la peruana Octubre, de Daniel y Diego Vega, y el tercero para Del amor y otros demonios, de Hilda Hidalgo, de Costa Rica.

El 2010 ha sido un año de consagración para la ópera prima del cineasta Marcel Rasquin que narra la historia de dos hermanos de crianza, a quienes se les presenta la oportunidad de cambiar sus vidas y salir de la pobreza cuando un cazatalentos les invita a probarse en el endecacampeón de Venezuela, el Caracas Fútbol Club.

Hermano viene de conquistar el Colón de Oro al mejor largometraje del 36 Festival de Cine Iberoamericano de Huelva, también recibió el premio San Jorge de Oro en el XXXII Festival Internacional de Cine de Moscú, y el de popularidad del público en Los Ángeles Latino International Film Festival.

Todo listo para 32 Festival del Nuevo Cine Latinoamericano de La Habana

2010-11-30T23:55:00.002-05:00

La edición número 32 del Festival Internacional de Cine Latinoamericano, que se realizará en la capital de Cuba, La Habana, ya tiene todo listo para iniciar el próximo jueves.

Según informó la portal web del evento, el festival se propone “reconocer y difundir las obras cinematográficas que contribuyan, a partir de su significación y de sus valores artísticos, al enriquecimiento y reafirmación de la identidad cultural latinoamericana y caribeña”.

Con este objetivo, se convoca anualmente a los categorías de Ficción, Documental y Animación, Operas Primas, Guiones Inéditos y Carteles, y de forma paralela, también se organizan encuentros y seminarios sobre diversos temas de interés cultural, en especial, el cinematográfico.

Hasta ahora, el programa del Festival ha seleccionado una amplia y representativa muestra de cine contemporáneo proveniente de América Latina y distintos países del resto del mundo.

La Sección Oficial estará conformada por 110 filmes, de los cuales 104 competirán por los premios Coral en las categorías de largometraje de ficción (20), ópera prima (21), cortometraje de ficción (15), documental (24) y animado (24). Otros cinco filmes se exhibirán en el apartado Fuera de Concurso; de ellos, tres son largometrajes de ficción y dos documentales.

El evento también contará con la participación de reconocidos cineastas internacionales y además, como ya se acostumbra a hacer desde hace más de dos décadas, ofrecerá credenciales particulares para todos aquellos que deseen asistir a algunas de las presentaciones o seminarios del evento, inclusive a los periodistas extranjeros.

La acreditación permanecerá vigente para todos los foros del Festival, que se estará realizando hasta el próximo 12 de diciembre.

Premios ALBA

En esta edición del Festival del Nuevo Cine Latinoamericano también se anunciarán a los ganadores de los premios ALBA, en lo que los entre los finalistas hay filmes de Argentina, Chile, Uruguay y Guatemala.

Las ocho propuestas que pasaron a la ronda final, de 32 proyectos iberoamericanos presentados, son El fin de Potemkin y Las acacias, de Argentina; Ulises y Pinochet boys, de Chile; Chamaco, de Cuba; Fe, de Guatemala; Las Carpetas, de Puerto Rico; y Flores de mi Familia, de Uruguay.

El reconocimiento fue instituido hace tres años en el marco del Festival del Nuevo Cine Latinoamericano, y según indicaron sus fundadores persigue apoyar la post producción de proyectos cinematográficos de la región suramericana.

Telesur

In the Time of the Butterflies (trailer)

2010-11-25T00:00:00.001-05:00

"Yo soy guerrillera de las Farc": Tanja Nijmeijer

2010-11-03T23:55:00.003-05:00

Por Camilo Jiménez
Semana

La cadena radial holandesa "Radio Nederland" publicó el segundo video de la entrevista exclusiva a la guerrillera holandesa Tanja Nijmeijer, quien aparece por primera vez desde 2003 ante una cámara de televisión. El material pertenece al periodista colombiano Jorge Enrique Botero.

La cadena radial holandesa “Radio Nederland” publicó hoy a medio día (hora holandesa) un video exclusivo en el que aparece la guerrillera holandesa Tanja Nijmeijer por primera vez desde 2003 ante una cámara de televisión. El material pertenece al periodista colombiano Jorge Enrique Botero.

Vea la primera parte de la entrevista aquí y la segunda parte aquí.

En el primer video

En el video de un minuto, realizado por el periodista Jorge Enrique Botero y presentado en exclusiva por la cadena holandesa, Tanja Nijmeijer, conocida bajo el alias “Ellen”, dice que “no quiere ser rescatada” y envía un enfático mensaje a las Fuerzas Armadas de Colombia: “Si el gobierno de Colombia aún cree y trata de divulgar que yo estoy aquí secuestrada pues yo diría que vengan también (sic), que vengan a rescatarme, y nosotros los recibimos acá, con AK, con .50, con minas, con morteros, con de todo.”

El video, según anuncia la cadena holandesa, fue filmado en el campamento de alias “Mono Jojoy” el pasado agosto, pocas semanas antes del bombardeo del ejército colombiano que terminó con la vida del jefe guerrillero. Jorge Enrique Botero afirmó a “Radio Nederland” que, no obstante, la guerrillera aún hoy sigue con vida. El video hace parte de un documental que Botero realiza en este momento sobre las Farc. Además de entrevistar a Tanja Nijmeijer, el periodista conversó también con “Mono Jojoy”.

“Yo soy guerrillera de las Fuerzas Armadas Revolucionarias de Colombia”, dice Nijmeijer en el video publicado por “Radio Nederland”. Y asegura “que seguiré siendo guerrillera hasta vencer o hasta morir, y que en eso no hay reversa, y que, es más, que me siento orgullosa de ser guerrillera, orgullosa de trabajar aquí al lado del pueblo colombiano y al lado de otros guerrilleros, trabajando diariamente para la toma del poder y por la revolución.”

En las imágenes del video, la guerrillera luce un uniforme verde oliva y un gorro militar y trae un fusil.

Tanja Nijmeijer llegó a Colombia por primera vez en 2000. Después de abandonar el país regresó en 2001 y se unió tiempo después a las Farc. En 2005, antes de que su militancia en las Farc fuera conocida, su madre Hannie la visitó en un campamento de las Farc. Lea el testimonio de su madre aquí. En 2007, el hallazgo de su diario personal tras un bombardeo hizo a Tanja Nimeijer famosa mundialmente y dejó en claro que su experiencia con las Farc había estremecido sus ideales y la había hecho escéptica sobre la lucha de esta guerrilla Vea un especial de SEMANA sobre Tanja aquí.

La historia de Tanja Nijmeijer ha dado pie para todo tipo de trabajos periodísticos e investigativos sobre su vida. Recientemente, León Valencia y Liduine Zumpolle publicaron un libro sobre ella (lea el trabajo periodístico aquí. Tras el bombardeo al campamento de “Mono Jojoy” se especuló intensamente sobre la posibilidad de que entre los muertos se encontrara la guerrillera holandesa. Sin embargo, esta posibilidad fue descartada semanas después por la Fiscalía General de la Nación. Vea más información sobre lo último que se conoció de Tanja aquí.

Semana.com conoció que el periodista Botero prepara un libro sobre 'Alfonso Cano'. Se dice que podría ser publicado antes de que finalice este año.

En un segundo video

En la segunda parte de la entrevista, publicada por "Radio Nederland" en las horas de la tarde (hora holandesa), Tanja Nijmeier cuenta la historia de cómo llegó a las filas de las Farc. "Estudié lenguas romances y cultura en la Universidad de Groningen por (sic) entre cuatro y cinco anos", explica. "Tuve que hacer una práctica y vine a Colombia a enseñar inglés en un colegio pequeno en Pereira. No sabía nada de la guerra y de la desigualdad social en Colombia. Estando aquí me di cuenta de que había una guerra."

La guerrillera cuenta que un amigo suyo, un profesor, le enseñó lo que supuestamente tenía que saber sobre Colombia. Y que cuando regresó al país después de las prácticas y de despedirse de los suyos en Holanda, ya era una "activista política". "Me di cuenta que la revolución no tendría lugar en Holanda sino en Colombia. Entonces decidí venir. Visité a un amigo que me invitó a trabajar en Boogotá, donde me volví (sic) miliciana durante seis meses. Después, mi amigo me preguntó si quería hacer un curso en la selva por seis meses más. Le dije que sí. Y me di cuenta de que la guerrilla no era cómo la pintaban los medios."

En relación con Holanda, Tanja Nijmeijer dice no haber vuelto a hablar neerlandés desde que vio a su madre por última vez en 2005. "En los primeros anos escuchaba mucho a Radio Nederland. Ponían el Wilhelmus (el himno nacional de Holanda) al final de las emisiones. Yo me ponía nostálgica cuando lo oía. También lo ponían durante los partidos del Mundial y eso me hizo extranar mi país."

Finalmente, Nijmeijer se refiere a su familia y sus amigos: "También me da nostalgia cuando pienso en mis amigos, así como en otros que están en la lucha. Me pone triste pensar en mi familia y en el paisaje holandés. Al principio los extranaba mucho, especialmente cuando hablaba en neerlandés, ya que tenía que usar el español todo el día y no podía hablar mi lengua materna. En ese entonces, mi holandés era mejor que hoy. Ahora hablo mejor el español y no extraño tanto a mi país. Pero sí me siento nostálgica cuando a veces pienso en Holanda, en su queso y en cosas pequeñas como esas."

Tráiler del documental "Más cerca de Tanja"

2010-10-30T16:08:00.001-05:00

"Más cerca de Tanja" se realizó entre 2008 y 2010 y narra, a través de su madre y su hermana, la búsqueda de Tanja Nijmeijer en las selvas colombianas.

Dice Bauer que su filme ofrece nueva mirada sobre el Che

2010-10-05T23:55:00.002-05:00

El documental “Che. Un hombre nuevo”, que este jueves se estrenará simultáneamente en Argentina y Cuba, es resultado de una investigación de 12 años, en la que se ofrece una nueva mirada hacia la intimidad del legendario revolucionario.

En entrevista con la agencia alemana DPA, Bauer expone que no hay testimonios de terceros en el filme, y que decidió privilegiar la voz del Guerrillero Heroico mediante sus diarios y correspondencia, fotos e imágenes de archivo, que incluyen originales de cámara sin editar cedidos por el Instituto Cubano de Arte e Industria Cinematográficos (ICAIC).

Desde su oficina en el canal público y estatal que tiene a su cargo como titular del Sistema Nacional de Medios Públicos de Argentina, explicó que hubo dos claves para poder hacer la película.

Una fue -dijo- la llegada de Evo Morales a la presidencia de Bolivia, quien le permitió acceder y fotografiar los archivos secretos del Ejército boliviano, que dio muerte al “Che” en 1967, y la otra, que Aleida March, viuda del Comandante Guevara, le abriera su archivo personal.

El documental comienza con una grabación del propio Che recitando algunos poemas para su esposa, a modo de despedida.

Declaró el realizador que la cinta con la grabación de poemas de César Vallejo y Pablo Neruda cedida por Aleida March es apenas uno de los documentos inéditos que obtuvo para su documental, que ganó el premio al mejor en el Festival Internacional de Cine de Montreal.

Relató que quedó muy impresionado con libretas que el “Che” llevaba consigo, que se traducían en cuadernos, donde esas mismas ideas casi espontáneas y escritas en el fragor de la batalla, eran tratadas de manera más reflexiva, y después en un texto mecanografiado.

Ver esa triple escritura daba la sensación de que estábamos frente a un escritor, sobre todo también por el volumen, por la cantidad de obra que dejó escrita, agregó el laureado cineasta argentino.

Otro testimonio inédito del documental es una grabación casera realizada por Ernesto Guevara Lynch, en Punta del Este en 1961, que registra el último encuentro del revolucionario con sus padres y hermanos en territorio De Río de La Plata, Argentina.

Prensa Latina/Cubadebate

La fundación de una república

2010-10-01T08:00:00.004-05:00

Sesenta aniversario de la República Popular China

Por José Luis Urraca Casal
Un mundo de cine

Épica, historia y thriller político

La industria cinematográfica china ha querido rendir homenaje a la Republica Popular de su país con motivo del 60 aniversario de su fundación, estrenando el pasado mes de septiembre la película The founding of a Republic (La fundación de una República). Una audaz superproducción que recorre los años de guerra civil que enfrentaron a nacionalistas y comunistas tras el final de la Segunda Guerra Mundial. Para interpretar a Mao Zedong o Chiang Kai Schek, así como al resto de protagonistas de la historia han participado más de 170 grandes estrellas nacionales, desde Jackie Chan a Jet Lee, un hecho insólito hasta ahora en la cinematografía china.

El cine chino ha querido de nuevo dejar constancia de su historia de cara, sobre todo, a ilustrar a sus nuevas generaciones. Si a comienzos de año hacíamos referencia al film Ciudad de vida o muerte, premiado en el Festival de Cine de San Sebastián, el cual rescata para la memoria uno de los episodios más dramáticos de la invasión japonesa de China, la masacre de Nanking, ahora la industria cinematográfica de este país ha querido sumarse a la celebración del 60 aniversario de la creación de la República Popular (la cual tuvo lugar el 1 de octubre de 1949) contribuyendo con un film histórico donde aparece lo más granado de sus actores.

Más de 170 actores y actrices

En ese homenaje que supone recrear un pasado de enfrentamiento que condujo al surgimiento de la actual China comunista, la película ha logrado un hecho insólito, reunir a un reparto en el que se encuentra lo más conocido del cine chino y hongkonés, nada menos que más de 170 estrellas nacionales, algunas de ellas de fama internacional entre las que se encuentran Jet Lee, Jackie Chan, Donnie Yen, Andy Lau, Zhao Wei, Leon Lai, Zhang Ziyi, Tang Guoqiang, Chen Kaige...

Algunos de ellos se limitan a simples cameos, en ocasiones con una simple frase, pero tampoco puede esperarse mucho más, teniendo en cuenta el gran número de artistas que aparecen en las dos horas de duración del film. Jackie Chan da vida a un reportero, y Jet Li a un almirante del Kuomintang (KMT). En principio también aparecía el director John Woo, pero sus escenas fueron finalmente eliminadas.

En cualquier caso el film permite disfrutar de unas excelentes interpretaciones, tanto de los personajes ficticios como de los históricos. De entre estos últimos destacan los dos principales árbitros de la escena política del momento, por un lado Mao Zedong, líder del Partido Comunista Chino (PPCh) interpretado en su decimocuarta vez por el actor Tang Guoqiang, aunque por primera vez, a sus 56 años ha interpretado a Mao a la edad que este tenía realmente en 1949. Y por otro lado Guoli Zhang como el presidente y líder del Kuomintang (Partido Nacionalista Chino o Partido Nacional Popular), Chiang Kai-shek. Es sorprendente el gran parecido de ambos actores con los personajes que encarnan, lo cual el espectador podrá comprobar perfectamente cuando ya al final del metraje se intercalen algunas imágenes del verdadero Mao Tse-Tung.

Una majestuosa superproducción de bajo presupuesto

La película, codirigida por Sanping Han y Jianxin Huang, ha contado con un presupuesto de 6 millones de dólares, una cantidad exigua para una superproducción de estas características, pero explicable si tenemos en cuenta que la mayoría de los actores han participado gratuitamente en el proyecto renunciando a su caché.

Esto ha permitido concentrar los recursos en la recreación histórica, repleta de escenarios reales donde se sucedieron los acontecimientos que narra, decorados y la puesta en escena de algunas de las batallas más importantes de la Guerra Civil. Será notorio además el uso de efectos digitales de alta calidad.

Se ha volcado en el proyecto un gran número de productores y ha sido proyectada por uno de los mayores distribuidores dentro del país, el China Film Group. Según Europa Press, los cuarenta millones de dólares que lleva recaudados desde su estreno, la convierten en la película más taquillera de cuantas se han producido en China.

Historia o propaganda

Se ha apuntado a que quien realmente está detrás de la orquestación de este proyecto es el Partido Comunista Chino y su omnipotente poder, debatiéndose la crítica internacional entre quienes lo consideran un ejercicio de propaganda y exaltación del régimen y quienes están dispuestos a hacer concesiones en aras de la calidad de la cinta. Y es que si bien, dada la actual situación política china, todavía escasamente plural, la objetividad hacia un pasaje de su historia del que surge el propio estado comunista como resultado de una guerra civil, podría ser igualmente escasa o nula, el resultado parece ser bien diferente.

Si bien el film no deja lugar a dudas sobre quienes son los auténticos héroes de la historia, Mao Tse-Tung, sus colaboradores más directos y el ejército comunista, quienes desde una situación de inferioridad, en circunstancias más penosas, ataviados con el traje sencillo Zhongshan, más propio del trabajador de una fábrica, contrastan con las estancias de poder en que se desenvuelven los líderes del Kuomintang, sus solemnes automóviles y sobretodo, la corrupción que inundó al partido de Chang Kai-Schek y que como él mismo reconoce, fue la principal causa de su propia derrota.

La película también resalta al fundador del Kuomintang (KMT), Sun Yat-sen (1866-1925) y primer presidente de la primera República China (1912), como importante punto de origen de ambos líderes, Mao y Chiang, y su retrato preside la reunión entre los mismos que da inicio al film, siendo presentados como discípulos suyos. La viuda de Sun Yat-sen líder considerado como padre de la China moderna, Song Qingling, también adquiere relevancia en la cinta y a quien Mao suma finalmente a su proyecto para forjar la República Popular.

Esa imagen de unidad en la fundación de la Nueva República Popular se complementa con la aparición de otros líderes políticos del momento en un intento de mostrar cierta pluralidad política, aunque finalmente el único partido predominante fuera el comunista y no se lograse una democracia tal y como ésta se entiende en occidente, sino una dictadura de partido. El film en su recta final permite asistir a momentos de gran simbología como la adopción de la bandera del país, el himno nacional, la celebración de la Conferencia Consultiva Política Popular o la proclamación de la República en la plaza de Tiananmen el 1 de octubre de 1949.

La historia que refleja la ficción: La Guerra Civil

El Partido Nacional Popular, el Kuomintang (KMT), creado y liderado por Sun Yat-sen, ha sido desde la fundación de la República China en 1912, la principal fuerza política del país. Tras la muerte de éste en 1925, el general Chiang Kai-shek ha logrado imponerse al frente del mismo. Una China dividida ha requerido grandes esfuerzos de cara a su unificación, luchando contra poderosos señores de la guerra. En esa lucha se ha sumado el Partido Comunista Chino, quien bajo Sun Yat Sen se había unido al Kuomintang por compartir diversos principios revolucionarios, sin embargo tras su muerte y tras las primeras victorias, los comunistas son traicionados y perseguidos por Chiang Kai-shek. En 1927 se establece la capital de la República en Nanking. En 1937, la invasión japonesa, que se hace con gran parte del país, vuelve a lograr aunar a ambos partidos en un frente unido contra el poderoso enemigo común.

La película se inicia el 28 de octubre de 1945, la Segunda Guerra Mundial ha concluido y con ello, ocho años de lucha de China contra Japón. Las esperanzas de paz se concentran ahora en Chungking, donde se reúnen los presidentes del Kuomintang, Chiang Kai-shek y del Partido Comunista Chino, Mao Zedong (o Mao Tse-tung). Sin embargo las negociaciones para formar un gobierno de unidad que proporcione democracia y paz, fracasan, y en la primavera de 1946 se reanuda la Guerra Civil.

El Kuomintang posee bajo su control la China central y las principales ciudades del país (Shanghai, Nanking, Pekín…). Su ejército es más numeroso y en un principio está mejor equipado. Cuenta además con la supremacía aérea y naval. Los Estados Unidos al inicio del conflicto le prestan ayuda económica, que sin embargo acabará por desaparecer por completo. Por otro lado los comunistas son fuertes en el norte y el noroeste del país, en territorios como Manchuria, arrebatados a los japoneses y su principal base social se encuentra entre el campesinado.

Si inicialmente las victorias caen del lado nacionalista, la situación cambia, y los comunistas, que controlan amplias zonas rurales, van sometiendo a prolongados asedios a las ciudades norteñas en los que mueren por inanición centenares de miles de personas. La ayuda armamentística soviética y el armamento japonés rendido en Manchuria llevan al Ejercito Popular de Liberación de Mao a cosechar importantes victorias. Por otro lado, Chiang Kai-Schek, presidente de la República China, es incapaz de frenar la corrupción interna de su partido, la hiperinflación hunde a la economía del país y progresivamente pierde apoyo social.

En enero de 1949 los comunistas toman Pekín, y durante los siguientes meses van cayendo en su poder el resto de las principales ciudades, incluida la capital de la República, Nanking. El presidente Chiang Kai-Shek se retira con sus tropas al sur y finalmente, ante la imposibilidad de frenar a su enemigo, acaba refugiándose en Taiwán, donde establece la nueva capital de la República, país que ha sobrevivido hasta la actualidad.

En septiembre Mao convoca la Conferencia Consultiva Política Popular (CPPCC), que decide la estructura del nuevo estado y el 1 de octubre de 1949, en un acto multitudinario ante la plaza de Tiananmen, proclama la República Popular China, momento histórico con el que finaliza el film.

Fuente: www.unmundodecine.com

Artículo original publicado en noviembre de 2009 en: http://www.unmundodecine.com/2009/11/founding-of-republic-la-fundacion-de.html

Una película rescatada en el festival de Pyongyang

2010-09-28T00:00:00.000-05:00

Philippe Pons
Le Monde
Traducido por Juan Vivanco

China ha ocupado el puesto de honor en el XII Festival Internacional de Cine de Pyongyang, celebrado del 17 al 24 de septiembre, con la película Ir a pie a la escuela del realizador Peng Xin, que ha recibido el primer premio. Francia también ha sido agraciada con el Premio Especial del Comité de Organización a la coproducción franco-norcoreana Moranbong.

El discreto acontecimiento festivalero, muy distinto de los espectáculos con alfombra roja y desfile de estrellas, es una ocasión de «ver películas que no se proyectan en otras partes y conocer a cineastas que no acuden a los grandes festivales», comenta Derek Elley, crítico de Film Business Asia, que ha presidido el jurado. Y que lo diga: el plato fuerte del Festival de Pyongyang ha sido un «estreno»… que los coreanos llevaban esperando medio siglo: la proyección de Moranbong, realizada en 1958 por Jean-Claude Bonnardot con guión de Armand Gatti.

Apenas terminó el montaje de la película en Francia, se prohibió su distribución y su exportación porque «dejaba en mal lugar a las tropas de la ONU» que habían luchado en la guerra de Corea (1950-1953). La prohibición se levantó en 1964, pero la película no llegó a estrenarse en la República Popular Democrática de Corea (RPDC).

La aventura de Moranbong

El largometraje traslada a la época moderna una famosa leyenda coreana, la Historia de Chunhyang, que cuenta los amores contrariados de dos amantes. La leyenda inspiró un pansori, ópera popular coreana en la que un narrador cuenta, canta e interpreta una historia. En la película, la guerra separa a los dos amantes. Rodada en Corea con unos medios técnicos importantes para la época y actores coreanos, Moranbang es en sí misma una aventura. Jean-Jacques Hocquard, director del centro de creación cultural La Parole Errante, encontró una copia en 2008 y el guión de Armand Gatti en versión coreana ―el original se ha perdido―. La película fue el fruto de una escapada a la RPDC de los realizadores, acompañados, entre otros, por los cineastas Claude Lansmann ―que cuenta este viaje en Le Lièvre de Patagonie― y Chris Marker. ¿Qué andaban buscando allí, en China y después en Cuba? «Ante todo, una ruptura con el modelo soviético», escribe Chris Marker en la edición coreana (1997) de su libro Coréennes.

Moranbang ha sorprendido un poco al público. «El pansori no es un arte de masas, y los espectadores, al parecer, conocían mal algunos de los episodios bélicos que se presentan en la película», comenta Jérémy Segay, de La Quinzaine des réalisateurs, que trabaja en un documental sobre la historia insólita de esta película: la primera coproducción entre la RPDC y un país no comunista que, por añadidura, es el único miembro de la Unión Europea que aún no ha establecido relaciones diplomáticas con Pyongyang.

Un film ressuscité au festival de Pyongyang

2010-09-27T16:20:00.002-05:00

Philippe Pons
Le Monde

La Chine a été à l'honneur du 12e Festival international du film de Pyongyang, qui s'est tenu du 17 au 24 septembre, avec le film Aller à l'école à pied, du réalisateur Peng Xin, qui a reçu le premier prix. La France n'a pas été de reste avec le Prix spécial du comité d'organisation à une coproduction franco-nord-coréenne, Moranbong.

Le discret événement festivalier, qui n'a rien des spectacles à tapis rouge et à ballet de vedettes, est l'occasion de "voir des films que l'on ne présente pas ailleurs et de rencontrer des cinéastes qui ne fréquentent pas les grands festivals", commente Derek Elley, critique de Film Business Asia, qui a présidé le jury. On ne saurait si bien dire : le Festival de Pyongyang aura été marqué par une "première"... attendue depuis un demi-siècle par les Coréens : la projection de Moranbong, réalisé en 1958 par Jean-Claude Bonnardot sur un scénario d'Armand Gatti.

A peine monté en France, le film fut interdit à la distribution et à l'exportation : il présentait "sous un jour peu favorable les troupes de l'ONU" ayant combattu pendant la guerre de Corée (1950-1953). L'interdiction fut levée en 1964, mais le film n'avait jamais été présenté en République populaire démocratique de Corée (RPDC).

L'aventure de "Moranbong"

Ce long métrage transpose à l'époque moderne une célèbre légende coréenne, L'Histoire de Chunhyang (traduction française Zulma 2008), contant les amours contrariées de deux amants. Elle inspira un pansori, sorte d'"opéra" populaire coréen dans lequel un conteur narre, chante et interprète une histoire. Dans le film, les deux amoureux sont séparés par la guerre. Tourné sur place avec des moyens techniques importants pour l'époque et des acteurs coréens, Moranbong, dont Jean-Jacques Hocquard, directeur du centre de création culturelle La Parole Errante, a retrouvé une copie en 2008 ainsi que le script d'Armand Gatti dans sa version coréenne, - l'original est perdu -, est à lui seul une aventure. Il est lié à l'équipée en RPDC des réalisateurs accompagnés entre autres des cinéastes Claude Lanzmann, - qui raconte ce périple dans Le Lièvre de Patagonie -, et Chris Marker. Qu'allaient-ils chercher là-bas, en Chine et plus tard à Cuba ? "Avant tout, une rupture avec le modèle soviétique", écrit Chris Marker dans l'édition coréenne (1997) de son livre Coréennes.

Moranbong a quelque peu surpris l'audience. "Le pansori n'est pas un art de masse, et certains événements de la guerre présentés dans le film étaient, semble-t-il, mal connus des spectateurs", commente Jérémy Segay, de la Quinzaine des réalisateurs, qui travaille à un documentaire sur l'histoire peu commune de ce film : la première coproduction de la RPDC avec un pays non communiste réalisée avec le seul membre de l'Union européenne qui n'a toujours pas établi de relations diplomatiques avec Pyongyang...

Lula, el hijo de Barreto

2010-09-24T00:00:00.001-05:00

El primer presidente de izquierda del gigante latinoamericano no tuvo que esperar a ser un mito para llegar a la pantalla grande. La película "Lula, el hijo de Brasil" relata la primera etapa de la azarosa vida de este ex inmigrante nordestino, obrero y sindicalista.

Por Fabiana Frayssinet
IPS

El filme, que muestra "la odisea de una familia igual a la de otras tantas familias pobres del país" según las palabras de su director, Fabio Barreto, ya despertó una expectativa inusual antes de su estreno, previsto para el 1 de enero. Retrata los primeros 35 años de la vida del presidente de Brasil, en pleno ejercicio del poder hasta enero del 2011.

Va desde su nacimiento el 27 de octubre de 1945, en la pequeña aldea de Garanhuns, en el noroccidental estado de Pernambuco, hasta la década del '80, cuando ya líder de importantes huelgas sindicales del poderoso sector metalúrgico del cordón industrial de Sao Paulo, el llamado "ABC paulista", es llevado preso por la dictadura militar (1964-1985).

La fecha, según la sinopsis, marca también la muerte de una persona "extremadamente influyente" en la vida de Lula. La de su madre, Doña Lindú (Euridice Ferreira de Mello), una mujer simple y analfabeta que crió ocho hijos sola bajo el lema "En esta familia nadie va a ser ladrón o prostituta".

"El resto todo el mundo lo conoce: La fundación del PT (Partido de los Trabajadores), su carrera política hacia la presidencia", señala a IPS Barreto, director entre otras de la película "El cuarteto", candidata al Oscar como mejor filme extranjero en 1996.

Lula, el nuevo hijo de celuloide de Barreto, se estrena, según el director, a propósito fuera de las campaña electoral anterior, de 2006, que lo consagró por segunda vez consecutiva como presidente del país más grande de América Latina, para evitar comentarios maliciosos sobre sus fines propagandísticos.

Sin embargo, aunque en la campaña presidencial de 2010 Lula no puede participar por estar impedido de pugnar por un tercer mandato consecutivo, los comentarios suspicaces ya surgieron de parte de la oposición del Partido de la Social Democracia Brasileña.

Dilma Rousseff, actual jefa del gabinete civil del gobierno (especie de primera ministra), es la elegida de Lula para heredar su mandato.

Con una candidatura cuestionada por muchos, el espaldarazo del mandatario, que recoge hoy más de 80 por ciento de apoyo popular, es considerado fundamental para los fines electorales de Rousseff.

Además, según se destacó el miércoles en la primera exhibición del filme en la inauguración del Festival de Cine de Brasilia, el filme fue patrocinado por 18 empresas que se identifican y por otras cuatro que prefirieron no aparecer en los créditos, un hecho inusual para quien quiere promocionarse a través de una película.

Algunas de las firmas que apoyan la película tienen negocios directos con el gobierno y han sido patrocinadoras de campañas electorales.

Pero Barreto asegura que el lanzamiento en enero es por una simple cuestión de mercado. Es la fecha habitual para los estrenos. Además, dice que su película no busca ser una apología y que el libreto original, extraído del libro homónimo de Denise Paraná, respeta la recomendación del presidente de que no se trate de una historia para halagarlo y de que se actuará con total libertad.

Los productores tampoco apelaron a los incentivos fiscales que favorecen a la industria cinematográfica brasileña.

"Sólo lo consulté (a Lula) para obtener detalles de ciertas escenas que no tenía muy claras", pero muy poco antes del rodaje, asegura Barreto.

"Mi padre (el director y productor Luiz Carlos Barreto) tuvo la idea original de hacer la película al ver que a todos los lugares que iba ya no era más Ronaldo ni Pelé (los dos destacados futbolistas representativos de distintas épocas) los nombres que estaban en boca de todos sino que es Lula y Lula y Lula", recuerda Barreto.

La historia, empero, comienza con una profecía: "tu vas a llamarte Luiz Inácio Lula da Silva", dice Doña Lindú, interpretada por la famosa actriz brasileña, Gloria Pires, cuando nace en medio de una especie de pesebre del pobrísimo nordeste.

Un nacimiento del séptimo hijo, que, aunque no es el séptimo varón, está lleno de simbologías importantes que ayudaron a trazar los caminos de la vida del hoy presidente, según Barreto.

Lula nace menos de un mes después de la partida del hogar de su padre, Arístides Inácio da Silva, quien parte en busca de mejor vida en Sao Paulo acompañado de una mujer mucho más joven que Doña Lindú.

Una ausencia de un padre, por otra parte violento y alcohólico, que según Barreto es un "trauma" en su vida. Uno de los tantos que tuvo que enfrentar y que por eso mismo le dieron "fuerza" para superarse, dice.

"La familia Silva pasó por todo. La miseria, accidentes de trabajo, enfermedades, problemas de desnutrición. Luego escaparon de un holocausto miserable que era el nordeste de Brasil en aquella época para triunfar en el sur".

En esa línea, Barreto destaca en su creación tres cosas que considera fundamentales en la vida de Lula, además de "la principal, sobre todo su madre, de cómo lo cuidó y lo protegió". "La madre, pese a todo lo que sufría, era una persona que nunca se salía de sus casillas. Tenía una fuerza muy grande, mucha fe. Y esto es Lula, Lula actúa mucho, es difícil que se salga de sí", analiza Barreto, que junto a su familia es amigo de Lula desde hace muchos años.

Aunque también fueron determinantes, según Barreto, la figura de su padre "muy opresor y que aplastaba su personalidad. Lula, quien de pequeño era muy tímido, conoce a su progenitor recién cuando tenía cinco años y debido a que su madre, a través de una carta que resulta falsa, se traslada a Sao Paulo en medio de una de las peores sequías de la región donde vivían.

Un padre que le pegaba a su madre y a sus hijos, según retrata el libro. Lula presidente suele recordar a esa figura en sus discursos oficiales, cuando habla de las iniciativas de su gobierno a favor de la mujer y contra la violencia doméstica. Su madre termina abandonando al padre en la ciudad paulista de Santos y se traslada una vez más con sus hijos a la capital del estado.

Es sin embargo ese drama, según Barreto, que, para olvidarlo, impulsa la carrera sindical de Lula, sin la cual "tal vez seguiría siendo un simple operario, casado y sólo dedicado a su familia".

En medio del dolor, el entonces joven sindicalista emerge como una "fuerza política renovadora" y se transforma en un líder sindical, actividad que "anteriormente rechazaba", de las huelgas metalúrgicas de los años '80.

"Este hombre encabezó una elite operaria, formó un ejército –de obreros-- contra el ejército brasileño que defendía las empresas multinacionales. El hombre que precipitó el final de régimen militar", subraya el director.

Barreto destaca otro hecho que también influyó en esa carrera sindical. Los consejos de su hermano Frei Chico, inmediatamente mayor que Lula, que militaba en el Partido Comunista. Aunque recuerda que el hoy presidente consideraba "aburridísimas" las reuniones políticas del partido" y "las cosas prohibidas" que se hacían.

"Lula seguía mucho lo que decía su hermano, pero políticamente no tuvo influencia", afirma Barreto.

"Nunca le gustó el comunismo"… "Lula no es de izquierda ni de derecha. Es un hombre que tiene una ideología de sobrevivencia. Que lucha por la sobrevivencia", según la interpretación del director, quien ratifica la opinión de muchos que hablan de la supuesta "apoliticidad" del líder del PT.

Hasta su hermano dijo "qué bueno que Lula no se dejó influenciar por mi ideología, si no, no sería el presidente que es hoy", agrega el director, que lo define sobre todo como un hombre "carismático", como un "hombre que no se deslumbró y que, como siempre le recomendó su madre, nunca se olvidó de su origen humilde".

Origen que es explotado en otras de las escenas principales, no sólo de la película sino también de la biografía del Lula electoral.

La que lo muestra durante más de una semana con su familia en un "pau de arara", el camión típico que trasladaba a los inmigrantes del noroccidente pobre al rico sudeste de Brasil, el estado de Sao Paulo en su caso, durante la mayor inmigración interna conocida, según Barreto.

También se pone énfasis en otros momentos de "pérdida" de los tantos que marcaron la vida del presidente, como cuando siendo trabajador metalúrgico perdió un dedo de la mano en un accidente laboral.

Y para los amantes de las telenovelas brasileñas, aparecen otras conmovedoras escenas de amor, como el encuentro con su segunda mujer y actual primera dama, Marisa Letícia Rocco Casa, "Doña Leticia", con quien tuvo cuatro hijos y que en ese entonces también viuda y con un hijo.

O como el momento en que su madre se emociona cuando Lula recibe el título de "tornero mecánico".

Y claro, la escena mayor es la que recuerda un histórico discurso suyo en un estadio lleno, realizado sin sistema de sonido, mientras 80.000 trabajadores repetían una a una sus frases para que todos pudieran oírlas.

La película muestra a un Lula de cinco años, de ocho, de 15 y de 18 a 35 años, interpretado por Rui Ricardo Días, un actor de teatro desconocido, pero que las críticas aplauden como el más creíble Lula, pese a no hablar con "su lengua trabada", con la zeta marcada como hace el presidente.

Un desafío como muchos, pero que según Barreto no se compara con el de tener que retratar un presidente que se convierte en mito.

"Yo no estoy haciendo una película de un presidente. Estoy haciendo la película de un ser humano que casualmente ahora está ahí como Presidente de la República", aclara el director.

"La intención de la película es desmitificar el mito. Es adentrarnos en las vísceras, corazón, emociones de un ser humano común", dice pese a los maliciosos que no le creen.

Publicado originalmente en noviembre de 2009

Un día en la vida de Corea del Norte

2010-09-09T15:51:00.002-05:00

Documental del año 2004, producido por el Ministerio de Cultura de Corea del Norte, en el que se retrata un día en la vida de una familia de la RPDC. Aporta otra vision a la que nos tienen acostumbrados.

Película sobre el "Che" obtuvo premio en Festival de cine de Montreal

2010-09-07T14:39:00.002-05:00

El filme del realizador argentino Tristán Bauer está alimentado de archivos privados de la esposa del Che, Aleida March, y de otros materiales audiovisuales que le suministró al cineasta el presidente Evo Morales, en cuyo país fue asesinado el líder revolucionario.

La película "Che. Un hombre nuevo", del director de cine argentino Tristán Bauer, obtuvo el Premio al Mejor Film Documental, otorgado por el voto del público, durante el Festival Internacional de Cine de Montreal, realizado en esa ciudad de Canadá desde el 26 de agosto y el 6 de septiembre.

"Che. Un hombre nuevo", se disputó el galardón con 50 películas en la sección Documentales del Mundo.

El Premio al Mejor Film Documental es otorgado por el público, y en ese sentido, la película del cineasta argentino en las tres oportunidades que fue presentada durante el festival, colmó las salas de espectadores.

De hecho, ante el efecto que el filme generó en el público, los organizadores del evento tuvieron que agregar una proyección suplementaria el día de la clausura del Festival.

El realizador argentino Tristán Bauer, al recibir el galardón, agradeció a la esposa del Che, Aleida March, por suministrarle sus archivos más íntimos del revolucionario.

También extendió su agradecimiento al presidente Evo Morales por poner a disposición los archivos secretos del Ejército Boliviano.

"Che. Un hombre nuevo", fue presentada por su director Tristán Bauer, la guionista e investigadora Carolina Scaglione y Camilo Guevara, hijo mayor del Che.

Camilo Guevara declaró a la prensa internacional que "el film de Bauer es el mejor documental realizado sobre mi padre".

El Che Guevara, tal como se le conoce mundialmente, trascendió a través de su ideario político, su lucha armada, y su participación fundamental en la revolución cubana (1953-1958).

Nació el 14 de junio de 1928 en la provincia argentina de Mendoza (centro oeste). Fue asesinado en 1967 en la localidad boliviana de La Higuera (sur) por el Ejército de Bolivia, que para la época estaba al servicio de una dictadura obediente a los dictámenes de la Agencia Central de Inteligencia (CIA, por sus siglas en inglés).

Telesur

Película del Festival de Cine de Venecia denuncia opresión israelí a palestinos

2010-09-02T23:55:00.001-05:00

''Miral'', una co-producción de cuatro países, desarrolla una historia palestina contada por un estadounidense de origen israelí. Julian Schnabel, realizador de la obra audiovisual, ha afirmado en torno a los puntos de tensión que mantienen lejos la paz del medio oriente que "no hay una solución militar a ese conflicto".

La película "Miral" del director estadounidense Julian Schnabel, una de los filmes que participa en el festival de cine de Venecia, aporta un particular ángulo sobre la opresión de Israel a los territorios palestinos.

"Miral" es la historia de una niña palestina que vive en un orfanato ubicado en Jerusalén, en el año 1948.

La disputa por Jerusalén es uno de los puntos que mantiene el conflicto entre Israel y Palestina. Mientras Tel Aviv, pretende anexarse la Jerusalén occidental "y tomarla toda para judaizarla", como lo ha expresado el analista George Zade, los palestinos la consideran como su capital.

El orfanato donde vivía la niña palestina de la película, se creó para acoger a las víctimas infantiles del conflicto árabe-israelí derivado desde la declaración del Estado de Israel en 1948.

Antes del estreno de la película, el realizador, Julian Schnabel, expresó en entrevista a medios internacionales que el conflicto entre israelíes y palestinos "es una gran parte de mi vida".

Julian Schnabel nació en Brooklyn, Nueva York, tres años después de la creación del Estado de Israel. Ese conflicto "me toca precisamente porque soy un judío estadounidense", subrayó Schnabel.

La película es protagonizada por Freida Pinto, actriz india que se dio a conocer con la película "Slum dog millonaire".

La propuesta de Schnabel completa su reparto con Vanessa Redgrave y William Dafoe, entre otras grandes figuras.

El filme está basado en la novela de la escritora palestina Rula Jebreal. La protagonista destaca en el orfanato por su inteligencia y compromiso. A medida que crece, la joven vuelca estas cualidades en su dedicación a la causa palestina hasta convertirse en una líder.

Telesur

Vancouver Latin American Film Festival tells Colombia's rich stories

2010-09-01T23:55:00.000-05:00

By Janet Smith

Colombia remains largely an enigma to North Americans, often represented by fleeting clichés of drug wars and guerilla violence. The real complexities of the country are rarely revealed through the nightly newscasts, let alone on celluloid.

But all that is about to change at this year’s Vancouver Latin American Film Festival, which runs Thursday (September 2) to September 12. The event features several key titles from that country’s exciting new wave of directors. The diverse offerings range from fest opener The Wind Journeys, which follows a veteran accordion player as he crosses the Caribbean region with his seemingly possessed instrument, to Crab Trap, about a conflict between remote Pacific Coast villagers and landowners who want to build a beach resort.

One of the filmmakers who most sweepingly captures the place, its people, and its complicated past is Carlos Gaviria, whose Portraits in a Sea of Lies travels from Bogotá to the lush far reaches of the country in a beat-up orange Renault 4. Along the way, the central duo, upbeat photographer Jairo and his mute cousin Marina, are faced with not only the breathtaking beauty of their country but the violence of its past and present.

“Colombia is a country with a lot of stories to tell,” the congenial director tells the Georgia Straight from Los Angeles, where he’s visiting friends. “We’ve had civil war for, well, all my life, so this is a country where more things happen in one day than for one month in Canada! And I’m amazed at the amount of stories that come out.

“It’s like there are two or three different countries inside. The north, where we go in my film, is very Caribbean; it’s much more African-American and the music is very different. In the south, the music and the culture are more Indian.”

That’s not even mentioning the visual riches of Colombia’s diverse terrain, which spans the arid cowboy ranges of Wind Journeys, the mangrove lagoons of Crab Trap, and the emerald-carpeted mountains of Gaviria’s Portraits. (Schedules for these and other movies, products of countries ranging from Brazil to Mexico, are on the VLAFF's Web site.)

Though only about a dozen films got made in Colombia in 2009, Gaviria says that is up significantly from the handful produced in previous years, when the government was less supportive. “And the amazing thing is that most of those 12 films are doing really well at festivals around the world,” points out Gaviria, whose own film was accepted at Berlin and Montreal and has nabbed awards at the Guadalajara and Cartagena festivals.

Gaviria, who received his master’s of fine art at New York University and has worked in film and TV both in the U.S. and Colombia, says making his first feature film in his home country was akin to “swimming across the Atlantic: you have to just think about getting to the other side”.

More money is available for films from the government these days, but the process is still extremely low-budget, meaning directors have to get creative. Portraits’ visual artistry belies the fact that Gaviria uses professional lights in only one scene; otherwise, he made do by putting clear plastic instead of a roof over a shanty that is a key location in the movie, and he actually opened a hole in the top of the Renault to shoot its interiors with enough light. In the remote areas where his small crew filmed, the team didn’t have electricity, using generators to charge the camera batteries each night.

When Gaviria returned to his home country from the U.S. about seven years ago, he already had a script reflecting the nostalgia he had for Colombia while living abroad. But the harsh realities of the place, the homeless surviving on the streets of his hometown of Bogotá, soon confronted him. “When you live somewhere, you think it’s the centre of the world. Then when you go someplace else for a long time and come back, you see you’re in a country that’s very different, very abnormal.”

He began interviewing people who had been displaced, tapping into the personal stories behind a massive problem that has plagued the country for decades. The United Nations estimates that more than three million people have had to abandon their homes in Colombia, forced out by guerrillas, paramilitaries, or violence, and thrown into destitution; other groups put the number higher, at 4.5 million. Colombia’s displacement is so bad it ranks alongside war-ravaged areas like Iraq and Somalia.

The result of Gaviria’s research was that he made his lead character Marina—played by Canadian-trained actor Paola Baldion (who will attend both screenings Monday and Wednesday [September 6 and 8] at the Pacific Cinémathèque)—a displaced person who is travelling with her cousin to reclaim the land taken from them by militia after a massacre.

Still, Gaviria wanted to keep the movie humanistic and, at times, funny: the wheeler-dealer Jairo staves off corrupt soldiers by taking Polaroids of them in a Mexican sombrero. “I didn’t want the film to become about the violence,” Gaviria says. “It’s my very honest feelings about my country. At the beginning, I didn’t intend to make a political movie, and I’m very surprised at how politically charged it is.”

Compelling politics, it seems, will provide more rich material as Colombia’s movie scene continues to expand. Its dedicated filmmakers will never be short of subjects—even if they are short of lights or electricity.

"Golpe de estadio"

2010-09-01T13:05:00.000-05:00

Será presentada en el Cine Club Suba Nativa, el jueves 2 de septiembre, a las 6:00 pm. Carrera 109 B No 141 A -56, Bogotá. Entrada libre.

Es 1993, la Selección Colombia avanza triunfalmente en las eliminatorias suramericanas y tiene opciones de clasificar al Mundial Estados Unidos '94. Una empresa petrolera ha instalado un campamento en un pequeño caserío de Colombia, al que han bautizado como Nuevo Texas, por lo que se convierte en blanco de la guerrilla, que sostiene constantes enfrentamientos con las fuerzas policiales de la zona.

Se desatan sucesivos combates y en medio de ellos son destruidos los dos únicos televisores de la zona, lo que hace imposible presenciar el definitivo partido, entre Argentina y Colombia, a disputarse en el Monumental de Núñez, en Buenos Aires.

La única solución consiste en pactar una tregua entre los bandos que permita construir un televisor a partir de las ruinas de los ya destruidos, y todos juntos, guerrilleros, soldados, curas y prostitutas, se hermanan, al menos por unas horas, para ver el esperado partido.

Golpe de Estadio fue candidata al Premio Goya como mejor película extranjera de habla hispana.

"Tirofijo ha muerto"

2010-08-22T21:29:00.004-05:00

Estreno: domingo 22 de agosto, 10 pm, por National Geographic Channel

En mayo de 2008 se anuncia la muerte de Tirofijo, fundador de la guerrilla más antigua del planeta. El gobierno colombiano busca su cuerpo. Tirofijo es un mito. A lo largo de su vida ha muerto cientos de veces.

En 1964 se da el nacimiento de sus Fuerzas Armadas Revolucionarias de Colombia, cuando el gobierno aniquila su ejército campesino. Desde entonces, políticos y militares se dedican a perseguirlo. Con cada muerte Tirofijo se fortalece. Otros intentan negociar la paz, pero la guerra se recrudece. Influido por el marxismo y justificado por la desigualdad reinante en Colombia, Tirofijo sobrevive a 14 presidentes.

En el proceso, su ejército, financiado por la extorsión y el narcotráfico, llega a tener 20.000 combatientes. El campesino liberal, con ínfulas comunistas, termina convertido en el gran señor de la guerra. En mayo de 2008, sin haber consumado su revolución, muere de viejo. Aún hoy buscan su cuerpo.

Maradona, de Kusturica, se presentará en el barrio Suba de Bogotá

2010-08-10T11:14:00.001-05:00

En la inauguración del Cine Club "Sembrando el Cine", del colectivo Suba Nativa, con entrada libre

Jueves 12 de agosto, 5:30 pm
Salón Comunal de la urbanización Solar Parque Central
Carrera 109B No 141A-56, Bogotá, D.C.

Habrán presentaciones musicales de rock y hip-hop, palabras sobre el carácter tranformador del arte y, finalmente, la presentación del filme Maradona, del director serbio Emir Kusturica.

Oliver Stone y sus críticos

2010-07-23T23:55:00.000-05:00

Por Mark Weisbrot
Codirector del Centro de Investigación Económica y de Políticas (Center for Economic and Policy Research – CEPR)

Es estupendo hacer un documental sobre cómo los grandes medios de comunicación tergiversan la realidad y que las propias críticas de estos medios te den la razón. De hecho, su respuesta al documental South of the border, de Oliver Stone, cuyo guión yo mismo escribí junto a Tariq Ali, corrobora las tesis del filme.

La primera tesis tiene que ver con el descuido –o desconocimiento– que caracteriza las informaciones sobre las relaciones entre Estados Unidos y América Latina, un problema al que los grandes medios contribuyen frecuentemente. En varias críticas hubo confusión a la hora de reconocer a los presidentes y a los países. Quizás el ejemplo más patético fue en The Washington Post, donde se publicó una fotografía de Sacha Llorenti –ministro de Gobierno de Bolivia– identificándolo como Evo Morales. Llorenti es desconocido en Estados Unidos, pero aparece en la película traduciendo al presidente Morales. Alguien en el Post debió de suponer que el tipo más blanco de los dos hablando en inglés debía ser el presidente.

La feroz crítica de Larry Rohter sobre la película acaparó la mayor parte de la primera página de la sección de arte de The New York Times, con un gran subtítulo que decía: “Surgen dudas sobre su veracidad”. Sin embargo, falló en encontrar errores fácticos en la película (a pesar de varios intentos desesperados). En una de esas incursiones, utilizó datos de las importaciones de petróleo entre los años 2004 y 2010 para tratar de refutar las declaraciones que un analista de la industria petrolífera –que aparece en una escena de televisión en el filme– realizó en abril de 2002. El corte (de unos cinco segundos) no tendría relevancia para la película en ningún caso, pero, aun así, Rother se equivocó.

Hay demasiados errores en las críticas al documental para citarlos todos aquí. Muchos juzgaron la historia en términos ideológicos, perdiéndose la mayoría (o la totalidad) de los puntos principales del filme. Por ejemplo, el documental proporciona cinco elementos que prueban que Washington estaba involucrado en el golpe de Estado que derrocó al presidente electo de Venezuela, Hugo Chávez, en 2002. Entre ellos se encuentra un documento del Departamento de Estado de Estados Unidos que reconoce que “la Fundación Nacional para la Democracia, el Departamento de Defensa y otros programas de asistencia proporcionaron entrenamiento, construcción institucional y otros apoyos a individuos y organizaciones reconocidos como activamente involucrados en la corta expulsión del Gobierno de Chávez”.

Este, junto al resto de testimonios documentales que aparecen en la película (alguno de los cuales no ha llegado nunca a los medios de comunicación), construye un argumento convincente de que Washington estuvo involucrado en el golpe. Esta conclusión fue respaldada por Scott Wilson, corresponsal de The Washington Post en el momento en que lo entrevistamos, y que informó desde Caracas durante el golpe.

Eduardo Porter, miembro de la junta editorial de The New York Times, también aparece en el filme refiriéndose al apoyo de la Administración Bush al golpe: “La implicación del Gobierno de Estados Unidos en el golpe de Estado fue la peor decisión que podía haberse tomado. No sólo forjó la eterna enemistad de la Administración Chávez, sino que hizo muy difícil que cualquiera en Latinoamérica sintiera simpatía por Estados Unidos”.

Sin embargo, ha habido miles de artículos y análisis radiofónicos sobre las relaciones entre Estados Unidos y Venezuela en los últimos ocho años, pero casi nada acerca del papel que jugó Estados Unidos en el golpe. Como mucho, Estados Unidos es señalado como responsable por Hugo Chávez, una fuente que es sistemáticamente demonizada y desdeñada en una suerte de apoyo tácito de los periodistas al Gobierno de Estados Unidos. La mayoría de los que reprobaron South of the border parecen también ver esta cuestión, así como las pruebas presentadas, como irrelevantes.

Las reseñas que sí aceptaron las críticas a los medios de comunicación coincidieron en señalar como culpable a la cadena Fox. Pero el filme pone un especial énfasis en que este problema es de todos los medios, no sólo de la Fox o de los telediarios, que han venido dando a los norteamericanos una impresión más que distorsionada de los cambios históricos que han tenido lugar en la última década en Latinoamérica. Fue precisamente la junta editorial de The New York Times la que respaldó abiertamente el derrocamiento de un Gobierno electo democráticamente durante el golpe de 2002, hecho que constituye uno de los pilares del filme. Esta cuestión también pasó desapercibida, a pesar de que fue un comportamiento que uno de los periódicos más importantes de Estados Unidos no había tenido en 30 o 40 años.

Como cabía esperar, los medios exhibieron ante el filme la misma hostilidad que caracteriza sus informaciones sobre el tema que en él se trata (aunque también hubo opiniones favorables). La de Los Angeles Times, que contenía varios y grandes errores, la criticaba por no tener suficiente sustancia. Pero parece que la sustancia del filme era demasiado para la mayoría de los medios.

Born on the Fourth of July

2010-07-04T17:51:00.000-05:00

Oliver Stone: “Muestro la otra cara a un país desinformado con tonterías”

2010-06-24T23:55:00.001-05:00

El cineasta Oliver Stone y el Presidente de Venezuela Hugo Chávez.

El cineasta Oliver Stone sostiene que su documental “Al sur de la frontera” que estrena esta semana en Estados Unidos, es para mostrar “la otra cara” de los procesos políticos de izquierda en América Latina “a un país desinformado con tonterías”, dijo a la AFP.

En 78 minutos el documental da una lectura de los movimientos políticos desde el punto de vista de Hugo Chávez en Venezuela, de Evo Morales en Bolivia, de Lula da Silva en Brasil, de Cristina Kirchner en Argentina, de Fernando Lugo en Paraguay, de Rafael Correa en Ecuador y de Raúl Castro en Cuba, presentados como un proceso conjunto.

“South of the border” se estrena el viernes en Nueva York y la próxima semana en Los Angeles y otras ciudades como el primer documental de Oliver Stone de mayor difusión en los cines de su país.

“Desde que llegaron Chávez y Lula dijeron: ‘Queremos llevar nuestros recursos naturales, nuestro petróleo, el gas que poseemos, a que pertenezcan al pueblo”, dijo al reconocer su admiración sin fisuras por un “luchador como Chávez”.

Convencido de haber constatado procesos democráticos muy populares en la región, Stone remarca sobre Estados Unidos, donde nació hace 63 años: “Éste es un país desinformado con tonterías”.

Para afirmar esta idea, el documental se sirve, entre otras cosas, de archivos de noticieros de la cadena conservadora FOX y declaraciones del ex presidente George W. Bush sobre Chávez o Morales, muy fáciles de caricaturizar.

Es el caso de un programa en el que los comentaristas narran cómo el presidente boliviano “come coco” y otro lo corrige: “Oh, no es coca” y prosiguen como burla.

Sin embargo, dice AFP, escasean entrevistas directas a los opositores locales. ”Sí hay algunos en la película”, aclara el director de “Platoon” (1986). “Hay un buen número de adversarios, parte del golpe de Estado, parte de la huelga petrolera, y ya sabes, parte de la guerra mediática en contra” de Chávez.

“Hay muchas críticas pero se sabe que la crítica es bastante desequilibrada en este país, se puede acceder a YouTube y encontrar nada más que mierda maléfica sobre Chávez. Por lo tanto se necesita algún contrapeso a esta historia”.

“En realidad creo que se puede encontrar un montón de críticas en YouTube y los diarios. El New York Times y El Washington Post prácticamente cada semana tienen un artículo sobre lo que Chávez ha hecho recientemente. Todas son pendejadas”, sentencia.

Para la cineasta argentina Adriana Yurcovich, que presentó en Los Angeles el documental “El Ambulante”, “‘Al sur de la frontera’ es para el público que le preguntas ‘¿Cuál es la capital de Buenos Aires?’ y responden Rio de Janeiro”.

“Muestra de una forma muy simple procesos que son muy complejos y contradictorios. No es blanco y negro ni tampoco es igual en todos los países”, dijo a la AFP.

“Es importante ser simple”, responde Stone a críticas similares a las de Yurocovich publicadas en la prensa latinoamericana.

“Si estás en contra de las políticas de reforma entonces lo que haces es complicarlo. A veces se necesita el blanco y negro, se necesita la simpleza” en el debate, responde Stone.

Ejemplifica con las actuales reformas que ha intentado el gobierno de Obama para cambiar las reglas de la banca estadounidense que se beneficia indiscriminadamente o para lograr un sistema de salud universal, ambos difíciles de acordar por la oposición republicana.

Pero cuando se menciona que estas reformas se han discutido en su país sin cierres de medios de comunicación, también adversos a Obama, el cineasta es tajante: “Lo de los cierres de radios en Venezuela son pendejadas”.

“Que no se exagere (…) en Venezuela se puede decir más o menos lo que usted quiere, excepto hacer llamados para derrocar el Gobierno o alguna otra actividad ilegal, porque es una oposición muy esfervescente”.

“No hay más críticas de Chávez allá que aquí para Obama”.

¿Existe más libertad de prensa en Venezuela que en Estados Unidos?: “Por supuesto, usted puede decir lo que quiera, allá se puede ser irresponsable. Aquí no se pueden decir cosas como ‘tenemos que derrocar a Obama’”.

“La verdad, es que están poniendo el dinero en el sistema del pueblo, están ayudando a la gente, no están ayudando a las corporaciones a crecer y enriquecerse. Ese es el fondo del asunto”, cierra Stone, asegurando que desea que un día llegue un “Chávez a Estados Unidos”.

Cubadebate/AFP

La muerte del Che (Che guerrilla)

2010-06-11T23:55:00.002-05:00

El Che Guevara, luego de haber desaparecido de Cuba, reaparece de incógnito en Bolivia donde organiza a un pequeño grupo de camaradas cubanos y reclutas bolivianos, para comenzar una gran revolución latinoamericana. La historia de la campaña boliviana es un cuento de tenacidad, sacrificio e idealismo.

La muerte del Che es la segunda parte de la duología filmada por Steven Solderbergh y protagonizada por Benicio del Toro sobre la vida del revolucionario cubano Ernesto "Che" Guevara.

Oliver Stone expresa interés en rodar filme sobre las reformas sociales en Bolivia

2010-06-02T23:55:00.001-05:00

Consideró que las críticas a Chávez del presidente de Colombia, Álvaro Uribe, ''y de otros presidentes de derecha son presentadas en Estados Unidos todo el tiempo'' por lo cual los estadounidenses ''son muy ignorantes'' sobre los cambios que se llevan a cabo en Suramérica.

El cineasta estadounidense Oliver Stone asistió junto al jefe de Estado boliviano al estreno de Al Sur de la Frontera. (Foto: ABI)

Por Telesur

Al asistir junto al mandatario boliviano al estreno de su documental Al Sur de la Frontera en ese país suramericano, el cineasta estadounidense Oliver Stone dijo que tiene interés en hacer un filme sobre los cambios que vive Bolivia con el Gobierno de Evo Morales.

En la ciudad boliviana de Cochabamba (centro), Stone ofreció una rueda de prensa junto a Morales, en la que expresó su deseo de "contar una historia sobre los procesos de cambio en Bolivia" porque cree que lo que pasa en el país es "muy importante" y debe conocerse en Estados Unidos y Europa.

"Al sur de la frontera" narra el viaje del cineasta a Suramérica a principios del año pasado y cuenta el ascenso al poder del presidente de Venezuela, Hugo Chávez, y de otros líderes progresistas en la región.

El documental incluye una entrevista con el mandatario nacionalista e izquierdista Morales, quien ha visto ya ese filme en otras dos ocasiones y para hoy preparó la presentación del documental en un coliseo de Cochabamba ante seis mil personas.

Stone también recomendó a Morales usar internet para difundir los mensajes sobre sus reformas, al asegurar que los medios de comunicación de Estados Unidos protegen los intereses de ese país, que no son los mismos de Suramérica "y su independencia".

"Yo le sugerí al presidente Chávez y a otros, como le sugiero a Evo, que busque medios alternativos a la prensa como Internet para sacar su mensaje porque con los medios de Estados Unidos es una lucha hasta la muerte", sostuvo.

Stone apuntó que "mientras Estados Unidos mantenga un sistema neoliberal, no va cambiar nada".

Comentó que las críticas a Chávez del presidente de Colombia, Álvaro Uribe, "y de otros presidentes de derecha son presentadas en Estados Unidos todo el tiempo" por lo cual los estadounidenses "son muy ignorantes" sobre los cambios que se llevan a cabo en Suramérica.

La tierra, siempre la tierra

2010-05-30T00:00:00.002-05:00

Reseña de Retrato en un mar de mentiras

Después de la muerte de su abuelo en un alud de lodo, Jairo, un fotógrafo ambulante y Marina, su prima amnésica y muda, deciden ir a recuperar la tierra de la que fueron desplazados años atrás. Viajan desde Bogotá a la Costa Caribe en un viejo y destartalado Renault 4. Durante el viaje Marina comienza a revivir su pasado traumático. Al llegar a su pueblo y anunciar que vienen por sus tierras, los paramilitares los secuestran.

Por Alfredo Molano Bravo

De los barrios que se derrumban solos, porque fueron canteras de arena y ahora son hervideros de gente, huyen de la muerte y del desarraigo los desterrados.

Y nunca terminan de huir del mar de mentiras de la publicidad oficial y del mar de verdades criadas por el terror. Pero huyen, siguen huyendo. Huyen hacia atrás, hacia el origen de la tragedia, en una renoleta destartalada. Ella, una mujer enmudecida por el pavor y aferrada a un Divino Niño del Veinte; él, un rebuscador que deambula con un caballo de madera y un sombrero mexicano de terciopelo negro, fotografiando a quien se deje, en cualquier plaza de ferias, en cualquier atrio, en cualquier cuartel. Son primos, se temen, se necesitan. Van a desenterrar los papeles de la tierra que el abuelo, en la huida, enterró en las cenizas de su mujer, su casa, su finca. Todavía creen que son los títulos y no las pistolas los que acreditan la propiedad. Al Gobierno los únicos papeles que le importan son los de identidad. Bajan de los páramos —donde aún nacen las aguas y los frailejones— a los valles —donde los ríos ya no llevan bocachico ni blanquillo—, esquivando tractomulas gigantescas por carreteras estrechas y rodeadas de soldaditos que saludan con el dedo de matar pulgas mirando al cielo. Inocentes criaturas. Pasan por puentes amarillos sobre ríos embravecidos, bajan el abismo por un laberinto pavimentado. La mujer grita. Aparecen niños jugando con el ruido que hace una moneda regalada en un tarro de plástico. Piden limosna. Un retén de policía. La mujer grita. El hombre le dice entre dientes, cállese prima, son la ley, yo los arreglo: Señor agente, ¿una foto? ¿Sí? ¡Con sombrero de mariachi y Galil queda bacano! ¿Y para la gaseosa? No, para eso sí no hay. Siguen, otro retén, la guerrilla dispara en montada; el Ejército se parapeta detrás de los civiles. Él toma fotos. Tiros en el carro. La vida no se detiene. La renoleta saca la mano: el empaque de la culata. El viaje sigue en escalera. El plante —caballo, sombrero y Divino Niño— a la mano. Comen por fin: un sancocho de pescado, sin pescado; pura yuca. Después, el fandango, buqué de velas, chupacobres en andamio. La tienda de don Juan es ahora de un John Jairo que atiende con poncho y sombrero vueltiao. A la orden: ¿vienen a comprar o a investigar? Porque aquí nadie sabe de nada, aquí la historia se acabó. Más bien tómense un trago allá con ellos, con los patrones; son los que saben de tierras. ¿Tierras? No, compa, aquí eso ya no hay. Más bien váyanse a dormir la que llevan puesta. Duerman. Al piso, hijueputas, al piso. La mujer grita. Vuelve a gritar lo mismo que gritó hace 15 años: ¡Nooooo, no nos maten! ¡A la Ranger!, ordena el patrón. ¡Ya encontraron lo que buscaban! La Ley los despide con un “suerte muchachos”. A la Ranger van. ¡Hay que hacerlos perdedizos!, grita el patrón. En la trocha, bajo una bonga, un pegadero, la Ranger se clava. Todos empujan. Un descuido y ella corre monte adentro, él también. Disparan, lo hieren. Llegan al hospital dando un rodeo. No atienden, hay paro. La Policía cuida. Al hombre, sangrando, lo meten al cuarto de los muertos de anoche. Los chulos revolotean de cadáver en cadáver, les gustan los ojos aún tibios; la Policía se divierte haciéndoles tiros. Los huyentes desisten, no hay droga. Ella se lleva a su primo arrastrado. Muere en el beso del mar.

Son las imágenes que me han quedado de la película Retratos en un mar de mentiras, de Carlos Gaviria, que no es pariente ni de Carlos ni de Víctor. En una entrevista publicada en www.retratoenunmardementiras.com, Petro opina: “no es una película, es la palpitante realidad de un país que vive en guerra por la tierra”. José Obdulio balbucea: “no, es una mentira repetida”. “Sí —revira Petro—, repetida cuatro millones y medio de veces, una por cada colombiano desplazado”. Gustavo Petro —digo yo— ha vuelto a meter el dedo en la llaga: el origen del problema —siempre tapado a bala— es la tierra. A todos los candidatos ha puesto a hablar sobre la cuestión agraria. Es el mayor acierto de los muchos que ha tenido en su campaña. Votaré por él.

La cámara en la selva

2010-05-27T00:00:00.000-05:00

Mientras Estados Unidos lanza su Cuarta Flota e instala siete nuevas bases militares en Colombia, en distintos países de América Latina se acaba de estrenar simultáneamente «FARC-EP La insurgencia del siglo XXI», largometraje documental que narra el conflicto armado desde el punto de vista de la guerrilla bolivariana.

Por Florencia Torres Freeman

¿En el siglo XXI la insurgencia es un souvenir del pasado? ¿Se acabaron las ideologías? ¿Los revolucionarios se han convertido en delincuentes, narcotraficantes, bandoleros, terroristas?

Los grandes monopolios de la (in)comunicación insisten con un mensaje viejo, gastado y único: la insurgencia colombiana no tiene ideología, formación cultural ni proyecto político. Su corazón mercenario palpita al ritmo frenético y alocado de la coca. El antiguo y tenebroso “oro de Moscú” ha sido reemplazado por los maletines repletos de dólares y euros, provenientes del narcotráfico. Los indígenas masacrados, las mujeres violadas, los jóvenes maltratados. En las pantallas de TV el movimiento guerrillero se ha convertido en un monstruo mucho más temible que Satán, Lucifer, Luzbel y los peores demonios medievales.

El viejo y barbudo Karl Marx comenzaba su célebre Manifiesto Comunista afirmando que “Un fantasma recorre Europa: el espectro del comunismo. Contra este espectro se han conjurado en santa jauría todas las potencias de la vieja Europa ... No hay un solo partido de oposición a quien los adversarios gobernantes no motejen de comunista”. Si se reemplaza “comunismo” por FARC-EP (Fuerzas Armadas Revolucionarias de Colombia – Ejército del Pueblo), hoy el fantasma continúa deambulando por allí. ¿Qué movimiento social radicalizado de América Latina no ha sido estigmatizado y acusado de simpatizar con las FARC?

Hoy en día, la CIA, el FBI, la DEA y otros organismos “democráticos” viven repartiendo la acusación de “colaborador de las FARC” a cualquiera que intente, parezca o aspire a ser un disidente radical.

La obra Las brujas de Salem de Arthur Miller parece haber sido escrita ayer. El macartismo se pasea altanero y desafiante. Toda disidencia, en cualquier parte del mundo, huele a guerrilla bolivariana. Vivimos un control del pensamiento que haría empalidecer los vaticinios más sombríos de ls novelas 1984, Un mundo feliz y Fahrenheit 451 o las películas Brazil, Matrix y hasta la más reciente Sector 9.

Desde los grandes noticieros de TV hasta la ficción de Hollywood, pasando por las toneladas de papel manchado de tinta de los grandes emporios periodísticos, hoy todos atacan sobre un mismo blanco. Incluso los principales presidentes de América Latina deben discutir con Uribe, servil ventrílocuo local del gran amo imperial, tomando como eje el apoyo, el rechazo o la indiferencia frente a las FARC-EP. Ni UNASUR ni la OEA han escapado a estos debates.

En ese contexto global, donde la culminación de la guerra fría no ha permitido que baje un grado la temperatura de la guerra psicológica contra las rebeliones armadas contemporáneas, ¿qué piensan realmente las FARC-EP? ¿Poseen un plan? ¿Tienen ideología? ¿Mantienen a sus decenas de miles de jóvenes combatientes obligados y amenazados? ¿Cómo ven el futuro de América Latina?

El largometraje FARC-EP: La insurgencia del siglo XXI intenta responder aquellas preguntas, sometiendo a discusión la propaganda barroca y macartista promovida desde EEUU. Para ello el equipo de cine «Glauber Rocha», formado por camarógrafos de diversos países de América Latina y Europa, se interna en la selva, recorre las cordilleras y las montañas, mostrando desde adentro, como nunca antes se vio, la vida cotidiana en los campamentos de las FARC-EP. El documental, que dura casi dos horas, incorpora entrevistas a los principales comandantes guerrilleros del secretariado de las FARC-EP y numerosos testimonios de combatientes de base, campesinos y jóvenes urbanos del Partido Comunista Clandestino de Colombia (PCCC), incluyendo secuencias sobre el papel fundamental de las mujeres en la lucha guerrillera, los indígenas y pueblos originarios, el problema del narcotráfico, el paramilitarismo, los prisioneros de guerra, las nuevas bases militares norteamericanas y la violación sistemática de los derechos humanos por parte del terrorismo de Estado en la patria del líder independientista Simón Bolívar.

La estructura formal del documental constituye un inmenso collage, donde aparecen reconstruidos desde las matanzas de la empresa bananera United Fruit en 1928, el asesinato del dirigente popular Jorge Eliécer Gaitán en abril de 1948 y la fundación de las FARC-EP hasta la captura de militares norteamericanos en la selva colombiana, el caso reciente de Ingrid Betancourt y las declaraciones de los principales referentes paramilitares (aliados de Uribe) que confiesan haber recibido dinero de las bananeras para asesinar guerrilleros y masacrar población civil.

En ese mosaico que no deja nada o casi nada afuera, son retratadas por primera vez en la historia (hasta donde tenemos noticias) los cursos de formación, políticos, ideológicos y militares, de los combatientes comunes de las FARC-EP y también de sus fuerzas especiales. En medio de la selva, los ríos, los árboles inmensos y los animales aparecen bibliotecas, grupos de lectura, pizarrones y mucha, pero mucha gente joven estudiando. Quien asista a alguna proyección de este film (hasta ahora proyectado en circuitos underground, ¿se proyectará en las grandes salas?) no podrá dejar de recordar las escenas de aquellos Pasajes de la guerra revolucionaria pulidos y retratados en otra época por la pluma exquisita de Ernesto Che Guevara, uno de los inspiradores de la ideología de las FARC-EP junto a su legendario comandante y fundador Manuel Marulanda Vélez, recientemente fallecido. Pero las escenas y entrevistas que retrata esta película no pertenecen a los añorados y nostálgicos años sesenta, tan alabados y tan bastardeados, sino... al siglo XXI.

Como en Cuba, Nicaragua y El Salvador, como en Argelia y sobre todo en Vietnam, hoy Colombia vive una guerra civil de dimensión continental. Esta película muestra lo que jamás aparece en la CNN y otras usinas del poder: el conflicto armado desde el punto de vista de la rebeldía bolivariana. No pasará desapercibida.

Tomado de: www.rebelion.org

La cinta "Fuera de la ley" causa alarma y la policía toma Cannes

2010-05-22T23:55:00.003-05:00

La ultraderecha rechazó la visión del cineasta sobre la lucha por la independencia de Argelia. "Francia no puede permitirse una situación desequilibrada con las ex colonias", consideró.

La Jornada

Oficiales captados en el techo de un hotel, atentos al desarrollo de la proyección de la cinta Fuera de la ley, en Cannes. Foto AP.

Los conflictos armados parecen no querer abandonar la alfombra roja de Cannes, esta pequeña localidad costera que hoy amaneció tomada por la policía. La razón, una película que ha levantado ampollas: Hors la loi (Fuera de la ley), del director franco-argelino Rachid Bouchareb.

Centrada en la lucha por la independencia de argelinos radicados en Francia, la cinta gira en torno a tres hermanos que, cada uno a su manera, se suman a la causa. Rodada a modo de western, Hors la loi retrata tanto la represión dentro de las filas del Frente de Liberación Nacional (FNL) como las acciones fuera de la ley de las fuerzas de seguridad francesas.

"Mi película tiene la intención de abrir un debate de forma calmada, fría y colectiva", afirmó Bouchareb. "Jamás imaginé que provocaría alarma", añadió el cineasta, quien con este largometraje quiso mostrar a las generaciones de inmigrantes más jóvenes parte de su historia reciente.

Aun cuando la película no había sido vista, Bouchareb fue acusado de negacionista y antifrancés por este trabajo, que voces de la ultraderecha consideran daña la imagen de Francia. En Hors la loi, sin embargo, expone las acciones de los independentistas así como las de las fuerzas del orden. "No hay animadversión contra Francia", subrayó Bouchareb, quien ya vivió una polémica menor en 2006 con Indigènes, sobre la participación de soldados de las colonias en la liberación de Francia en la Segunda Guerra Mundial.

Con espíritu de justicia

El cineasta dio las gracias además al director artístico de Cannes, Thierry Fremaux, por no ceder a las presiones a las que se vio sometido para no proyectar el largometraje en el certamen francés.

“No es una película contra nadie, está hecha con el mismo espíritu que iluminó Indigènes: la injusticia”, añadió el cineasta, que cuenta con los actores principales de su anterior trabajo: Jamel Debbouze, Roschdy Zem y Sami Bouajila. Todos recogieron entonces el premio a la mejor actuación masculina.

Para Bouchareb, "Francia no puede permitirse una situación desequilibrada con las ex colonias. Los historiadores, los políticos, el público, todos tienen que hacer su trabajo para que podamos pasar página con serenidad. Ha habido demasiada violencia en el pasado y no vamos a repetir eso hoy día, fuera de la pantalla", agregó.

El conflicto armado llegó a las pantallas del Festival de Cannes con La princesse de Montpensier, del francés Bertand Tavernier, la película de Chad Un Homme qui crie y siguió como elemento de la trama en Des hommes et de Dieux y Fair Game. Hoy regresó de nuevo a la pantalla con Bouchareb y Route Irish, en la que el director británico Ken Loach denuncia la impunidad de los soldados privados que actuaron en Irak tras la invasión de Estados Unidos en 2003.

Loach, acompañado de su inseparable guionista Paul Laverty, denunció "el monstruoso crimen" contra el pueblo iraquí que se ha cometido con la guerra por "pura avaricia".

El director británico, quien se sumó en el último momento a la competición, no ha recibido los elogios de sus anteriores películas Looking for Eric o The Wind That Shakes The Barley, que alzó la Palma de Oro en 2006. Route Irish, nombre de la carretera que va de Bagdad al aeropuerto de la capital iraquí, no consigue en su conjunto tener la fuerza de otras películas de Loach que tanto emocionaron.

Para el cineasta, la espiral de violencia que puso en marcha la guerra no tiene fin. "La venganza trae más venganza", añadió.

No hay que olvidar, dijo, que las víctimas principales del conflicto son los iraquíes. "Me molesta caundo las películas estadunidenses muestran a los soldados (de Estados Unidos) como las víctimas", lamentó.

La tercera película presentada hoy a concurso, la tailandesa Uncle Boonmee Who Can Recall His Past Lives, de Apichatpong Weerasethakul, ha sido la única que no está relacionada temáticamente con la guerra, pero el cineasta casi no llega a Cannes debido al conflicto en Bangkok.

"Casi no llego, porque mi pasaporte estaba en el centro de la ciudad y era demasiado peligroso ir por él. Antes de salir se veía cómo salía humo de las calles. Tenía la impresión de estar en una película", añadió.

"Es la situación de violencia más extrema que hemos tenido en nuestra historia", añadió Weerasethakul, para quien hay una brecha tan grande entre ricos y pobres en su país que algo así tenía que suceder.

"Espero que estos acontecimientos concluyan uniendo al país", dijo.

El director tailandés, quien ya obtuvo el premio especial del jurado en Cannes con Tropical Malady, trajo hasta el certamen francés una de las propuestas más arriesgadas en términos artísticos, que ha sido elogiada ante todo por la crítica más cinéfila.

La película se centra en un hombre que se está muriendo y viaja al norte de Tailandia, la región donde nació. Allí se le aparecen los fantasmas de sus familiares ya fallecidos.

Breve comentario sobre el estreno en Madrid del documental de Oliver Stone, South of border

2010-05-20T09:08:00.001-05:00

Por J.M. Álvarez

El pasado martes tuvimos la oportunidad de asistir en el Palacio Municipal de Congresos de Madrid, al estreno mundial del documental de Oliver Stone South of border (Al sur de la frontera). Oliver Stone, que no pudo estar presente, envió un saludo a todos los allí congregados. El documental se exhibirá a finales de este mes en Venezuela y Ecuador, y a primeros de junio en Bolivia. Nosotros hemos tenido el placer de verlo ya.

Acudieron los presidentes de Bolivia, Paraguay, el primer ministro de San Vicente y las Granadinas y el canciller de Cuba, Bruno Rodríguez. El acto fue presentado por Temir Porras, ministro para Europa de la Republica Bolivariana de Venezuela. También estuvo el primer ministro haitiano, Jean Max Bellerive, que agradeció el apoyo prestado a su país por Cuba y Venezuela. La ausencia de Hugo Chávez fue saludada con gritos de ¡Uh, ah, Chávez no se va! y también se coreó ¡Uribe fascista y narcoterrorista! en señal de rechazo al pequeño dictador colombiano, próximo a ser arrojado a la basura por sus “amigos” estadounidenses.

Evo Morales ha denunciado, en varias ocasiones, que los inmigrantes no van a Europa a saquear recursos de nadie, aludiendo al capitalismo depredador. En el Palacio de Congresos volvió a tener un recuerdo para los bolivianos que residen en España y repitió que el capitalismo es un sistema bárbaro que está destruyendo la humanidad. Por esas razones, algunos medios españoles dicen que Evo tiene un discurso subversivo. Subversivo por ser anticapitalista… Tengámoslo en cuenta para el futuro mediato. Los burgueses muestran el camino: o blanco o negro. No hay otra.

Consideramos obligado citar un detalle del documental. El ex mandatario argentino Néstor Kichner le confesó a Oliver Stone que en uno de sus encuentros con George Bush, éste le manifestó que Estados Unidos tiene la necesidad de crecer económicamente, y mantener su estatus, generando guerras. Es de agradecer que Kichner, nada sospechoso de agitador, manifieste públicamente las intenciones pasadas y futuras de Washington. Eso mismo es lo que los revolucionarios llevan denunciando desde tiempo inmemorial. En consecuencia, los ilusos tendrán que tomar partido por los pueblos o por el imperialismo criminal.

La lengua de las mariposas

2010-05-15T12:00:00.002-05:00

A los maestros, en su día

Situada en 1936, Don Gregorio enseñará a Moncho con dedicación y paciencia toda su sabiduría en cuanto a los conocimientos, la literatura, la naturaleza, y hasta las mujeres. Pero el trasfondo de la amenaza política subsistirá siempre, especialmente cuando Don Gregorio es atacado por ser considerado un enemigo del régimen fascista. Así se irá abriendo entre estos dos amigos una brecha, traída por la fuerza del contexto que los rodea. La política y la guerra se interponen entre las personas y desembocan, indefectiblemente, en la tragedia.

¿Cómo recobrar después de esto, la inocencia? Parece ser la pregunta de José Luís Cuerda, cuando Don Gregorio, al contrario del padre de Moncho, opte por sí mismo y por sus ideales, aunque esta opción signifique la muerte. Dura y con un dramático final, La lengua de las mariposas explora el nacimiento de una vida a los horrores de una guerra.

El contexto histórico de La lengua de las mariposas

La película trata de muchos temas: de la amistad, la escuela, la infancia, la iniciación a la vida, pero también del miedo, del terror, de las miserias de la condición humana… Habla también de la historia. Los acontecimientos históricos que están detrás de La lengua de las mariposas determinan claramente la vida de los personajes, tal y como queda claro al final. Durante toda la cinta se observa un aire de nostalgia por la libertad, la esperanza y el cambio social que supuso la Segunda República española, («Gracias a la República podemos votar las mujeres», dice la madre de Moncho) y una denuncia de la bestialidad irracional de los que la derrocaron.

El golpe de estado de julio de 1936 lo urdió un sector importante del ejército (los generales Franco, Mola, Sanjurjo, Goded...), inspirado y financiado por las clases poderosas del estado, los terratenientes y la alta burguesía, que abandonaron la vía legal y parlamentaria para decantarse por las armas, el terror y la dictadura, que llevó a la muerte violenta a miles de personas partidarias de la República y de su proyecto modernizador.

El 18 de julio de 1936 el general Franco salió de Canarias al frente del ejército insurrecto (recordar al final de la película cuando se dice «¡Hay guerra en África!»), mientras Mola declaraba el estado de guerra y ocupaba Pamplona. Paralelamente, Queipo de Llano se apoderaba de Sevilla y extendía la rebelión por Andalucía, provocando la inmediata represión contra las personas progresistas).

Novecento: lucha de clases en Italia

2010-05-08T00:00:00.001-05:00

Escena que simboliza el nacimiento del Partido Comunista en 1921.

Novecento se desarrolla en la Italia en las primeras décadas del siglo XX. La cinta aborda temas como la explotación, la acogida del comunismo por parte de los proletarios explotados, la Primera Guerra Mundial y el surgimiento del fascismo, de la mano de los grandes capitalistas y terratenientes.

En la película se cuenta además la historia de Olmo, un humilde trabajador de una hacienda y Alfredo, nieto del patrón de la misma, quienes entablarán una estrecha amistad a pesar de sus diferencias, la cual se verá afectada por las circunstancias de una sociedad convulsionada y en plena guerra.

El filme, realizado en 1976, está protagonizado por Robert de Niro (Alfredo) y Gérard Depardieu (Olmo), y cuenta con la música del galardonado Ennio Morricone.

Tiempos modernos

2010-05-01T09:49:00.004-05:00

Charlotte trabaja en una fábrica apretando tornillos en una cinta sin fin. Un día tiene un ataque nervioso producto del estrés de su trabajo, comienza a apretar narices en vez de tornillos y termina creando el caos antes de que puedan reducirle y echarle a la calle. Una vez recuperado, es encarcelado acusado injustamente de encabezar unos tumultos callejeros. Tras su estancia en prisión, se encuentra con que la vida en la calle es bastante difícil. Antes recibe una carta especial en cuestiones comunitariamente laborales (trabajos comunitarios), pero después de unos empleos fallidos (debido a su torpeza), intenta que lo vuelvan a encerrar echándose la culpa de un robo de un trozo de pan cometido por una huérfana que tenía mucha hambre, ambos se conocen en una patrulla de policía, y luego se escapan arriesgadamente pero con éxito, y desde entonces los dos acaban buscándose la vida juntos, con el sueño de tener una bonita casa. Primero el vagabundo empieza a trabajar como empleado nocturno (sustituto) en un centro comercial, pero es despedido por quedarse dormido en un montón de ropa. Luego, el vagabundo vuelve a trabajar en la fábrica como ayudante del mecánico. Pero la fábrica cierra a causa de una huelga y de nuevo el protagonista es detenido acusado injustamente de haber atacado sin querer y por torpeza a un policía durante los disturbios (al cual le tiró un ladrillo pisando una tabla). Al salir de la cárcel, se encuentra con que la huérfana ha encontrado trabajo en un café en el que los camareros cantan y le promete buscarle trabajo también a él. Charlote)es un camarero malísimo pero, al mismo tiempo, divierte mucho a los clientes cuando le llega la hora de cantar, así que parece que han encontrado un empleo estable. Pero llegan los encargados del orfanato e intentan llevarse a la chica tras ser buscada por vagancia. Los dos consiguen escapar. En la secuencia final, ambos caminan por un camino desolado. La chica comienza a llorar, pero el vagabundo la anima a no perder la esperanza y la sonrisa. Se alejan juntos hacia el horizonte, buscando su buen futuro que tanto sueñan, sin rendirse, tomados de la mano (Como en todas las anteriores películas de Chaplin solo que esta vez acompañado).

En el Bicentenario: Miranda regresa

2010-04-26T14:14:00.003-05:00

“Miranda” es una de las películas, recientemente, más taquilleras en Venezuela, describe la vida y obra de Francisco Miranda, personaje clave de los acontecimientos históricos del Bicentenario.

Produccion venezolana de la Fundacion Villa del Cine, dirigida por Luis Alberto Lamata.

Prsentación en Bogotá:

Sala Oriol Rangel, Planetario Distrital. Martes 27 de abril, 6:00 pm, con la presentación y contexto del señor Embajador de Venezuela en Colombia: Gustavo Márquez Marín.

Cine mexicano recrea debacle financiera de 1994

2010-04-22T23:55:00.003-05:00

Por Emilio Godoy
IPS

Valente, un ranchero mexicano, no puede pagar la hipoteca sobre su propiedad, por lo cual decide asaltar un banco. El atraco provoca que Dagoberto, director de la policía local y su amigo desde la infancia, lo persiga y desate un conflicto.

Esa es la línea argumental de la película "Crepúsculo rojo", a estrenarse este viernes en los cines mexicanos bajo la dirección de Carlos González, que aborda desde la ficción la crisis financiera de 1994, un tema aún pegado a la piel de este país norteamericano.

"Todas mis películas son de corte social. Nos propusimos contar una historia sobre la crisis en el norte del país, sobre cómo ésta destrozó amistades y familias", dijo a IPS González, guionista, actor, productor y director de cine y televisión, nacido en 1945 en la ciudad de Monterrey, estado de Nuevo León, a 933 kilómetros de la capital mexicana.

La trama, escrita por el guionista mexicano César Rodríguez, fallecido en 2007, se desarrolla en la comunidad de Galeana en Nuevo León. El rodaje en formato totalmente digital se inició en 2006 y finalizó al año siguiente.

El film costó más de un millón de dólares y recibió apoyo de la estatal Universidad Autónoma de Nuevo León, de la Promotora La Vida es Bella, de los Estudios Churubusco Azteca y de los fondos estatales de Promoción al Cine y para la Producción Cinematográfica de Calidad.

Con "Crepúsculo rojo", González, director de largometrajes como "Tómalo como quieras" (1971), "Derrota" (1973) y "El otro crimen" (1988), vuelve a las pantallas tras de 10 años de silencio cinematográfico.

En diciembre de 1994 se desató una crisis financiera en México, que provocó una acentuada devaluación del peso frente al dólar y una subida vertiginosa de las tasas de interés. De esa forma, millones de personas perdieron sus ahorros y dejaron de pagar sus hipotecas.

La banca se fue a pique, siendo rescatada por el gobierno, lo que hasta la fecha ha significado un gasto superior a los 100.000 millones de dólares, según cifras oficiales y cálculos de especialistas.

Las carteras vencidas de los bancos terminaron en el gubernamental Fondo Bancario de Protección al Ahorro (Fobaproa), surgido en 1990 y que luego de la crisis fue sustituido por el Instituto para la Protección al Ahorro Bancario, aún vigente.

En 1999 el Congreso legislativo mexicano aprobó la conversión de la deuda bancaria en una del Estado, por lo cual esos montos todavía son pagados por los contribuyentes aztecas.

Una de las protagonistas de la película, la actriz mexicana Isela Vega, sufrió de cerca los estragos del hundimiento económico: su hermana dejó abandonado su automóvil en plena calle y con las puertas abiertas en vista de que ya no podía pagarlo.

Las crisis económicas parecen formar parte del código genético de los mexicanos, ya que luego de la recesión de 1994 sobrevino la de 1997, originada en varias naciones del sudeste asiático.

En 2008 este país norteamericano de 107 millones de habitantes volvió a padecer sobresaltos financieros debidos a la crisis surgida en Estados Unidos, que ha impactado en el empleo y en el desenvolvimiento de la economía.

Con "Crepúsculo rojo", González, seguidor del género western, obtuvo el año pasado el premio al mejor director en el Festival Pantalla de Cristal, mientras que la cinta logró el galardón a la mejor película, la primera en abordar desde la ficción la triste realidad de la crisis de 1994.

"Es un tema candente. Es una metáfora que ilustra la diferencia entre la ley y la justicia, que van por caminos diferentes", refirió González, quien optó por un ámbito rural para romper con la tendencia cinematográfica mexicana reciente de mostrar medios urbanos y de clase media.

La película, para la cual los distribuidores prometieron colocar 20 copias en distintas salas del país, expone el conflicto emocional derivado de la persecución de Dagoberto a Valente, donde se entremezclan la amistad, la lealtad y el duelo.

El cineasta luchó para acceder a financiamiento para el rodaje y la producción y para ocupar un espacio en la cartelera nacional, poblada mayoritariamente por la filmografía proveniente de Estados Unidos.

La cinta participó en 2009 en el V Festival Internacional de Cine de Monterrey y en el V Festival Internacional de Cine de Acapulco, clasificados entre los más importantes del país.

González, quien fue dirigente estudiantil durante los convulsos meses de 1968 y por lo cual pasó una semana en prisión, prepara ahora una comedia musical, un género poco popular en la cinematografía mexicana y que él mismo cataloga de "una locura".

"Ya iniciamos pláticas con algunas personas y se ve un buen panorama", dijo el director, cuyo nuevo proyecto quedaría listo en el año 2011.

Festival de Cine Pobre en Cuba arranca con 160 obras de 30 países

2010-04-19T23:55:00.000-05:00

Las muestras en concurso competirán en siete géneros: ficción, cortos, documentales, obras experimentales y videoarte, guiones inéditos y proyectos en maquetas.

Por Telesur

Este lunes, en la localidad cubana de Gibara (noreste), comienza el VIII Festival Internacional de Cine Pobre, en la que competirán un total 160 obras de 30 países, entre ellos Estados Unidos, Brasil, Colombia y Chile.

"Mañana (lunes) arrancamos con un festival muy potente, con la mejor calidad de proyecciones, con cinco exposiciones de artes plásticas, conciertos. Va a ser un festival muy intenso", el cual concluirá el sábado, declaró el director Sergio Benvenuto a la televisión local.

Destacó que la octava edición del Festival coincide con un momento de desarrollo de la tecnología digital, lo que permite hacer cine de bajo costo y explica la alta cifra de participantes en la cita anual.

En el apartado de largometrajes, el más importante del Festival, anunció El premio flaco, de Juan Carlos Cremata (Cuba); Nunca había sido tan feliz, de Alexander Adolph (Alemania); El vuelco del cangrejo, de Oscar Ruíz (Colombia-Francia) y Karaoke, de Chris Chan (Malasia).

Entre las 12 personalidades que conforman el jurado se encuentran el escritor Reynaldo González, Premio Nacional de Literatura y el actor francés Fran ois Dunoyer, intérprete del personaje de Victor Hugues en la versión homónima que Solás hiciera en 1992 de la novela El Siglo de las luces, de Alejo Carpentier.

Lisset Miranda, especialista en promoción del Centro Provincial del Cine, comentó que además del visionaje de las obras en concursos se exhibirán muestras institucionales paralelas provenientes de eventos como el chileno 1000 Metros Bajo Tierra y el Internacional de Videoarte, de Camagüey.

El Festival del Cine Pobre, creado en abril de 2003 por el reconocido director cubano Humberto Solás, dedicará sus jornadas al editor Nelson Rodríguez, Premio Nacional de Cine 2007, y contará con subsedes en casi todas las provincias orientales de la isla y otra en ciudad de La Habana.

El viento que acaricia el prado

2010-04-12T23:55:00.001-05:00

“El viento que acaricia el prado” es la película ganadora del premio Palma de Oro del Festival de Cannes 2006 que trata sobre la Irlanda de la década de 1920 y los orígenes del conflicto anglo-irlandés. Cuenta la historia de dos hermanos campesinos que se unen al IRA para enfrentar a las tropas británicas que habían sido enviadas para apaciguar las intenciones independentistas de los irlandeses.

El filme causó polémica en la crítica. Su director, Ken Loach, es reconocido por su militancia política de izquierda y la denuncia de problemas sociales en sus trabajos.

La cinta toma su nombre de un verso de una canción irlandesa del siglo XIX cantada por los simpatizantes y miembros del IRA que reza The Wind That Shakes the Barley. Traduce literalmente “el viento que agita la cebada”.

Tiene como punto de referencia los acontecimientos ocurridos entre 1920 y 1923, momento crucial en que la resistencia irlandesa se opone al Tratado de Autonomía Anglo-Irlandés y se agudiza el conflicto.

La equívoca apariencia de una tierra de nadie

2010-04-05T00:00:00.000-05:00

Por Roberto López Belloso
Periodista uruguayo

Nacida de una productora que ya había llevado a la macedonia Antes de la lluvia a las nominaciones para el Premio Oscar, y de un director que tenía sobre su hombro derecho trescientas horas de filmación en el propio frente de batalla, No man’s land revitalizó el interés de la opinión pública internacional sobre el conflicto balcánico, adormecido por dos años y medio de alto al fuego que lo mantuvieron alejado de las primeras planas. Ganadora del Oscar a la Mejor Película Extranjera, fue estrenada en Montevideo como El último día, aunque su título original signifique “tierra de nadie”.

No man’s land, que cuenta las desventuras de tres soldados que quedan atrapados en la misma trinchera del norte de Bosnia a pesar de pertenecer a bandos enemigos, tiene varios niveles de lectura. Puede mirarse sin saber nada del contexto balcánico, y en ese caso puede ser tomada como un alegato antibélico, o es posible ponerla en la perspectiva histórica del conflicto que hace menos de una década desintegró Yugoslavia, y entonces se descubre que la película elabora por lo menos dos discursos diferentes: uno hacia el espectador internacional, que fue el que en definitiva la llevó a ganar el Oscar, y otro hacia el espectador balcánico. Es en esta última dimensión en la que su director, Danis Tanovic, construye un producto valiente y sin concesiones. Con la apariencia de estar haciendo un filme “políticamente correcto”, Tanovic subvierte varios de los consensos que el discurso dominante del nacionalismo balcánico construyó en torno a la guerra de Bosnia. En No man’s land nada está elegido inocentemente. Ni el lugar donde transcurre, ni la nacionalidad de los personajes. Ni siquiera el hecho de que los cascos azules involucrados en la historia sean franceses.

La principal herejía de la película se sostiene en torno al personaje que en apariencia sería el menos cuestionable: Cicik, el bosnio. Tanovic comienza a insinuar su provocación desde una de las primeras imágenes, cuando se ve la insignia de la Armija en el hombro de uno de los soldados que avanzan en la niebla. Reafirma su intención a través de varias de las banderas que se ven durante los intercambios de disparos, y la deja meridianamente en claro cuando la periodista interpretada por Katrin Cartlidge sitúa la acción “en las inmediaciones de Tuzla”. Tanovic está dispuesto a contar la historia de la guerra de Bosnia incluyendo un punto de vista que no existe: el punto de vista de la Federación. Si en algo estaban de acuerdo los nacionalismos serbio, croata y bosnio-musulmán, era en que la Federación Bosnia era una ficción, a lo sumo una alianza militar circunstancial e indeseable.

Formalmente la Federación unía a bosnio-musulmanes y bosnio-croatas en su lucha contra los serbios, pero en los hechos casi no existía. En la mayoría de los frentes de combate ambas fracciones de la Federación luchaban por su cuenta y en algunos sitios, como en la dividida ciudad de Mostar, peleaban entre sí. Todavía hoy, la Bosnia no serbia tiene dos ejércitos, dos sistemas de impuestos, y dos correos. Sin embargo, en Sarajevo y en Tuzla, sí existía la Federación; y junto a la Federación, la Armija, su improvisado ejército, que es al que pertenece Cicik. En la Armija incluso había serbios que peleaban junto con croatas y musulmanes para preservar una Bosnia-Herzegovina multiétnica. Hay un dato en la película que surge de un diálogo aparentemente menor entre Cicik y su enemigo Nino, que sitúa la duda razonable de si Cicik no será también él un serbio, ya que ambos conocen bien Banja Luka, ciudad poblada mayoritariamente por serbios. En todo caso sí está claro que Cicik no es un bosnio musulmán, ya que no hay ninguna referencia religiosa en la película, por lo que el personaje puede ser un croata o un bosnio laico, elemento que no le debe de haber traido pocos problemas a Tanovic en Sarajevo.

El que sí es serbio es el otro protagonista, Nino (interpretado, paradójicamente, por el croata Rene Bitorajac). Pero no es cualquier serbio. No es un serbio de la Serbia de Milosevic ni de la Krajina, que era la parte serbia de Croacia, sino que es un serbio de Banja Luka. Un serbobosnio del bando de Karadzic, cuyo arrugado retrato se observa en una de las trincheras. Un verdadero villano para la historia oficial de la guerra de Bosnia. Y para colmo de males, un villano que se sumó a su ejército como voluntario. A partir de ese dato, cualquier rasgo de humanidad que Tanovic se permita otorgar a su personaje, será una provocación. Y Tanovic se lo permite, ya que construye su drama de trinchera sin apelar al maniqueismo.

Los dardos del director no se limitan a criticar lo irreconciliable y supuestamente caprichoso de los nacionalismos ex yugoslavos, sino que también apuntan a la comunidad internacional. En ese sentido, el banquillo de los acusados lo ocupan las fuerzas de paz de Naciones Unidas, como ya ocurriera en la Underground de Emir Kusturica. Los “pitufos”, como se les llama en el filme, parecen estar más preocupados por su seguridad y por las cámaras, que por cumplir la misión que les fue encomendada. Luego de oponer a un sargento francés con los mandos internacionales, el mensaje final que parece dar Tanovic –a través de una secuencia que no debe ser contada antes que el espectador vea la película- es que más allá de impulsos individuales, lo que falla es el propio concepto de misiones de paz pensadas en términos de neutralidad. Un punto de vista sin duda polémico, pero que reafirma la percepción de que No man’s land es mucho más que una simple comedia políticamente correcta sobre la irracionalidad de la guerra.

Publicado originalmente en Brecha en noviembre de 2002.

Enemigo al acecho (Enemy At The Gates)

2010-03-27T09:53:00.007-05:00

Sobre la batalla de Stalingrado

Por Nelson Dávila Acosta
Rebelión

Durante la batalla de Stalingrado (hasta 1925, se llamaba Volgogrado); en la que se luchó cuerpo a cuerpo, metro a metro, cuarto por cuarto y sumando muertos soviéticos y nazis, se alcanzó a contar algo mas de dos millones de cadáveres.

La carnicería fue bestial, todo tipo de armas fue usada, de la ciudad, desaparecieron perros, gatos y ratas, todo lo que se movía servía de alimento.

En Stalingrado, se jugó el destino de la Unión Soviética y de la humanidad, los alemanes volcaron todos sus recursos para atacar a esa ciudad, es que la segunda guerra mundial, no fue una guerra contra los judíos y otras minorías nacionales, como se nos quiere hacer creer, fue realmente una guerra anti comunista, el plan Barba roja, aplicado contra los pueblos de la URSS comenzó el 1 de junio de 1941, a su paso, por Polonia, Ucrania y Bielorrusia, los nazis enfrentaron con extrema dureza a los guerrilleros, a los radicales, a los comunistas sobretodo, mientras tanto en los territorios europeos occidentales ya ocupados por los fascistas, estos asesinaron a millones de combatientes: a los maquis en Francia, a los guerrilleros de todo color político en España, Italia, Grecia, etc.

Consideremos: al final de la guerra se contabilizaron 6 millones de muertos judíos (la mayor parte por razones religiosas, en los hornos crematorios, por los fascistas alemanes), 20 millones de soviéticos, y totalizando las diversas nacionalidades europeas, se cree que la cifra total de muertos fue de 80 millones.

En medio de semejante escenario, aparece la figura de un joven campesino (Jude Law), quien habiendo sido en su campo natal un magnifico cazador de conejos, ahora aquella experiencia, le servirá en el campo de batalla: su misión: matar generales, comandantes, coroneles, con su magnifica puntería y empuñando un fusil, lo logra con relativa facilidad, lo que determinará que el alto mando alemán, haga llegar hasta la sitiada ciudad, a un increíble francotirador germano, armado a su vez con un fusil alemán de alta precisión, Richard Harris, nos demuestra una vez más sus capacidades actorales, y la persecución al francotirador ruso se torna implacable, una y otra vez los dos estarán a tiro de cañón, pero por algún detalle, se complica matar al otro.

Rachel Weiz, (Tania) es la belleza rusa, inteligente e instruida, que se enamora perdidamente del campesino ruso, por sus cualidades, por su sencillez y es ella la que dará el toque de ternura a la película.

El alemán, desesperado, pierde el control de si mismo, se descuida y queda a boca de jarro del fusil soviético, el cual será disparado con total precisión y sin piedad.

Aun faltan dos largos años, hasta que la bandera roja con la hoz y el martillo ondee sobre el Reichstag, en pleno centro de Berlín, pero Stalingrado fue el principio del fin para los criminales nazis.